HYBRIDER LE SENSIBLE ET LES SAVOIRS
Les chercheurs à l’œuvre à La Cambre
Cette journée d’études a pour objectif de présenter le travail de recherche en cours au sein de l'école (sur l’art, en art, par l’art). Elle se conçoit aussi comme une plate-forme d’échanges favorisant la rencontre et le dialogue en donnant la parole à différents chercheurs·euses parfois dispersé·e·s dans l’école : étudiant·e·s, enseignant·e·s, doctorant·e·s, etc.
La forme de la journée trouble intentionnellement le modèle académique en s’ouvrant à plusieurs dispositifs : présentation, retour d’expérience, table-ronde, débat, projection, exposition, performance, etc. Dans le même esprit, le contenu des échanges ne se limite pas à la présentation objective des intentions ou des conclusions d’une recherche, mais concerne tout autant la réflexion subjective sur les défis de la recherche, les situations vécues tant sur le plan intellectuel que matériel, les conditions pragmatiques de présentation des résultats d’une recherche, les rapports de force avec le modèle universitaire, etc.
Après une introduction par le directeur de l’école et le coordinateur de la recherche, la matinée est consacrée aux Mémoires de fin d’études de la Finalité approfondie et aux Doctorats en Art et sciences de l’art, tant du point de vue des mémorant·e·s et des doctorant·e·s que des encadrant·e·s de la recherche.
Après une présentation de l’asbl a/r art recherche, et du FRArt/Fonds de recherche en art par le directeur de l’école et une représentante d’a/r, l’après-midi est consacrée à l’après mémoire et doctorat, ainsi qu’aux autres formats de recherche développés au sein ou à partir de l’école.
Après des études de lettres classiques, d’archéologie et d’histoire de l’art à l’Université de Strasbourg, Thérèse Willer dirige depuis 1992 la collection Tomi Ungerer aux Musées de Strasbourg et a ouvert à Strasbourg en 2007 le musée éponyme. Elle a été commissaire de près d’une centaine d’expositions sur le sujet dans le monde, contribué à des catalogues et dirigé ceux des collections permanentes et des expositions temporaires du Musée Tomi Ungerer. En 2008, elle a soutenu une thèse de doctorat en histoire de l’art à l’Université de Strasbourg, « L’œuvre graphique de Tomi Ungerer », qui a obtenu en 2009 le prix Martin Bucer décerné par la Fondation Saint-Thomas à Strasbourg et qui a été publiée aux éditions du Rocher en 2011 sous le titre « Tomi Ungerer. Graphic Art ». Elle s’intéresse de manière plus large au thème de l’illustration au XXe siècle (Saul Steinberg, Roland Topor). Elle s’attache au Musée Tomi Ungerer/Centre international de l’Illustration à ouvrir les collections à un large public, plus particulièrement grâce à la médiation avec des outils tangibles, en collaboration avec l’Atelier de didactique visuelle de la HEAR.
Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France) vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.
Annette Krauss est artiste et conférencière. Explorant la possibilité de pratiques participatives, son travail souvent basé sur la recherche aborde l'intersection entre l'art, la politique et la vie quotidienne. Son travail s'articule autour des connaissances informelles et des processus de normalisation qui façonnent notre corps, la façon dont nous utilisons les objets, nous engageons dans des pratiques sociales et comment ceux-ci influencent la façon dont nous connaissons et agissons dans le monde. Son travail artistique émerge à travers l'intersection de différents médias, tels que la performance, la vidéo, la recherche historique et quotidienne, la pédagogie et les textes.
Elle est actuellement doctorante à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne et enseigne à l'Université des Arts HKU d'Utrecht depuis 2010.
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
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Rencontre avec Kasia Redzisz, première directrice artistique de KANAL—Centre Pompidou
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Rencontre avec Kasia Redzisz, première directrice artistique de KANAL—Centre Pompidou
Meeting Point #22
Conférence à l'initiative de l'atelier de Photographie
Rencontre avec Kasia Redzisz, première directrice artistique de KANAL — Centre Pompidou.
Une belle occasion pour lui poser toutes vos questions!
La Fondation KANAL et le Centre Pompidou accueillent Kasia Redzisz en tant que première directrice artistique de KANAL-Centre Pompidou, musée interdisciplinaire d’art moderne et contemporain situé à Bruxelles, dont l’ouverture est prévue pour 2024. Kasia Redzisz y a pris ses fonctions à la fin de l’année 2021 après avoir été sélectionnée par un jury international plus tôt dans l’année.
Kasia Redzisz rejoint KANAL-Centre Pompidou après six années à la Tate Liverpool, où elle occupait le poste de Senior Curator depuis 2015. Elle y était responsable du programme d’expositions et de présentation des collections du musée ainsi que des collaborations internationales. Kasia Redzisz y a organisé plusieurs expositions saluées par la critique, notamment celles de Lucy McKenzie, de Theaster Gates, de Maria Lassnig, ou encore d’Edward Krasinski. Par ailleurs, de nouvelles commandes auprès d’artistes tels que Judy Chicago, Ugo Rondinone ou Sol Calero ont également été réalisées sous sa direction.
De 2010 à 2015, Kasia Redzisz à occupé le poste de commissaire d’exposition à la Tate Modern où elle a, entre autres, curaté les exposiions de Sigmar Polke, Alighiero Boetti et Mira Schendel. Entre 2008 et 2015, elle fonde et dirige Open Art Projects, une association Polonaise à but non lucratif dédiée aux commandes d’art innovantes. Entre 2011 et 2018, elle dirige avec l’artiste Miroslaw Balka le projet Otwock, explorant la relation entre art et localité. Plus récemment, son travail indépendant comprend de nombreux projets interdisciplinaires, tels que, l’exposition inaugurale du Muzeum Susch en Suisse (2019) ou encore la 4e édition de la Biennale Art Encounters à Timisoara (2021). Kasia Redzisz à également contribué à l’édition de plusieurs catalogues d’exposition et d’écrits dans des revues telles que Frieze, Mousse et Tate Etc.
Yves Goldstein, directeur de la Fondation KANAL, s’est exprimé au sujet de sa nomination : « Kasia Redzisz apporte une vision artistique avant-gardiste, qui reflète son engagement en faveur d’une programmation interdisciplinaire et de l’établissement de dialogues entre des pratiques artistiques issues de géographies diverses. Cette vision est soutenue par l’expérience unique qu’elle a acquise en travaillant intensément, non seulement dans des musées mais aussi dans des formats expérimentaux hors du contexte institutionnel. Ses compétences largement reconnues en matière de conservation et de leadership seront déterminantes pour l’élaboration d’un modèle institutionnel pour un nouveau musée, tant audacieux sur le plan artistique, que profondément conscient de son rôle civique. »
Laurent Le Bon, Président du Centre Pompidou, déclare : « Je suis ravi de voir Kasia Redzisz prendre la direction de KANAL-Centre Pompidou. Sa réputation est celle d’une conservatrice innovante, mais aussi rigoureuse. Son expérience institutionnelle et sa connaissance approfondie des collections des musées en font la partenaire idéale pour dialoguer avec le Centre Pompidou. Je me réjouis de notre collaboration lors de ce nouveau chapitre du partenariat entre la Fondation KANAL et le Centre Pompidou. »
Kasia Redzisz, directrice artistique, s’exprime à son tour : « Je suis ravie de rejoindre KANAL-Centre Pompidou à ce moment charnière de la mise en place de cette nouvelle institution. Bruxelles est le foyer de citoyens multiculturels, d’un nombre croissant d’artistes aux divers horizons et d’autant d’organisations culturelles. Ils seront indispensables pour l’avenir de KANAL, un musée qui sera équipé pour représenter et accueillir ces communautés tout en répondant à un monde en constante évolution - pertinent pour les débats mondiaux, mais engagé dans sa localité. La vision que je développe pour KANAL est celle d’un musée dynamique, réactif et interdisciplinaire - un espace d’expérimentation qui brise les paradigmes, qui nous rassemble pour célébrer l’art et continuer à repenser son rôle crucial dans nos vies. La création d’une nouvelle institution offre un potentiel gigantesque. Je suis ravie de me voir confier la responsabilité d’envisager son avenir et je suis impatiente de travailler avec mes collègues de KANAL, les artistes, les travailleurs culturels, les communautés, les chercheurs ainsi que les partenaires locaux et internationaux à la réalisation de ce projet. »
Les Prix des Amis de La Cambre sont remis chaque année à trois étudiant·e·s diplômé·e·s de Master, parmi neuf lauréat·e·s sélectionné·e·s par un jury indépendant composé au sein et autour de l’association des Amis.
Artistes exposé.es :
Harold Lechien (Gravure et image imprimée)
Lili Schreiber (Stylisme et création de mode)
Lionel Dury (Dessin)
Léna Babinet (Céramique)
Xavier Duffaut (Gravure et image imprimée)
Milena Forest (Scénographie)
Paul Gérard (Espace urbain)
Charlotte Hermand (Scénographie)
Mehdi Gorbuz (Sculpture)
Devenue annuelle depuis 2019, après une longue tradition triennale, l’exposition des Prix des Amis est l’occasion pour l’école d’inviter ces neuf jeunes Alumni à déployer leur travail dans un accrochage qui leur permet déjà un saut professionnel au regard du diplôme défendu huit à neuf mois plus tôt.
Souvent connectée à nos Portes ouvertes, l’exposition est également l’occasion d’inviter un public nombreux à découvrir nos espaces en même temps que l’identité singulière de chacun·e de ces artistes et designers récemment diplômé·e·s.
Pour cette édition 2022, le projet part à la rencontre d’un immeuble emblématique, intimement lié à l’histoire de l’école, et avec lequel une page est en passe de se tourner à la faveur de notre immense projet d’un campus rassemblé à l’Abbaye de La Cambre. L’hôtel De Bodt, magnifique habitation moderniste due à Henry van de Velde, est intégré au patrimoine de l’école et en accueille les activités depuis 1967. Espaces de cours, d’atelier, mais aussi d’innombrables projets d’accrochages, de jurys, d’expositions publiques. L’exposition SWEET HOME rendra aussi hommage à ces murs dans lesquels tant d’autres l’ont précédée. Elle permettra un parcours inédit au sein d’un bâtiment dont l’histoire, les qualités architecturales et les espaces seront également rendus perceptibles au cours de la visite.
Exposition des étudiant.ex de Master de l’ENSAV La Cambre avec le soutien du HISK et Kanal - Centre Pompidou
Artistes participant·e·s: Francesco Agnelli, Francesco Battistello, Mathieu Cappiau, Robinson Catelin, Anatole De Benedictis, Thomas Gibout, Romane Iskaria, Hannah Kircher, Maud Langlais, Laure Lhoas, Octave Ly, Ara Méndez Murillo, Eunji Oh, Camille Poitevin, Kamand Razavi, Alba Suau.
Commissariat : Marion Adrian & Pieter Vermeulen
Coordination du projet : Hervé Charles, Jean Pierre Müller, Pauline Emond et Valentine Himpens-David
Seize jeunes artistes aux préoccupations singulières ont mis en regard leurs travaux récents et se sont interrogé·ex sur les liens que cette proximité pouvait faire émerger.
Tell Me Louder (Dis-moi plus fort/Dis-le moi plus fort) témoigne de l’énergie que génère l’exposition en tant qu’expérience collective, mais aussi de la difficulté qu’il peut y avoir à formuler ses désirs, ses intuitions au sein d’un groupe. Ce projet est né d’une volonté commune de développer une relation plus apaisée aux œuvres, aux autres et à l’espace. Quelles sont les conditions nécessaires pour que les propositions de chacun·e puissent coexister dans un même environnement ? Entre pulsions, modulations, tâtonnements, Tell me louder attire l’attention sur ces détails, communicables ou incommunicables, qui composent un imaginaire partagé.
Ainsi, conçues spécialement par les artistes pour l’espace du HISK, certaines pièces sonores « murmurées », à peine audibles, accompagnent la visite. Glissant imperceptiblement du registre du bruit à celui du langage, ces voix incitent à différents modes d'écoute et élargissent le champ sensoriel des œuvres. Conversations en direct ou en différé, monologues intérieurs, traces sonores de manipulations; sont autant de tentatives de s’adresser intimement aux visiteur·euse·s par le biais de canaux de communication alternatifs.
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Brigitte Thelen (1957 - 2022)
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Brigitte Thelen (1957 - 2022)
La communauté de La Cambre vient d’apprendre le décès de Brigitte Thelen (1957 - 2022), peintre et sérigraphe.
Diplômée en vitrail et transparences en 1984, elle avait été assistante de Jean-Pierre Point une vingtaine d’années en Sérigraphie à partir de 1985, puis a dirigé ce même atelier avant sa fusion avec la Gravure et image imprimée, jusqu’en 2013.
Nous présentons nos sincères condoléances à ses proches et aux personnes qui l’ont connue et appréciée.
Une cérémonie civile se tiendra mardi 15 février à 10h30 au Crématorium Intercommunal de Bruxelles situé avenue du Silence, 61 à 1180 Uccle
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Open 2022
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Open 2022
La Cambre organise ses Portes Ouvertes le vendredi 18 mars, de 13h à 18h, le samedi 19 mars, de 11h à 18h
Cette exposition des étudiant.ex de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre se propose d’explorer le thème de la métamorphose de façon multidisciplinaire.
La variété formelle des œuvres qui seront présentées (peinture, gravure, sérigraphie, photographie, céramique, couture, installation visuelle et sonore…) tentera de faire écho à la thématique, interprétée librement par chacun.ex des étudiant.ex, issus de toutes options et de toutes années d’enseignement.
L’évolution du vivant, la mutation des formes de la représentation, la difficulté pour un individu de se livrer sur ses vécus les plus intimes, ou encore la quête de soi sont quelques-unes des pistes empruntées par les œuvres que vous pourrez découvrir.
L’exposition prend place dans les anciens locaux de l’Institut National Géographique, aujourd’hui propriété de la Cambre, un bâtiment lui-même en pleine métamorphose pour devenir un lieu de création et d’expérimentations.
Exposition organisée par les étudiant.ex de La Cambre.
Exposant.ex :
Simon Aubry Picaudot , Francesco Battistello, Kloé Baumgertener, Nathan Bédon-Rouanet, Marthe Boissonnade, Paola Boscato, Garance Bossion, Lucille Briffaud, Lea Buffard, Sophie Burtscher, Camille Cireddu, Marilou Dard, Nele De Paepe, Fantin Delattre, Galatée Deschamps, Camille Devulpillieres, Tom Forrest, Eve Garanger, Léo Gasiglia, Etienne Grignon, Marius Hebert, Maëlle Helias, Victoire Honoré, Léon Huneau, Valentine Jolibois, Mehdi Khya, Zoé Lambert-Bernal, Cindy Lau, Michael Lecomte, Clara Lehon, Louise Lemmens, Mara Losange, Hadrien Loumaye, Maëlle Lucas-Le Garrec, Lucien Lyon, Thaïs Marquet-Ellis, Anatole Mélot, Louise Metzger, Dan Meyer, So Jung Moon, Louise Morfouace, Muth, Camille Peyre, Nathan Pierard, Mahaut Rey, Caroline Rohn, Bérénice Rohrer-Missiaen, Pernilla Roos, Jeanne Ruelle, Abel Saglio, Jorge Sáiz Zunda, Hovic der Sarkissian, Kenza Saleh-Veschetti, Manon Souza, Mirabelle Tjeega, Hannah Todt, Michelle Tulpinck, Flore Van Eycken, Diane Waddington, Léna/o Zipper
Quoi ?
18 vidéos d’artistes sélectionné.e.s par 6 écoles d’art bruxelloises. Chaque école supérieure d’art partenaire a sélectionné trois films d’artistes récemment diplomé.e.s.
Quand ?
du 21 au 27 février 2022, de 18h à 17h le lendemain
Votez pour votre film favori et participez ainsi au prix du public !
Partenaires
• Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (ARBA-ESA)
• École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre (La Cambre)
• École de recherche graphique (ERG)
• Institut national supérieur des arts du spectacle (INSAS)
• LUCA School of Arts
• Royal Institute for Theatre, Cinema and Sound (RITCS)
Les prix
• Prix du Public : Chaque jour, le public pourra exprimer son vote en ligne
• Prix CENTRALE : Un prix CENTRALE sélectionné par un jury composé des membres de l’équipe
Les 2 lauréat.e.s se verront octroyer un prix de 250€ chacun.e. ainsi qu’une projection publique à la CENTRALE le 13 mars 2022 à 16h (TBC).
Tou.te.s les artistes se voient verser des droits d’auteur
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Prix Médiatine
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Prix Médiatine
La Cambre est particulièrement bien représentée cette année au Prix Médiatine par le biais de 3 jeunes artistes de l'atelier de Photographie.
Le Prix principal est octroyé à Anna Safiatou Touré, encore étudiante en Master 2 et le Prix Macors à Benoît Jacquemin (Alumni 2019). Le travail de Kamand Razavi (Master 2) a également été remarqué et est sélectionné pour l'exposition.
Prix Médiatine: Anna Safiatou Touré, Vidéo / Photographie
Sélectionnée pour l'exposition: Kamand Razavi, Photographie / Vidéo
Le Prix Médiatine est un concours pour jeunes artistes plasticien·nes belges ou résidant en Belgique, toutes disciplines confondues. À l’issue
de la sélection du jury orchestré par le Centre culturel Wolubilis, une dizaine d’artistes sont retenus parmi lesquels 7 d’entre eux sont
primés. Véritable laboratoire de recherches plastiques, le Prix Médiatine se veut un tremplin par le biais notamment d’une exposition à
La Médiatine et de la publication d’un catalogue. Peintures, dessins, photographies, installations, art vidéo, sculptures, performances,
gravures,… l’occasion de découvrir ce qui se fait aujourd’hui sur la scène artistique belge émergente.
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Laure Prouvost — Chaire à vif
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Laure Prouvost — Chaire à vif
Projection et rencontre
LAURE PROUVOST
en discussion avec FLAVIEN BERGER
Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France) vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.
Flavien Berger (1986, Paris, France) est musicien, auteur, compositeur et interprète.
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
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Chaire à vif — 2022
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Chaire à vif — 2022
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
En 2022, la seconde édition de CHAIRE À VIF recevra Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France). Elle vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.
Les artistes Justyna Wierzkowiecka, Tanguy Poujol, Alice Pallot, Benoît Jacquemin, et Romy Berger exposent leurs oeuvres du 14/01/22 au 12/02/22 à la Galerie Immix, 116 Quai de Jemappes, 75010 PARIS.
Constituée d'ancien.nes et d'actuel.les étudiant.es de La Cambre, l'exposition "Portion déterminée de l'espace" dévoile des oeuvres résonnant avec l'histoire personnelle de chacun.e des artistes. Au-delà de leur âge, de leur profil socio-économique ou de l’actualité, la notion de lieu
traverse leurs recherches: la Poméranie, le lieu de l’enfance et des origines pour Justyna Wierzkowiecka qui la regarde avec la sagacité des
yeux de l’exil; le lieu de l’histoire familiale africaine et du secret de famille pour Benoît Jacquemin qui s’inspire d’images de propagande coloniale; l’ancrage au lieu même de l’exposition pour Tanguy Poujol qui y crée un labyrinthe émotionnel; son propre corps comme lieu d’expérimentations médicales récurrentes pour Romy Berger; le lieu de résilience du confinement -malgré sa pollution avérée- pour Alice Pallot.
Le lieu apparait à la fois comme espace mental de recherche pour l’artiste, l’espace capté par l’appareil et l’espace d’expression et d’exposition du travail, induisant une complémentarité indissociable entre l’action du photographe et l’objet qui en résulte. Nous sommes heureux de pouvoir partager ces oeuvres en ce lieu-ci, à Paris, à la Galerie IMMIX.
Commissariat : Hervé Charles
Avec le soutien de la Galerie IMMIX, Les Amis de La Cambre, le Centre Wallonie-Bruxelles et OPENART.TODAY.
Collaboration entre l'AVPTTA, Association pour la valorisation et la promotion du tissage traditionnel d'Abomey, les ateliers de Design textile, Design industriel et Architecture d'intérieur de La Cambre et l'EPA, École du Patrimoine africain, Porto-Novo.
Un vieillard qui meurt en Afrique, c'est une bibliothèque qui brûle.
Territoires tissés est un laboratoire collaboratif et transdisciplinaire, investissant les valeurs culturelles, techniques, patrimoniales et créatives véhiculées par la production du textile. En interrogeant l'écosystème des ateliers de tissage du Palais du Roi Agonglo à Abomey, le projet envisage la création et l’artisanat comme un levier de rencontres, d’apprentissages et d’émancipation pour tous les participants.
Financé par Wallonie Bruxelles International, avec le soutien de l’Académie de recherche et d’enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles.
The Bye Bye Binary (BBB) collective, formed in November 2018 during a joint workshop of the typography workshops of the École de Recherche Graphique (erg) and La Cambre (Brussels), proposes to explore new graphic and typographic forms adapted to the French language, taking language and inclusive writing as a starting point, a field of experimentation and a research subject. The Théâtre National Wallonie-Bruxelles has recently been given new management and, to accompany this new way of looking at the world, is initiating an in-depth study of its identity. Because a start has to be made somewhere, a first meeting has been arranged to address the issue of inclusive writing. How can we, as a cultural institution, position ourselves on its use? In order to reflect on this issue in depth, the Théâtre National is organising a day of reflection and meetings between its teams and external guests to shed light on this question.
The Théâtre National Wallonie-Bruxelles has recently been given a new direction, a new project, and, to accompany this new outlook on the world, is initiating an in-depth study of its identity. In order to live up to its missions, it is important that this change is not just cosmetic, but that it involves changes in perspective. Ecology, sustainability, gender equality, new modes of governance and management... these are all subjects that are already fully present at the heart of the institution and its functioning, as well as in the programming axes, but which it seems relevant today to question further.
Because we have to start somewhere, a first meeting is scheduled to address the issue of inclusive writing. How can we, as a cultural institution, position ourselves on its use? In order to reflect on this issue in depth, the National Theatre is organising a day of reflection and meetings between its teams and external guests to shed light on this question.
The linguist Laurence Rosier (ULB, Brussels), member of the Council for the French language and linguistic policy in Belgium
Læ linguist Alpheratz (Sorbonne University, Paris) author of a gender-neutral grammar
Enzo Le Garrec, member of the Club Mæd, author of the Guide Pratique du Langage Inclusif en École d'Art
Eugénie Bidaut (Atelier National de Recherche Typographique, Nancy) and Laure Giletti (Atelier de Typographie, La Cambre, Brussels), members of the Bye Bye Binary actix collective on the development of inclusive, non-binary, genderfucker typefaces
Joëlle Sambi (author, artist associated with the National Theatre) is associated with this day in view of a second study day to come, which will extend the reflection on systems of domination in language and writing.
Camille Circlude (erg, Brussels), member of the Bye Bye Binary collective, and Benoît Henken of the National Theatre are coordinating this day of reflection.
How can we position ourselves politically in favour of research into inclusive, non-binary, post-binary and genderfucker writing?
How can we bet on research and experimentation, work with partial forms, under construction, evolving, opening up the collective imagination?
How can the singular voice of each artist and the institution's overall artistic project be conveyed at the same time?
How can we put in place the necessary means to support the institution's staff in discovering, learning and practicing inclusive writing and typographic creations?
How can the widest possible public be integrated into this proactive approach?
How can we commit to free licensing protocols that authorise and promote the use, modification and sharing of typographic creations?
How can we define ourselves in the non-definition?
The day before, on the occasion of the publication of an article by Bye Bye Binary in the magazine Raddar, the collective will come to present their work, on Thursday 25 November from 6pm to 9pm, at the bookshop Peinture fraîche as well as their selection of books with commentary.
Bye Bye Binary (BBB) is a Franco-Belgian collective, a pedagogical experiment, a community, a variable typo-graphic creation workshop, a network, an alliance. The collective, formed in November 2018 during a joint workshop of the typography workshops of the École de Recherche Graphique (erg) and La Cambre (Brussels), proposes to explore new graphic and typographic forms adapted to the French language, in particular the creation of glyphs (letters, ligatures, median points, linking or symbiotic elements) taking as a starting point, a field of experimentation and a subject of research the language and inclusive writing.
Mario Ramos est né à Bruxelles en 1958, d'une mère belge et d'un père portugais. Sa petite enfance est rythmée par des séjours chez sa grand-mère maternelle, à l'orée d'un bois, et des grandes vacances au Portugal.
"Les premières histoires en images qui m’ont émerveillé sont les films de Charlot et les albums de Tintin. Très tôt, je suis fasciné par tout ce qu’on peut transmettre par un petit dessin. Études supérieures de communication graphique. Je découvre les fabuleux dessins de Tomi Ungerer et de Saul Steinberg. On s’inscrit toujours dans une continuité, c’est bon de remonter aux sources. Je commence par réaliser de nombreuses affiches, des dessins de presse, et finalement des livres pour enfants qui deviennent mon activité principale. Avec un crayon et du papier, tout est possible. C’est magique!"
Auteur engagé auprès des enfants et des professionnels, Mario Ramos a publié ses 33 albums chez Pastel. Ses loups, cochons, singes et autres personnages font rire et réfléchir les grands et les petits dans le monde entier.
Mario Ramos nous a quittés le 16 décembre 2012.
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ECART — Resonating Ceramics
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ECART — Resonating Ceramics
Sous le nom d’ECART (European Ceramic Art & Research Team) sont réunies quatre écoles supérieures d’art et de design européennes très réputées, aux spécificités marquées et complémentaires, toutes quatre engagées de manière particulière dans le développement de la céramique contemporaine. Ces quatre écoles ont eu depuis dix ans plusieurs occasions de collaborer dans le domaine, sous l'angle d'échanges pédagogiques ou artistiques.
Sous le titre Resonating Ceramics, le réseau lance une nouvelle séquence de projets s’étendant de 2021 à 2023, avec le soutien de la Commission européenne et du fonds Erasmus +, au titre de partenariat stratégique d’innovation dans l’enseignement supérieur. L'équipe de projets a choisi d'explorer la relation entre matériau céramique et expérimentation sonore, tout en liant cette interrogation à une préoccupation basée sur la notion de rituel (au sens social et anthropologique). Matières et son donnent en effet à combiner une variété importante de multiples dans le domaine, ce qui accroit le potentiel expérimental du projet.
Cette séquence démarre cette année à La Cambre, du 25 au 29 octobre. Ci-après une partie du programme ouvert à la Communauté de La Cambre sur inscription obligatoire * :
• Performance — lundi 25 octobre à 18h, auditoire Stynen 50 Hertz
Salomé Guillemin, artiste et designer
50 Hertz est une performance de musique drone jouée avec un ensemble de céramiques et de néons amplifié par des effets.
• Performance et conférence — mardi 26 octobre à 18h, auditoire Stynen Après résonance
Léna Babinet, artiste céramiste et ancienne étudiante diplômée de l’atelier de Céramique de La cambre
Après résonance est une performance qui explore la relation entre l’ancien et le futur, le très archaïque et l’imaginaire numérique.
Des pots de terre dans les murs de pierre : des résonateurs pour l’oreille et pour l’âme
Bénédicte Bertholon et Jean-Christophe Vanière, respectivement, archéologue et archéomètre, enseignant chercheur,
Les résonateurs, appelés pots acoustiques pour le Moyen Âge et l’époque moderne, présentent de nombreux témoignages archéologiques dans les édifices d’Europe et du pourtour méditerranéen. Ces pots de terre insérés dans les murs de pierre suscitent un questionnement interdisciplinaire et complexe visant à définir l’objectif poursuivi par les bâtisseurs pendant de nombreux siècles.
• Performance — mercredi 27 octobre à 18h, auditoire Stynen Quartz
Christian Vialard, musicien compositeur, producteur et plasticien
Quartz fait partie d’une série de mes concerts/performances où j’utilise le son et en particulier ma guitare électrique pour expérimenter les différentes résonances des espaces dans lesquels ces performances ont lieu.
Le jeu avec les objets en céramique et porcelaine sur la guitare révèle par l’amplification une forme d’identité sonore de l’espace de la performance.
• Conférence (en anglais) — jeudi 28 octobre à 18h, auditoire Stynen The Sound of materials
Tim Ingold, anthropologue et professeur d'anthropologie sociale à l'université d'Aberdeen (Écosse)
There can be no sound without movement, without feeling. Yet we are heirs to a way of thinking that puts all the movement, and all the feeling, on the side of our human selves, reducing the remainder of what we call ‘the material world’ to silence. Is this why we have failed so conspicuously to listen to it? In this talk, I shall argue that sound is as intrinsic to the mode of existence of materials – say of wood, or of clay – as it is to our own. But for the argument to stand, we have to reconceptualise both ‘sound’ and ‘material’, in terms of affective resonances rather than physical-mechanical properties. Against those who claim that sound has its own materiality, alongside the materiality of wood, clay, etc., I hold that sound enters into the very constitution of these materials – it makes them what they are. It is not, then, that sound is inherently material; rather, materials are inherently sonorous.
Le projet est porté par :
L'École nationale supérieure des arts visuels, La Cambre, Bruxelles
L'École nationale supérieure d'art, Villa Arson, Nice (FR)
La Haute école d'art et de design (HEAD), Genève (CH)
L'École supérieure d'arts plastiques de la Ville de Monaco, Le Pavillon Bosio, Monaco (MC)
EKWC: Sundaymorning@ekwc, Tilburg (centre d'artistes en résidence et centre d'excellence visant au développement de l'art, du design et de l'architecture à travers la céramique).
*Avec regret et en raison des mesures sanitaires toujours en vigueur, les rencontres, performances et conférences prennent place dans le seul cadre des activités académiques et ne permettent pas d’accueillir un public extérieur. Merci pour votre compréhension.
Meeting Point #21
Conference at the initiative of the department of Visual and Graphic Communication
On the occasion of a 3-day workshop with Bachelor 2 students of the Visual and graphic communication, the South Korean graphic designer Oh Jinkyung will share her career as a graphic designer as well as her teaching experience at Hongik University and PaTi school (Korea South).
Book designer, AGI member
Oh Jinkyung worked as a graphic designer for an advertising agency and a publishing company and taught at Hongik University and PaTi (Paju Typography Institute) for over 10 years.
Currently, she has been art-directing a series of Korean textbooks for foreigners with the National Institute of the Korean Language.
Documents
Exposition Perspectives, Science - Graphic Art Collaborations
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Exposition Perspectives, Science - Graphic Art Collaborations
Cette exposition retrace trois éditions du projet académique Recherche en Perspective pour lequel des étudiants de Master en Communication Visuelle et Graphique (ENSAV La Cambre) et des chercheurs de l’ULB issus de disciplines variées ont collaboré.
Ensemble, ils ont co-créé et produit des supports de communication illustrant de manière attractive et visuelle des contenus scientifiques parfois difficiles à appréhender et communiquer.
Dans leur objectif commun de rendre plus accessibles la connaissance, le savoir-faire et les patrimoines scientifique et culturel bruxellois, Ohme et les Halles Saint-Géry vous invitent à découvrir l’exposition Perspectives du 8 octobre au 31 décembre 2021 aux Halles Saint-Géry.
Cette exposition retrace trois éditions du projet académique Recherche en Perspective pour lequel des étudiants de Master en Communication Visuelle et Graphique (ENSAV La Cambre) et des chercheurs de l’ULB issus de disciplines variées ont collaboré.
Ensemble, ils ont co-créé et produit des supports de communication illustrant de manière attractive et visuelle des contenus scientifiques parfois difficiles à appréhender et communiquer.
Car si l’engagement dans la recherche académique et scientifique vise à contribuer à l’avancée des connaissances dans un domaine spécifique, cette contribution n’a de sens que si elle est comprise et partagée.
**Vernissage et talk introductif le 07.10.21 dès 18h00.
Ce vernissage sera introduit par un panel talk autour l'ArtScience, thème à l'originie de Mise en abyme au coeur de l'ArtScience, travail issu de la collaboration entre Cécile Cuny et Raoul Sommeillier et premier chapitre de l'exposition.
Le panel talk sera composé de:
