Allocutions de Mme Elisabeth Degryse, Ministre-présidente de la Fédération Wallonie-Bruxelles, et de M. Julien Nicaise, Administrateur général de Wallonie-Bruxelles Enseignement
Mots de rentrée du Directeur
Merci de bien vouloir confirmer votre présence avant le 1er octobre.
La séance sera suivie d'une réception informelle au Patio du bâtiment 14.
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IA et art : Un terrain de jeu créatif
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IA et art : Un terrain de jeu créatif
Temps d'échange, de partage et d'écoute, la Journée Forum crée un espace de dialogue transversal. Étudiant·e·x, enseignant·e·s, personnel administratif et technique y sont convié·e·s et font vivre ce moment collectif.
Ce jeudi 12 septembre, la communauté de La Cambre explore les potentiels des intelligences artificielles (IA) dans la création artistique...
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Appel FRArt 2025
Appel FRArt 2025
L’appel FRArt 2025 sera ouvert mi-décembre 2024 sur e-space.
Calendrier
Publication de l’appel : mardi 18 juin 2024
Clôture du dépôt des dossiers dans les ESA : jeudi 31 octobre 2024
Ouverture de l’appel : sur l’application web du F.R.S.-FNRS e-space pour soumission électronique
Clôture de l’appel : jeudi 30 janvier 2025
Réunion du Comité artistique international : fin mars/début avril 2025
Conseil d’administration du FRArt : fin avril 2025
Démarrage des PDR-FRArt : entre le 1er juin et le 1er décembre 2025
La Direction du Pep’s de la Fédération Wallonie-Bruxelles vient de lancer la numérisation des archives d’Henry van de Velde conservées à l’école.
Cette campagne vise à valoriser des dessins et des plans relatifs au mobilier, à certains projets d’architecture, typographiques et ornementaux d’Henry van de Velde. À l’horizon 2027, en prévision de la commémoration du centenaire de la fondation de l’École de La Cambre, l’objectif est d’avoir sauvegardé et rendu accessible à la recherche la totalité du fonds d’archives grâce à sa numérisation.
Cette démarche permettra non seulement de préserver ce patrimoine exceptionnel, mais aussi de le rendre accessible à un public élargi, contribuant ainsi à la diffusion et à la valorisation de l’héritage artistique d’Henry van de Velde.
Dans le sillage des restitutions du projet Territoires tissés organisées à Bruxelles et à Cotonou, une publication témoigne des cinq ans de travail et d'échanges entre les artisan·e·s de l'AVPTTA, Association pour la Valorisation et la Promotion du Tissage Traditionnel d'Abomey, les ateliers Design textile, Design industriel et Architecture d'intérieur de La Cambre et l'Ecole du Patrimoine Africain à Porto Novo.
Disponible sur demande à l'adresse communication@lacambre.be
Informations
216 pages
Editeur responsable: Benoît Henaut
Ecriture et coordination éditoriale: Anne Masson et Giampiero Pitisci
Avec les contributions de Gabin Djimassé et Théo Atrokpo
Conception graphique: Atelier Olivier Lamy
Ouvrage réalisé avec le soutien de Wallonie-Bruxelles International
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Nouveau ! Site alumni.lacambre.be
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Nouveau ! Site alumni.lacambre.be
La Cambre est ravie de vous annoncer le lancement du site internet alumni.lacambre.be !
De 1979 à 2023, retrouvez les noms des diplômé·e·s de l'ENSAV La Cambre !
(Travail d'archivage en cours pour les diplômé·e·s de 1929 à 1978)
Pour toute question, remarque ou demande à ce sujet, une seule adresse de contact : alumni@lacambre.be
Les jurys de fin d'année et d'études se dérouleront du 27 mai au 24 juin 2024 inclus. Ouverts à tout.e.s, c'est l'occasion de découvrir les travaux de nos étudiant.e.x.s !
Le Graduation Show - exposition des projets de fin d'études des étudiant.e.x.s de Master - est prévu du 13 au 15 septembre et du 20 au 22 septembre, vernissage le 12 septembre (Informations à venir)
Présentation des travaux de diplôme des étudiant·e·s de Master 2 Design industriel
La cendre des Héléades
La cendre des Héléades
Elles ont choisi la céramique comme médium pour s’exprimer. Elles tissent des histoires avec la matière qu’elles transforment. Elles disent que leur ressource principale est l’argile, mais c’est parfois le textile, le son, le temps, les souvenirs, l’histoire.
LUNA ARPY THEA ROXANE
Elles ont choisi les Héléades pour accompagner leur travail de diplôme, telles des naïades d’eau douce, ou peut-être aussi des Guérillères. Elles vous invitent à venir découvrir leurs projets lors de cette exposition qui clôture leurs années d’études. Des cendres émergera un monde nouveau qui commence pour chacune d’elles.
Faites la ligne, jamais le point
Faites la ligne, jamais le point
Présentation des travaux de diplôme des étudiant·e·x·s de Master 2 Design textile
Exposition Design du livre et du papier
Exposition Design du livre et du papier
Les étudiant·e·x·s exposent une sélection de leurs travaux à la Wittockiana du 22 juin au 29 septembre 2024
Vernissage et DJ set le 21 juin à 18h
Avec Nora Amaouche, Ninnog Gesland-Bouilly, Zoé Peray, Lola Cassayre, Roxane Daguet, Consuelo Gournay, Sarah Juin, Anna Marguier, Dunya Savilova, Dina Benayed, Maude Cottenier, Angeline Guzman, Eloïse Agostini, AtlanticBarbara, Cloé Barbier et Jeanne Champenois-Masset
Pretextes
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Pretextes
Écrire un roman est un prétexte pour parler d’autre chose. De la même manière que les insectes sont délicats avant de faire peur, la moisissure est douce avant de dégoûter, ou encore, et c’est la dernière comparaison, l’amour fait peur avant d’être doux.
Il y a au moins autant de choses à faire qu’il existe de récits dans les livres, et en dehors. Il y a moins de récits que de choses qu’on peut imaginer faire.
Écrire, c’est faire la différence des deux.
Le 18 juin 2024, à la Maison poème, dix auteur·ice·s issu·e·s du Master Textes et création littéraire prédisent leurs textes à travers dix lectures performées.
Présentation des travaux de diplôme des étudiant·e·x·s de Master 2 Design du livre et de papier
Actes
Actes
Présentation des travaux de diplôme des étudiant·e·x·s de Master 2 Communication visuelle et graphique
Showing master danse
Showing master danse
Après deux années intenses de découvertes, de recherche et de rencontres, les étudiant·e·x·s sortant·e·s du Master Danse et pratiques chorégraphiques vous ouvrent les portes de leur studio pour une première présentation publique de leurs projets personnels.
15h45: Caroline Roche - La Raffinerie > Salle le Cube
16h30: Justine Richard - La Raffinerie > Salle Mezzanine
17h45: Lou Viallon - Salle Bodega
18h30: Aimée Gaster - La Raffinerie > Salle le Cube
19h45: Garance Maillot - La Raffinerie > Salle Mezzanine
20h30: Vio Hugo Lacroix - Salle Bodega
21h15: Charly Molle Cousin - La Raffinerie > Salle le Cube
21h45: Louisa Viret - La Raffinerie > Salle des Machines
OFF SCHOOL
OFF SCHOOL
L’acte photographique est un acte de création, souvent individuel, mais dont le résultat est destiné à la médiation et à la monstration publique.
Suite à l’invitation de Hangar, l'atelier Photographie présente des extraits de travaux d'étudiant·e·x·s, en privilégiant celles et ceux qui seront prochainement diplômé·e·s.
Once Upon
Once Upon
Présentation des travaux de diplôme des étudiant·e·x·s de Master 2 Scénographie
J'oublie tout
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J'oublie tout
« Je mets un tableau sur un mur. Ensuite j'oublie qu'il y a un mur. Je ne sais plus ce qu'il y a derrière ce mur, je ne sais plus qu'il y a un mur, que ce mur est un mur, je ne sais plus ce que c'est qu'un mur, je ne sais plus que dans mon appartement il y a des murs, et que s'il n'y avait pas de murs il n'y aurait pas d'appartement. Le mur n'est plus ce qui délimite et définit le lieu où je vis, ce qui le sépare des autres lieux, il n'est plus qu'un support pour le tableau. Mais j'oublie aussi le tableau. J'ai mis le tableau sur le mur pour oublier qu'il y avait un mur, mais en oubliant le mur j'oublie aussi le tableau. Il y a des tableaux parce qu'il y a des murs. Les tableaux effacent les murs, mais les murs tuent les tableaux (…)1»
J’oublie tout réunit les récents travaux des étudiant·e·x·s de Master 2 Peinture. L’exposition témoigne de la très grande diversité des pratiques et préoccupations qui animent l’atelier. Face à cette diversité, il est tout aussi difficile qu’artificiel d’imaginer une thématique générale, qu’elle touche aux aspects les plus formels et/ou conceptuels des projets. Se partage néanmoins une exigence commune : rendre prégnant ce qui échappe aux discours, voire aux images elles-mêmes. En d’autres termes, lutter aux limites de son imaginaire, chercher à le rendre KO, au risque de ne plus « vraiment savoir » et pour cette raison même, risquer un choix. Faire le pari de la peinture, c’est refuser à la fois le mur et le tableau. C’est un jeu où il faut nécessairement oublier les évidences, les images mortes et les chemins déjà conquis. Jeu de dupes, mais qui de support en support, forme un mouvement irréductible à toute objectivation et littéralité. Non plus un tableau ou un mur, mais la possibilité d’un déplacement, d’une aventure qui toujours s’initie d’un savant oubli.
[1] Georges Perec. Espèces d’espaces, 1974.
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Est-ce cela que vous proposez ?
Est-ce cela que vous proposez ?
Le temps d'une semaine, 12 étudiant·e·x·s de l'Atelier de Dessin ont élu domicile à la Maison des Arts de Schaerbeek pour y présenter le résultat de leurs recherches de Master 2. Réparties dans toute la demeure, les réalisations émergées du Dessin se dévoilent et s'offrent au regard comme des propositions plastiques singulières, politiques et poétiques.
Clap Clap Clap
Clap Clap Clap
We invite you to the presentation of the Printmaking master's program at La Cambre, which will occupy the entire Atelier 34zero. Discover seven projects by graduates exploring multiplicity through installation, screen printing, lithography, drawing, publishing, sound, video, and objects. On the walls and on the ground, explore themes of domesticity, colonialism, memory, and perception. Join us from 6 p.m. to 10 p.m. on June 10th.
Accessoires 2024
Accessoires 2024
L'atelier Accessoires présente les collections des étudiant·e·x·s de Master 1 et 2 à la Fondation Blan.
De la maroquinerie, bijouterie, métallurgie, chapellerie, des souliers, des objets-à-porter et des tas d’idées sur l’accessoire de mode.
Typographie 2024
Typographie 2024
Présentation des travaux de diplôme des Master 2 Typographie
(Pas si) Fragile! 2024
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(Pas si) Fragile! 2024
(Pas si) Fragile!, the Next Performance Art Generation est un tremplin biennal, mettant en lumière de jeunes artistes impliqué·e·s dans l’art de la performance. La formule change à chaque édition. La version 2024 se déroule au Studio Thor, porteur du projet depuis 2020, aux Halles de Schaerbeek et à la Balsamine.
Vous y découvrirez, comme lors des éditions précédentes, de jeunes artistes issu·e·s récemment des écoles d’arts visuels de Wallonie-Bruxelles. Ces écoles consacrent en effet une partie de leur cursus à l’art performance, répondant ainsi à la dynamique nouvelle de ces pratiques dans le champ artistique professionnel. Mais cette année, l’opération s’étendra à la présentation de travaux d’une quinzaine de jeunes artistes venu·e·s d’Europe : Finlande, Grèce, Irlande, Pologne et Slovénie.
Au total, une trentaine d’artistes émergents composeront ce programme intensif de 3 jours, au croisement des pratiques d’ici et de 2 projets internationaux : « Performing Identity » et « Time For Live Art ».
(Pas si) Fragile! 2024 est un projet du Studio Thor, en collaboration avec l’ENSAV La Cambre, les Halles de Schaerbeek et La Balsamine.
Sélection belge effectuée grâce aux suggestions de erg, Le 75, ARBA/ESA (ISAC), Arts², Beaux-Arts de Liège, Académie des Beaux-Arts de Tournai.
Avec l’aide de l’Union européenne, programmes Europe Créative et Erasmus+ (partenariats stratégiques), et de la Promotion de Bruxelles.
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Appel à candidatures
Appel à candidatures
L’ENSAV La Cambre recrute encore deux professeur·e·s pour la rentrée 2024-2025.
Dessin (Perspective), pour 2/12e
Droit (Droit d’auteurs), pour 1/12e.
Les profils de poste sont consultables ci-contre.
Candidature motivée et projet pédagogique sont attendus pour le 8 mai auprès de sebastien.herinckx@lacambre.be
HYBRIDER LE SENSIBLE ET LES SAVOIRS #2
Les chercheurs à l’œuvre à La Cambre
Cette journée d’étude désormais bisannuelle a pour objectif de présenter le travail de recherche en cours au sein de l'école (sur l’art, en art, par l’art). Elle se conçoit aussi comme une plate-forme d’échanges favorisant la rencontre et le dialogue en donnant la parole à différents chercheurs·euses parfois dispersé·e·s dans l’école : étudiant·e·s, enseignant·e·s, doctorant·e·s, etc.
La forme de la journée trouble intentionnellement le modèle académique en s’ouvrant à plusieurs dispositifs : présentation, retour d’expérience, table-ronde, débat, projection, exposition, performance, etc.
Dans le même esprit, le contenu des échanges ne se limite pas à la présentation objective des intentions ou des conclusions d’une recherche, mais concerne tout autant la réflexion subjective sur les défis de la recherche, les situations vécues tant sur le plan intellectuel que matériel, les conditions pragmatiques de présentation des résultats d’une recherche, les rapports de force avec le modèle universitaire, etc.
Tous les formats de recherche sont concernés ici, sans hiérarchie, pour la construction progressive d’une communauté transversale au sein de l’école (mémoires de fin d’études de la Finalité approfondie, doctorats en Art et sciences de l’art, projets FRArt/Fonds de recherche en art, ainsi que tout projet de recherche développé au sein ou à partir de l’école).
introduction par Benoît Hennaut et Éric Van Essche (ENSAV)
Qu’est-ce qui se joue dans nos bibliothèques ? Une ethnographie de l’attachement au livre dans l’espace domestique (Jeanne Champenois-Masset, mémorante)
Constellation d’imaginaires spatiaux : repenser nos liens à l’Espace et à la Terre par l’étude des récits alternatifs du Cosmos (Louise Charlier, doctorante)
Caractère d’échappement (Émilie De l’Arbre, mémorante)
Et le feu se propagea à La Cambre (Les nouveaux habits du colportage, FRArt)
Handicap visuel et image (Jeanne Train, mémorante)
Un autre moins évident. Art, création et recherche (Marion Bocquet-Appel, doctorante)
table-ronde sur l’encadrement de travaux de recherche (Aline Baudet, Olivier Drouot, Caroline Andrin et Aleksandra Chaushova)
12h30-14h déjeuner
introduction par Céline Chazalviel (a/r art-recherche)
Intermodulations : perception créative, vers un art de la relation (Cédric Dambrain, FRArt)
Le temps de l’écoute (Alexandra Lécuiller, doctorante)
À la recherche de l’identité culturelle Kongo : la filière de la morue (Beau Disundi, mémorant)
Tirer d’autres fils de la recherche au-delà de l’école (Lissa Choukrane, chercheuse)
La production d’œuvres en série (Hadrien Loumaye, doctorant)
Archives rescapées de l’IGN : explorer, faire parler et archiver les pratiques cartographiques (Atelier cartographique, FRArt)
Journées francophones de la recherche en histoire de la photographie
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Journées francophones de la recherche en histoire de la photographie
La Cambre accueille la deuxième journée des Journées francophones de la recherche en histoire de la photographie le vendredi 12 avril !
La troisième édition des Journées francophones de la recherche en histoire de la photographie sur le thème Apprendre par la photographie (XIXe-XXIe siècles) propose d’explorer les différents usages de la photo en lien avec une pluralité de pratiques et méthodes de transmission des savoirs — contexte pédagogique, éducation populaire, littérature jeunesse…
Suite à un appel à communications, ces Journées, qui se tiendront le 11 avril 2024 au Fresnoy – Studio national des arts contemporains (Tourcoing), et le 12 avril 2024 à La Cambre (Bruxelles), s’ouvrent à la diversité historique et contemporaine des usages de la photographie dans le cadre de diverses pratiques d’apprentissage : histoire de la photographie, histoire de l’art, études visuelles, anthropologie, sciences de l’éducation, histoire et théorie du droit, philosophie, archéologie des médias, histoire et économie de l’édition…
Deux alumni Jeanne Detot (diplômée de l'atelier Espace Urbain) et Lucine Letassey (diplômée de l'atelier Photographie), lauréates de la résidence SAFFCA en Afrique du Sud, partagent leurs expériences au retour de cette résidence
Présentation suivie d'un drink à SAFFCA.EU (Abbaye de La Cambre, 17), à partir de 19h
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Workshop avec Lauren Fair : Stain reduction of ceramics
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Workshop avec Lauren Fair : Stain reduction of ceramics
L'IRPA et La Cambre organisent un atelier en compagnie de Lauren Fair (Winterthur Museum, Garden & Library / University of Delaware, États-Unis) dans le cadre du projet Patrimoine en danger (CHrisis).
L'atelier s'adresse aux conservateur·rice·s et restaurateur·rice·s de céramiques, qui sont intéressé·e·s par les principes de réduction des tâches et par une introduction aux défis rencontrés dans les régions belges touchées par les inondations.
Les conférences, qui portent notamment sur la théorie du nettoyage, les matériaux et les méthodes d'application, ainsi que sur des études de cas basées sur des années d’expérience, sont proposées avec des ateliers pratiques. Seront également présentées les recherches de l'IRPA sur l'efficacité et les effets secondaires des méthodes de traitement.
Les participant·e·s auront ainsi une compréhension des implications chimiques et physiques en jeu lors des traitements de réduction des taches et pourront ainsi explorer ces traitements dans leurs propres laboratoires de conservation.
Deux catégories de billets sont disponibles :
Théorie uniquement (participation en ligne) : une demi-journée le 26 mars 2024.
Théorie et pratique (participation en présentiel) : 2 jours, les 26 et 27 mars 2024 à La Cambre
A l'initiative de l'atelier Conservation et restauration des oeuvres d'art
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Open 2024
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Open 2024
La Cambre organise sa Journée Portes Ouvertes
le samedi 23 mars de 10h à 18h !
OPEN, vous emmène à la découverte des différents cursus OPEN, c'est une journée de rencontres avec les équipes pédagogiques, le Conseil des étudiant·e·x·s et la direction OPEN, ce sont des expositions, des vernissages, des workshops
Vous trouverez ci-contre le plan et le programme détaillé de la Journée.
Informations diverses
Pour toute information concernant le Master Danse et pratiques chorégraphiques, nous vous invitions à vous rendre à la séance de présentation prévue le samedi 23 mars à l'INSAS (Rue Thérésienne 8) en salle N316 puis en salle i115
pour une rencontre avec professeur·e·s et étudiant·e·x·s.
Attention, il n’y a pas de parking possible sur l’ensemble du site de l'Abbaye de La Cambre
La radio AB21 propose une journée de live radio, avec au programme des lectures, performances, dj set, talks par les étudiant·e·x·s et intervenant·e·x·s des différents projets au sein de l'école.
10h30 - Présentation des ateliers techniques (Atelier bois/métal, Fab Lab, Récupérathèque de la Superfaktur, Bibliothèque)
11h30 - Table ronde avec le Conseil Étudiant·e·x·s, et le Contact d'écoute étudiant·e·x·s (Présentation des différentes organisations étudiantes de l’école, Nouveau rôle de Personne de Confiance)
12h15 - Questions/Réponses avec Benoît Hennaut, directeur, autour du projet du nouveau campus
13h00 - Lectures d’étudiant·e·x·s en création littéraire
13h30 - Lectures et échanges avec le nouveau collectif "LaCambreStudents4Palestine”
14h15 - AB21 Dj set
15h00 - Présentation du Module transdisciplinaire Création sonore et musique expérimentale avec Céline Gillain + Diffusion des créations sonores Sybilline Playland
16h30 - AB21 Dj set
17h00 - Présentation du projet Performing Identity La Cambre x SEPTANTECINQ
L'exposition « Ne pas toucher » est une sélection d'oeuvres de 10 étudiant·e·x·s de M1, présentée dans le cadre de la Journée Portes Ouvertes. Elle vise à montrer la variété des médiums, la richesse des styles et la diversité des recherches, désormais possibles dans le champ de la peinture.
Chaque année Emilio López-Menchero, artiste et professeur dans l'atelier de Dessin, propose un workshop spécifique à dimension performative qui réunit pendant une semaine des étudiant·e·x·s du Master en Dessin de La Cambre et de l’académie des BA de Liège.
Il invite cette année des étudiant·e·x·s d’écoles d’Art de Palestine à se joindre à l'exercice. Inspiré par la dérive de l'International Situationniste et les psychogéographies d'Ivan Chtcheglov, le protocole proposé encourage les étudiant·e·x·s à s’assembler en trios, pour parcourir depuis le site de La Cambre et au hasard, la ville de Bruxelles, tels des « dessinateurs mouvant ».
L’exercice « Drawing by Moving », activé par l’échange et les trouvailles plastiques, se veut être une exploration du Dessin par le mouvement à travers toute une ville et un prétexte à découvrir ou redécouvrir ce qui jusque là semblait anodin.
Les réalisations présentées sont le résultat de ces explorations collectives.
Nouveau ! Formation supérieure en Danse : interprétation
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Nouveau ! Formation supérieure en Danse : interprétation
La Cambre est ravie de vous annoncer la création d’une formation supérieure Bachelier et Master « Danse: interprétation » par ARTS² et Wallonie-Bruxelles Enseignement !
Le programme sera développé en partenariat avec Charleroi danse et co-organisé avec la Haute Ecole Provinciale de Hainaut-Condorcet, l'INSAS et La Cambre.
A partir de septembre 2024, cette formation sera donnée au cœur de la ville de Charleroi, au siège de Charleroi danse.
Aux côtés du Master en Danse et pratiques chorégraphiques (coordonné en partenariat avec Charleroi danse et l'Insas), le cursus complet et collaboratif sera destiné à la formation des danseuses et danseurs à travers une approche multidisciplinaire et intégrée.
L’entrée en vigueur du bachelier sera suivie, à l’horizon 2027-2028, du déploiement d’un Master en danse, également orienté vers l’interprétation, offrant ainsi la première filière complète diplômante en danse, reconnue par la Fédération Wallonie-Bruxelles.
The SAS is both a space and a moment between school and what comes next. From March 7th to March 23rd, 2024, final year students of Print (engraving and printed image) at La Cambre present a collective and evolving exhibition, where the SAS at KBK becomes a character in its own right, hosting a variety of proposals from different students; offering diverse experiences around print, but not only. The rest of the space is conceived as an exhibition where the works, although individual, dialogue together in resonance with what is happening in the SAS.
With the works of Pietro Paolo Boccio, Sam Bouffandeau, Beau Disundi, Violette Grognard, Jeanne Train, Romane van Walré and Diane Waddington
Der marsch in die barbarei
Der marsch in die barbarei
L'atelier de Dessin invite Damien Deroubaix pour un workshop d'une semaine avec 12 étudiant·e·x·s Bachelor 3.
L'artiste philanthrope propose un dialogue plastique avec sa recherche liée à l'histoire, les désastres des guerres et les œuvres d'artistes en référence.
Le fruit de cette rencontre est à découvrir au petit atelier de Dessin.
Postes vacants — Moniteur belge 2024
Postes vacants — Moniteur belge 2024
Voici les listes des postes vacants publiés au Moniteur belge 2024, ouvert du 4 au 19 mars 2024, pour le personnel enseignant et administratif.
Afin de postuler, veuillez suivre les instructions des circulaires n° 9172 (Personnel enseignant) et n° 9174 (Personnel administratif) consultables ci-contre.
« Ainsi, alors meme qu’il s’agit d’un genre intensement nostalgique, tourne vers le passe et souvent soupconne de s’y complaire, la fantasy accompagne les transformations du regard que nos societes portent sur le monde, et la facon dont elles relisent leur propre memoire. »
Anne Besson / Fantasy & Histoire(s), 2019
De Tolkien à Ursula Le Guin, de Witcher à Game of Thrones, de Fable aux Elder Scrolls, des Préraphaélites aux Symbolistes, de la littérature aux jeux vidéo en passant par plusieurs courants de peintures historiques, la fantasy inonde l'art et la culture au XXIe siècle. La fantasy la plus contemporaine exprime la nostalgie d’un passé enchanté. Nés en Angleterre sur fond de révolution industrielle et régnant aujourd’hui sur nos cultures artistiques et numériques, les mondes magiques n’en proposent pas moins une alternative critique à la modernité technologique, accompagnés de revendications écologiques et queers.
La conférence Fantasy Queer, reviendra sur plusieurs temps forts, en s'appuyant sur des ressources iconographiques, littéraires et vidéoludiques. De son essor à sa propagation partout en Europe, ce courant culturel entre sources mythiques et historiques se donne une nouvelle actualité.
Performer l’identité - L’art performance face aux enjeux de société contemporains
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Performer l’identité - L’art performance face aux enjeux de société contemporains
Du 17 au 25 février, les étudiant·e·x·s des écoles d'art de La Cambre (BE), l'ESA Le Septantecinq (BE), Magdalena Abakanowicz University of the Arts Poznań (PL), et Burren College of Art (IE) se sont réuni·e·x·s pour l'épisode 5 "Censure et Identité" du projet européen Performing Identity, à Poznan en Pologne à l'Université des Arts Magdalena Abakanowicz
La rencontre était constituée d’un cycle d’ateliers dirigés par des artistes/pédagogues/curateurs travaillant sur trois dimensions thématiques : L’Espace public et le Corps ; Politique et Art ; Censure, Genre et Démocratie. La semaine a culminé par un programme public de performance à la Galerie Jezuit // Galeria U Jezuitow.
Ateliers dirigés par Malgorzata Kazmierczak, Waldemar Tatarczuk, Ditte Berkeley, Karolina Kubik, Anna Kalawajtys, Marta Bosowska
Curateurs de la soirée de performances : Paulina Kempisti et Marta Ryczkowska
Conception et coordination du programme : Marta Bosowska
Save the date ! Prochain épisode à Bruxelles : (Pas si) Fragile ! du 24 au 26 avril à La Balsamine, Les Halles de Schaerbeek, au Studio Thor et à La Cambre.
Projet co-financé par l’Union européenne
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La deuxième scène - Soirée de clôture actes 4 et 5
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La deuxième scène - Soirée de clôture actes 4 et 5
Le 12 février, les étudiant·e·x·s de Master 1 Communcation visuelle et graphique présenteront leur travail réalisé pour l'Acte 4 du projet de la Deuxième Scène à la Maison poème !
Le projet La Deuxième Scène est un projet multiforme (conférences, lectures, études universitaires, spectacles) conçu pour lutter contre les inégalités de droits et de pratiques entre les hommes et les femmes dans le domaine du cirque, de la danse et du théâtre. Il s’est déroulé en 5 actes entre 2018 et 2023.
L’Acte 4 est l’étude qualitative au prisme inter-sectionnel menée par l’UCL sur la place des femmes dans le secteur des arts vivants en Fédération Wallonie-Bruxelles. Les étudiant·es de l'atelier Communication visuelle et graphique ont travaillé à illustrer et rendre préhensibles les enjeux de l’étude.
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La Cambre, Campus et Centenaire
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La Cambre, Campus et Centenaire
Journée d'échange, de partage et d'écoute (anciennement "journée pédagogique"), la Journée Forum est faite pour créer un espace de dialogue transversal pour toutes les personnes faisant partie de la communauté de La Cambre.
Étudiant·e·x, enseignant·e·s, personnel administratif et technique, vous êtes donc tous et toutes invité·e·s à participer et faire vivre ce moment collectif !
Cette année, la Journée Forum sera consacrée à une série de partages, échanges et de discussions autour du centenaire de La Cambre et du futur Campus.
14h30—15h30
— Groupe 1 : Exposition-rencontre organisée par l’équipe d’urbanistes/architectes CityTools - XDGA - Barbara Van der Wee. Sur base de différentes contributions, ce moment permettra d'alimenter la vision et les discussions sur l’avenir du campus.
— Groupe 2 : Atelier et discussions autour des propositions des projets proposés pour le Centenaire.
(vous recevrez par après, un mail pour chacun des appels à contribution ouverts à l'ensemble de la communauté de La Cambre)
15h30—16h30 Inversion des groupes
— Groupe 2 : Exposition-rencontre organisée par l’équipe d’urbanistes/architectes CityTools - XDGA - Barbara Van der Wee, projet Campus.
— Groupe 1 : Atelier et discussions autour des propositions des projets proposés pour le Centenaire.
(vous recevrez par après, un mail pour chacun des appels à contribution ouverts à l'ensemble de la communauté de La Cambre)
16h30—17h15
Moment convivial
17h30—19h30
Soirée forum ouvert organisé par l’équipe d’urbanistes/architectes CityTools - XDGA - Barbara Van der Wee.
Questions/réponses et présentation de la méthodologie de travail pour le futur Campus.
19h30
Drink
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SIBYLLINE PLAYLAND
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SIBYLLINE PLAYLAND
Nous sommes cyborgs.
Nous vous invitons dans notre récit cyborg.
Avec le son, inventons une langue cyborgienne.
Avec les propositions de Zélie Boggio-Simon, Lissa Djata, Justine Ferrer, Lise Hugot-Jamme, Emmeline Jorion, Oumayma Kefi, Alessandre Mirgaux, Lola Nogué, Roxane Rajic, Amarine Rignanese, Thibault Rousselet, Justine Salamin, Louis Simon, Maori Thiénot, Angélina Verschueren, Mutsumi Xu.
Toutes les pièces ont été composées dans le cadre du module de Création Sonore et Musique Expérimentale à l’ENSAV La Cambre, en partenariat avec Q-O2 à Bruxelles. Le module propose un cadre privilégié d’écoute, d’expérimentation et de réflexion autour des questions liées au son, observées au travers du prisme des relations corps/ordinateur. Notre point de départ est le ‘Manifeste Cyborg’ de Donna Haraway.
Le module est enseigné par Céline Gillain, Myriam Pruvot, Julia Eckhardt et Caroline Profanter.
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« Pour qui cultive-t-on son jardin ? » par Florence Naugrette
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« Pour qui cultive-t-on son jardin ? » par Florence Naugrette
Florence Naugrette, Professeur à Sorbonne Université, membre de l'Institut Universitaire de France, propose de poser cette question à la littérature. Elle cherchera la réponse notamment dans Les Misérables de Victor Hugo et dans Candide de Voltaire, en s'appuyant sur l'éthique du care et sur les réflexions de Robert Harrison dans Jardins. Une histoire buissonnière (Flammarion, 2022) dont elle est la traductrice.
L'atelier Photographie de La Cambre ouvre les portes d’un atelier hors-les-murs à proximité de Hangar à l’occasion du Photo Brussels Festival.
Durant 4 jours, du 25 au 28 janvier 2024, les étudiant·e·x·s de Bachelor 3 et de Masters travailleront sur leurs projets et leurs images tout en recevant le public du Brussels Photo Festival.
L’acte photographique est un acte de création, souvent individuel, mais dont le résultat est destiné à la médiation et à la monstration publique. Afin de créer des liens entre ces futur·e·s jeunes photographes et le public du BPF, les étudiant·e·x·s partageront leurs recherches, leur processus de travail et leurs expérimentations. Des enseignant·e·s en photographie de La Cambre (Hervé Charles, David De Beyter, Emmanuelle Indekeu, Tanguy Poujol, Kamand Razavi) se relaieront à leurs cotés. C’est l’opportunité d’une plongée dans la pédagogie de l’atelier, de la découverte de projets en construction et d’échanges dans un esprit de partage et de collaboration constructive.
Jean Glibert nous a quittés. Artiste, enseignant, penseur, explorateur de formes, de concepts, il aura marqué de son empreinte plusieurs générations d’étudiant·e·x·s et d’enseignant·e·s au sein de La Cambre, ainsi que le paysage artistique en Belgique durant plusieurs décennies.
Sorti en 1961 de l’atelier Peinture monumentale, sous la direction de Paul Delvaux, il prendra en 1976 la direction de l’atelier du Vitrail. Sous son impulsion, et dans une dynamique d’époque, celui-ci deviendra cet espace interdisciplinaire des « Espaces urbains et ruraux », consacré aux recherches tridimensionnelles entre lumière, couleur et espace. Il lèguera à ses successeurs ce concept d'« Espace urbain » en 1996, date à laquelle il quitte l’école. Le parcours de très nombreux·ses artistes, qui furent ses étudiant·e·x·s, montre la liberté d'expérimentation et d'exploration qui étaient la singularité de son atelier au sein de l'école, tout comme la palette des chercheurs et des architectes avec lesquels il a collaboré.
La grande rétrospective que lui a consacrée BOZAR en 2017, « Jean Glibert, peintre en bâtiments », rassemblait dans ce clin d’oeil une immense carrière.
Nos pensées et nos condoléances vont à sa famille, à ses ami·e·s et à toutes celles et ceux pour qui il fut un guide.
Ceramic Brussels x La Cambre
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Ceramic Brussels x La Cambre
Du 25 au 28 janvier se déroulera la première foire dédiée à la céramique contemporaine : Ceramic brussels ! Pendant plusieurs jours, près de 60 galeries, institutions et acteurs clé de la céramique contemporaine se réuniront dans une scénographie unique afin de mettre en avant la diversité de la céramique contemporaine, de soutenir la jeune création et de stimuler les nouveaux échanges entre artistes, institutions et galeries.
Plusieurs artistes diplômé·e·s de La Cambre présenteront leurs oeuvres :
Antoine Moulinard (diplômé de l'atelier Céramique en 2023) et Jonas Moënne (diplômé de l'atelier Céramique en 2018) sont lauréats du ceramic brussels art prize et présenteront leurs travaux dans l'exposition collective dédiée à ce prix et organisée par Jean-Marc Dimanche.
Diplômée de l'atelier Céramique en 2021, Léna Babinet exposera aux côtés de Caroline Andrin (céramiste, responsable de l'atelier Céramique et membre du jury ceramic brussels art prize) dans le cadre d'une exposition organisée par BeCraft.
La galerie La peau de l'ours présentera des oeuvres de Safia Hijos (diplômée de l'atelier Céramique en 2014) et du studio BISKT, une collaboration entre Charlotte Gigan (diplômée de l'atelier Céramique en 2015) et Martin Duchêne (diplômé de l'atelier Design industriel en 2013).
« Pourquoi je n’aime pas la céramique ! » par Johan Creten
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« Pourquoi je n’aime pas la céramique ! » par Johan Creten
Le titre de la conférence , bien que légèrement provocateur, exprime en réalité un profond désir pour une autre perspective, une vision alternative et un amour renouvelé pour la céramique, loin des sentiers battus.
Johan Creten est depuis longtemps reconnu comme un pionnier dans la réinvention de la céramique dans le monde de l’art contemporain, s’éloignant des limites et des préjugés d’un univers céramique autocentré. Son travail, à la fois engagé socialement et radicalement novateur, est désormais présent dans les collections prestigieuses du Centre Pompidou, du Musée d’Art Moderne, du Basque Museum, entre autres. Il reviendra sur son parcours loin du ghetto et répondra à des questions
Les étudiant·e·x·s du CASO Performance Pietro Boccio, Tina Carlini, Hovic Der Sarkissian, Azad Eurdekian, Joséphine Gelis, Amandine Kervyn, Anatole Mélot, Joséphine Suillaud, Amélie Van Liefferinge montrent leur travail à l’issue de sept semaines d’expérimentations avec Jacques André, Rocío Boliver, Tatiana Bohm, Ophélie Mac, Antoine Pickels, Alexandros Plomaritis, Darren Roshier, Gaëtan Rusquet
Michel Olyff
Michel Olyff
La communauté de La Cambre a appris avec tristesse le décès de Michel Olyff qui a dirigé l’atelier Typographie de 1981 à 1992.
Diplômé de l’atelier « Illustration » en 1950, il était graphiste indépendant et maquettiste chez Desclée de Brouwer de 1959 à 1974. En 1972, il a remporté le concours de l'UNESCO pour la création du symbole de l'année internationale du livre. Michel Olyff était également conférencier pour le cours « D’étude de la lettre » de 1978 à 1981.
Toutes nos pensées vont en particulier à sa famille et ses amis.
Sculpture(s) souple(s)
Sculpture(s) souple(s)
Virginie Mamet, historienne de l’art, explorera en deux temps, le champ de la « sculpture souple ». Le terme « souple » désignant ici la nature matérielle de l’œuvre mais également l’état d’esprit dans lequel elle s’inscrit.
Le travail de l'artiste Tapta (Maria Wierusz-Kowalski, 1926-1997), ayant dirigé l'atelier de Sculpture souple à La Cambre entre 1976 et 1990 sera largement abordé, dans toute la liberté et la dimension exploratoire qui caractérisent son travail.
A partir de la fin des années 1960, la sculpture abandonne partiellement ses aspirations érectiles pour se tourner vers des préoccupations liées à l’horizontalité, à la gravité, ainsi qu’au caractère intrinsèquement malléable et organique de certains matériaux. Le cadre dans lequel elle opère s’élargit : elle investit les domaines de l’environnement, la performance, la participation, la thérapie.
L’exploration de nouvelles matières (textiles, latex, caoutchouc, vinyle…), mais également de ces nouveaux terrains d’intervention, sera singulièrement engagée par les artistes femmes qui y décèlent des potentialités inédites d’expression. Une attention particulière sera accordée au rôle majeur de ces artistes ainsi qu’à la grande variété des sculptures “souples”.
Virginie Mamet est historienne de l’art, diplômée et agrégée de l’ULB. Depuis son mémoire sur Le rapport au corps dans les sculptures textiles souples de Tapta Wierusz-Kowalski, ses recherches portent principalement sur l’art textile. Attachée au service de Médiation culturelle des MrBAB, Virginie Mamet travaille également pour des institutions telles que l’ISELP, le WIELS, le Musée d’Ixelles,…
A l'initiative de l'atelier Design textile
Journée art/recherche
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Journée art/recherche
Le 1er décembre, a/r invite le public pour une après-midi de rencontres et discussions dédiées à des contextes de recherche en art reposant sur un modèle Practice as research au Royaume-Uni (Robin Nelson) et en Flandres (Nico Dockx) ainsi que sur une inscription sociale et en démarche de co-création (Eve Gabriel Chabanon) ou encore selon une approche transciplinaire des arts de la scène (Renata Lamenza).
A l'occasion de cette journée Carolina Bonfim présentera la performance La Dernière archive. Performer le patrimoine disparu du Musée national de Rio de Janeiro et Miléna Trivier présentra le film Algorithms of Beauty, issus des projets de recherche liés aux Ecoles supérieures des Arts de la Fédération Wallonie-Bruxelles soutenus par le FRArt et menés par les deux artistes entre 2021 et 2023.
L'exposition de restitution de Territoires tissés présente des textiles, des objets et documents témoignant des axes de travail et des porosités à l'œuvre au cours du projet. Les tissus et pièces mises en vente pendant l’exposition font l’objet de paiement en espèce exclusivement.
Territoires tissés est une collaboration entre l’AVPTTA, Association pour la valorisation et la promotion du tissage traditionnel d’Abomey au Bénin, les ateliers de Design textile, Design industriel et Architecture d’intérieur de l’ENSAV La Cambre, Bruxelles et l’EPA, Ecole du Patrimoine africain à Porto Novo, qui s’est déroulée entre 2019 et 2023.
Le travail investit les valeurs culturelles, techniques, patrimoniales et créatives offertes par le contexte des ateliers du palais du roi Agonglo. Il interroge la création et l’artisanat comme un terrain de rencontres, un levier d’émancipation et d’apprentissages pour tou·te·s les participant·e·s.
L’initiative est financée par Wallonie-Bruxelles International, avec le soutien de l’Académie de recherche et d’enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles.
A l’heure où le coton fibre n’est plus transformé au Bénin, où la fripe occidentale et les productions délocalisées à faible coût en Asie envahissent le continent africain, la consommation de tissus locaux périclite, entraînant la dévalorisation de l’activité traditionnelle du tissage et la précarité des artisans. D’après les tisserand·e·s, la production tissée se limite à un éventail relativement étroit, reproduit de façon répétitive par pure nécessité économique. Dans ce contexte, Constant Adonon, responsable de l’AVPTTA, a sollicité L’ENSAV La Cambre en 2018 pour un échange à long terme de « donner-recevoir ». L’ENSAV La Cambre a convié l’EPA comme partenaire académique au Bénin.
Les ateliers de l’association sont implantés sur le site de l’ancien palais privé du roi Agonglo, qui installa la pratique de cet art sous son règne ( 8ème Roi du Dahomey 1789 - 1797 ). L’activité artisanale persiste sur ce site avec une trentaine de tisserand·e·s, et fait du Palais Agonglo le seul palais vivant de la ville d’Abomey aujourd’hui.
Le tissage traditionnel du Dahomey représente un riche héritage déclinant une formidable diversité technique et esthétique. Les tissus produits sont à la fois fonctionnels et à la fois étroitement liés à des traditions et à des récits, ils sont sémantiquement, spirituellement actifs dans la collectivité.
Le Bénin ne comptant pas d’école de design ni d’artisanat, la transmission s’effectue oralement, Apprendre et valoriser la diversité de ce répertoire textile tout en y puisant de nouvelles perspectives créatives et économiques a constitué l’enjeu du travail interdisciplinaire, en rendant notamment visible sur le site même des ateliers tant les ancrages culturels que les nouvelles créations; en aménageant également le site pour optimiser l’accueil de visiteur.euse et les ventes sur place, rendre possible de nouvelles pratiques.
Au-delà des inévitables chocs culturels, interroger ensemble ces pratiques artisanales est une tentative de constituer un territoire commun, que chacun.e a investi selon sa motivation et sa spécialité. Le changement de perspective des séjours croisés à Abomey et à Bruxelles a permis la découverte et le partage sans angélisme des réalités respectives.
Les tissus et pièces mises en vente pendant l’exposition font l’objet de paiement en espèce exclusivement.
Une publication sur Territoires tissés est en cours d’élaboration pour début 2024.
Pré-vente publication 15 € (virement sur le compte BE67 0912 1205 7587 / communication virement : pré-vente publication TT + nom famille puis transmettre votre contact à helene.perreau@lacambre.be)
Jusqu’au 10 mars 2024, le Design Museum Brussels présente « Christophe Gevers, l’architecture du détail ». L’exposition vous invite à découvrir une figure majeure de l’architecture d’intérieur et du design belge et son univers unique, guidé par ce souci constant de d’humanisation des espaces construits.
De 1960 à 1993, Christophe Gevers était responsable du cours « Mobilier et agencement » à l’ENSAV La Cambre. A l’occasion de cette exposition, une sélection de travaux d’étudiant·e·x·s en B2 de l’atelier Architecture d’intérieur sont présentés. 30 ans après, iels se sont plongé·e·s dans sa pratique en questionnant son travail et ses enseignements, dans un effort de compréhension, d’appropriation ou de détachement critique.
A travers cette exposition, sous le commissariat de Giovanna Massoni, le Design Museum Brussels propose une reconstruction de l’univers professionnel de Christophe Gevers avec un ensemble narratif composé d’archives et d’objets, de documents et de témoignages. Elle s’envisage comme une promenade à travers ses archives, ses maquettes et ses pièces d’ameublement, qui, malgré une activité très riche entre les années 1960 et 1980, restent un patrimoine tangible et intangible peu exploré.
Avec les travaux de
Elise de Fays
Taïssir Hamza
Romane Girardeau
Marco Napolillo
Joachim Rossi
Manon Stonska
Suite aux Jurys en juin et de l'exposition Graduation Show en septembre, 14 prix ont été remis à 32 diplômé·e·s pour distinguer l'excellence et la qualité de leur travail de fin d’études.
— Prix des Amis de La Cambre
Oya (Gravure et image imprimée)
Maëlle Lucas-Le Garrec (Dessin)
Jana Katanic (Communication visuelle et graphique)
Hannah Todt (Espace urbain)
Maud Brunstein (Design textile)
Alba Suau (Peinture)
Matilde Frade-Gazeau (Design du livre et du papier)
Antoine Moulinard (Céramique)
Killian John Ryan (Peinture)
Maj-Britt Verheijen Van Dyck (Architecture d'intérieur)
— Prix SAFFCA
( Southern African Foundation For Contemporary Art)
Hannah Todt (Espace urbain)
Olivia Perce (Sculpture)
— Prix Fondation CAB
Thomas Tavernier (Peinture)
— Prix MAD Graduation
Axelle Maguila (Architecture d'intérieur)
Eun Ji Oh (Accessoires)
Marion Aeby (Design textile)
Noemi Orgaer (Design industriel)
Antoine Moulinard (Céramique)
Dylan Guillard (Stylisme et création de mode)
— Prix Fondation Boghossian
Celia Rancelot (Peinture)
Léonie Chauchat (Céramique)
— Prix Charleroi danse
Marion Dégardin (Danse et pratiques chorégraphiques)
David Ramalho (Danse et pratiques chorégraphiques)
— Prix Gallery Nosco
Zoé Kamalic (Communication visuelle et graphique)
Alexandra Van Leeuw (Architecture d'intérieur)
Emeline Degraeve (Peinture)
Hadrien Loumaye (Peinture)
— Prix Marc Minjauw
Alba Suau (Peinture)
— Prix « Fil fou » Jean-Louis Dupont
Maud Brunstein (Design textile)
— Prix Servix
Anatole Mélot (Photographie)
— Prix du Fonds Roger De Conynck
Camille Peyre (Photographie)
François Jacquemin (Photographie)
— Prix ELLE
Raquel Van Oost (Stylisme et création de mode)
— Prix SOFAM
Célestin Verheyden (Stylisme et création de mode).
— Prix Maison Lefebvre
Corentin Descamps (Peinture)
Abordant la conférence comme un espace polyphonique et performatif, Agnès Geoffray et Vanessa Desclaux partageront un projet de recherche et de création en cours à travers lequel elles explorent des figures de filles considérées comme « délinquantes » ou « déviantes » tout au long du XXème siècle, et jusqu’à aujourd’hui.
Travaillant à partir de leurs collectes dans différentes archives, elles arpentent des histoires de révoltes, de résistance et d’émancipation à travers des expériences vécues ou des récits de fiction. Elles se fraient un chemin dans la masse de l’histoire de l’éducation surveillée et de la justice des mineur.e.s et font surgir des images et des voix pour donner corps à ces filles rebelles, parfois violentes, rarement sujets de leur histoire.
Agnès GEOFFRAY
Artiste, Agnès Geoffray est passée par la Riksakademie puis la Villa Médicis. Elle a exposé au Centre Pompidou, Rencontres d’Arles, Jeu de Paume, Kunsthaus de Zurich, Musée de l’Elysée, Lausanne, etc., est représentée par la Galerie Maubert et publie aux éditions La Lettre volée, Bruxelles. A la croisée de l’écriture et de la photographie, son travail interroge la survivance des gestes et des postures.
Vanessa DESCLAUX
Critique d’art, curatrice (Tate Modern, Centre d’art de Noisy-le-Sec), enseignante (ENSA Dijon), la chercheure Vanessa Desclaux a mené une thèse sur l’impact du néolibéralisme sur la pratique de commissaire d’exposition dans le champ de l’art contemporain, proposant des formes de résistance à travers les notions de passivité et de fabulation.
Rocío Boliver / La Congelada de Uva - Survivante de la censure
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Rocío Boliver / La Congelada de Uva - Survivante de la censure
Comment l'art performance bouleverse ton monde jusqu’à ce que tu réalises qu’il t'a permis de tenir debout
Rocío Boliver est une artiste de performance mexicaine qui crée de l’art corporel à propos du genre, de la sexualité, de la douleur et du plaisir. Icône culturelle underground au Mexique, Boliver a présenté son travail en Amérique du Nord, Amérique du Sud, Europe et Asie, dans des lieux très divers : musées, raves, universités, galeries, rassemblements militants, festival national du sadomasochisme, programmes de télévision…
Dans le cadre du cours de performance et art du corps
En collaboration avec Perfocilline et Octopus Art Center
Rocío Boliver performera dans le cadre de « Perfocilinne 023 », le 27 octobre à 18h30, à l'Octopus Art Center. https://www.octopus-heart.center/
Avec la participation de Ron Athey, Ignacio Galilea, Leticia Izquierdo, Amelia Jones, Dominic Johnson, Lois Keidan, Antoine Pickels et Sheree Rose.
Né à Anvers en 1899, Léon Stynen est une figure du mouvement moderniste dans l’architecture belge de la première moitié du 20e siècle. Avec une carrière s’étendant sur plus de quatre décennies, il a laissé une marque indélébile sur le paysage urbain belge, concevant tout, des bâtiments emblématiques au mobilier et même aux productions théâtrales.
Cette table ronde est organisée à l’occasion de la parution du livre « LÉON STYNEN ARCHITECTE », dirigé par Tania Wolski et Luc Vincent et édité par Snoeck.
Cet ouvrage, réalisé en collaboration avec la famille de Léon Stynen, est axé sur sa longue carrière d'architecte, mais également sur ses créations design. Cet aspect moins connu de la pratique de Stynen mérite qu’on s’y attarde. Souvent révolutionnaires, ses projets ont lancé une tendance encore perceptible aujourd’hui.
Les deux casinos de Knokke et d'Ostende, les pavillons de l'Expo 38 à New York et de l'Expo 58 à Bruxelles, le bâtiment BP à Anvers, le centre artistique deSingel à Anvers, des maisons individuelles, des projets pour des bateaux de croisière, des cinémas et des meubles qui sont encore en circulation aujourd'hui sont autant d'exemples d'un ensemble d'œuvres qui constituent des symboles durables d'une avant-garde qui a passé l'épreuve du temps.
Ce livre met en lumière la polyvalence et l'influence profonde de Stynen. Celui qui a dirigé La Cambre de 1950 à 1964 a également travaillé avec Le Corbusier, Camille Huysmans, Henry Van de Velde, Renaat Braem, René Guiette, Victor Bourgeois, Paul Delvaux, le CIAM, et bien d'autres encore.
Cette table ronde sera organisée en présence des deux éditeurs de l’ouvrage, Tania Wolski et Luc Vincent, ainsi que de Marc Dubois et Pablo Lhoas, auteurs de chapitres. Maurizio Cohen et Kevin Saladé complèteront le panel d’intervenant.e.s pour évoquer la personnalité et l’œuvre de Léon Stynen.
La Cambre organise sa séance de rentrée académique 2023-2024, le mercredi 11 octobre à partir de 18h.
Le programme de la soirée comprendra la remise des Prix de nos différents partenaires aux diplômé·e·x·s de Master 2023, ainsi qu’une intervention de Frédérique Aït-Touati intitulée Images et figures de la Terre, pour se conclure par les mots de rentrée du Directeur.
A l'occasion de cette rentrée académique, Benoît Hennaut reçoit Frédérique Aït-Touati
Frédérique Aït-Touati vit et travaille à Paris. Metteure en scène et chercheuse au CNRS, elle explore les liens entre sciences, arts et politique et fait du théâtre un lieu d’expérimentation. A partir de 2014, elle est invitée au théâtre Nanterre-Amandiers avec SPEAP, l’académie expérimentale qu’elle crée aux côtés de Bruno Latour, et y créer plusieurs spectacles et conférences-performances.
En 2020, elle collabore avec Tino Sehgal pour l’exposition Down to Earth, dans le cadre du Berliner Festspiele.
Elle poursuit une activité d’enseignement à l’École des Hautes Études en Sciences Sociales et à SPEAP, ainsi qu’à l’étranger où elle enseigne régulièrement à NYU et à Oxford. Elle a notamment publié Contes de la Lune, essai sur la fiction et la science modernes (Gallimard, 2011) et Terra Forma, manuel de cartographies potentielles (B42, 2019).
The diversity of body representations produced by eleven artists coming from ENSAV La Cambre, mainly from the department of Drawing, is a testament to our world of change.
Bodies that are bruised, elongated, disassembled, bent and stretched out, fusing bodies. Bodies in waiting, doubled up, clustered, loving bodies, absent bodies, bodies serving as a base for a gesture. The drawings in the exhibition SOME BODY STRANGE reveal intimate visions, which are as fluid, bizarre and fictional, as they’re troubling or fantastic; all of them being an expression of the sensitive.
The works offer stunning versions of our reality and existence, resisting the metamorphoses of our society and the traces of the past. They also propose a poetic viewpoint, based on dreams, and allowing to imagine the future. Drawing, whether as an act or a medium, permits an enlightened and subtle realization of the notions of space and time. The sharpness of regards combined with different artistic expressions in the show provides us with a moment of unique sensibility, just like our breathing or heartbeat.
Dans le cadre de Brussels Drawing Week
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Racines
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Racines
Sculptures, peintures, dessins, sérigraphies, tapisseries et photographies invitent à un cheminement dans l’espace d’exposition dans laquelle la mer, la terre, les paysages mais aussi les racines familiales et culturelles cohabitent.
Les Amis de La Cambre et La Cambre organisent une exposition réunissant 18 artistes intergénérationnel·le·s et multidisciplinaires diplômé·e·s de 1963 à aujourd'hui.
Cette exposition, première d’un cycle en vue du centenaire de La Cambre en 2027, vise à tisser les liens entre le passé, le présent et le futur de l’école.
Avec les oeuvres de Jeanine Cohen, Camille Dufour, Maëlle Dufour, Javier Fernandez, Anne Marie Finné, Jean Glibert, Nadia Guerroui, Safia Hijos, Gudny Rosa Ingimarsdottir, Ann Veronica Janssens, Benoît Jacquemin, Loup Lejeune, Mireille Lienard, Maëlle Lucas-Le Garrec, Aimé Mpane, Mostafa Saifi Rahmouni, Godelieve Vandamme et Bernard Villers
Commissariat Yolande De Bontridder et Valentine Himpens-David
Assistante commissaires Bertille Bouillé
Design graphique Léonie Lefere
Les amis de La Cambre et La Cambre remercient la Banque Transatlantique, Auxipress, l'Ambassade d'Espagne en Belgique, Brussels Gallery Weekend, Cover Flooring, Edge Brokers, La Libre Belgique, Lochten & Germeau, Masureel et la Ville de Bruxelles pour le soutien à la réalisation de cette exposition
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Graduation Show 2023
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Graduation Show 2023
Exposition des travaux de diplôme des étudiant·e·x·s de Master 2023 de La Cambre
ECART — Présentation du catalogue Resonating Ceramics
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ECART — Présentation du catalogue Resonating Ceramics
Sous le nom d’ECART (European Ceramic Art & Research Team) sont réunies quatre écoles supérieures d’art et de design européennes Villa Arson, Nice (France) ; HEAD, Genève (Suisse) ; Pavillon Bosio, École Supérieure d’Arts Plastiques de la Ville de Monaco et La Cambre, Bruxelles (Belgique) qui se sont associées à l'European Ceramic Workcenter, Oisterwijk (Pays-Bas) à l'occasion du projet Resonating Ceramics.
Le réseau ECART clôture le projet Resonating Ceramics qui s'est déroulé de 2021 à 2023, avec le soutien de la Commission européenne et du fonds Erasmus +, au titre de partenariat stratégique d’innovation dans l’enseignement supérieur.
Le projet Resonating Ceramics explore la relation entre matériau céramique et expérimentation sonore, tout en liant cette interrogation à une préoccupation basée sur la notion de rituel (au sens social et anthropologique). Matières et son donnent en effet à combiner une variété importante de multiples dans le domaine, ce qui accroit le potentiel expérimental du projet.
Le catalogue retrace les différentes étapes du projet impliquant 20 étudiant·e·s, 4 écoles d'art et un centre d'excellence dédié à la céramique contemporaine.
Il présente les travaux des jeunes artistes introduits par des textes scientifiques de plusieurs auteur·rice·s : Natacha Massar, Bénédicte Bertholon et Jean-Christophe Valière, Marc Higgin et Raymond Delepierre ainsi qu'un entretien croisé avec les professeurs réalisé par Ondine Bréaud-Holland en charge de la publication.
L’exposition monographique consacrée à Zéphir Busine (1916-1976) présentera son travail de designer et d’artiste décorateur.
S’il est surtout connu pour son œuvre picturale, qualifiée d’abstraction lyrique, il s’est cependant illustré dans bien d’autres domaines de la création.
Des années 1950 aux années 1970, il fut tour à tour illustrateur, céramiste, sculpteur, vitrailliste et décorateur. Il eut également l’opportunité de collaborer avec l’architecte Jacques Dupuis, notamment dans le cadre de l’Expo 58 mais aussi pour des ensembles de mobilier et d’art religieux.
En 1957, invité par la manufacture de verre de Boussu soucieuse de renouveler son image, il conçoit de nouvelles gammes de produits d’une étonnante modernité et d’une grande pureté formelle, dont certains seront distingués du Signe d’or en 1960 décerné par le Design Centre de Bruxelles.
L’ambition de cette monographie est de dévoiler une oeuvre peu connue du grand public et son impact dans l’histoire du design en Belgique.
Camping est un festival et une plateforme internationale de workshops et de spectacles, une expérience unique de rencontres avec des artistes du champ de la scène chorégraphique internationale, ouverte aux autres champs artistiques.
Camping s’adresse à tous les acteurs de la danse et des arts, qu’ils soient étudiant·e·x·s, enseignant·e·s, interprètes, chorégraphes, chercheur·euse·s, et également à un large public d’amateur·rice·s et de spectateur·rice·s.
Plus de 30 workshops pour 700 campeur·se·s dont 300 étudiant·e·x·s issu·e·s d’une trentaine d’écoles d’art à travers le monde, une quinzaine de spectacles : un événement international devenu incontournable, sans équivalent sur la scène française ou européenne.
Chaque jour, les écoles invitées ont l’opportunité de donner le cours du matin à tous les participant·e·s : l’occasion pour chacun·e de découvrir les techniques enseignées et les inspirations des diverses formations.
Du 25 juin au 25 juillet 2023, des étudiant·e·x·s des ateliers Design textile, Design industriel et Architecture d'intérieur participent au dernier stage de travail pour le projet Territoires tissés au Bénin, en collaboration avec l'AVPTTA (Association pour la valorisation et la promotion du tissage traditionnel d'Abomey).
Territoires tissés est un laboratoire collaboratif et transdisciplinaire, investissant les valeurs culturelles, techniques, patrimoniales et créatives véhiculées par la production du textile. En interrogeant l'écosystème des ateliers de tissage du Palais du Roi Agonglo à Abomey, le projet envisage la création et l’artisanat comme un levier de rencontres, d’apprentissages et d’émancipation pour tou·te·s les participant·e·s.
La valorisation des tissus de l’AVPTTA a fait l’objet de plusieurs axes de travail : l’archivage des tissus historiques, la déclinaison / variation de ces mêmes tissus comme un élément de différenciation majeur (déclinaison dans les couleurs, les dimensions graphiques, les échelles mais aussi les densités textiles), la transmission des techniques de tissage, la formation en teinture végétale (et des études pour le réaménagement partiel du site en fonction des activités de teinture), la promotion et la vente des tissus (création d’objets et nouveaux supports, valorisation du tissu au mètre, création d’un site internet — Agonglo.com —, aménagement d’une salle d’exposition et de vente, mobilier et présentoirs pour les tissus).
La dernière session de travail visait à produire avec les artisans le contenu de l'exposition itinérante qui sera organisée d'ici fin 2023 afin de promouvoir le projet de l'AVPTTA et d’assurer les bases d’une transmission des techniques de tissage pour pérenniser le projet, et plus largement les savoir-faire de l’association en réalisant un modèle de capsules vidéos consacré aux tissus majeurs reproductibles pour tous les tissus historiques réalisés au Palais.
Financé par Wallonie Bruxelles International, avec le soutien de l’Académie de recherche et d’enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles
Des étudiant·e·x·s et artistes diplômé·e·s de l'atelier Céramique exposent leurs travaux dans le cadre de l’exposition Resonating Ceramics à la Villa Arson, à Nice, jusqu'au 27 août 2023 !
Resonating Ceramics donne à voir les travaux réalisés par les étudiant·e·x·s de 4 écoles supérieures d’art dans le cadre du projet de recherche-création ECART – European Ceramic Art & Research Team.
Ainsi les vingt participant·e.s réparti·e.s en 9 binômes et 2 artistes en solo, ont travaillé la relation entre le matériau céramique et le son, tout en liant leurs recherches à la notion de rituel. Si celles-ci accordent une place prépondérante à l’expérimentation matérielle et formelle, elles convoquent des domaines tels que l’acoustique, l’organologie et l’anthropologie. Objets utilitaires, objets symboliques, objets performatifs, les pièces présentées ici jouent de ces catégories en brouillant les sens, la perception visuelle et sonore.
Cette seconde restitution après celle menée par la HEAD Genève en 2022 bénéficie du soutien de la Commission européenne à travers le programme Erasmus+ partenariat stratégique européen, qui accompagne l’ensemble du projet.
Avec les oeuvres des étudiant·e·x·s et artistes diplômé·e·s
La Cambre - Arpy Gokceyan, Béatrice Guilleman, Antoine Moulinard, Marta Rachlewicz, Roxane Rajic
HEAD Genève - Debbie Alagen, Sophie Conus, Sebastián Dávila, Ban Lei, Arielle Christina Tarzia
Fondé en 2009, le réseau ECART réunit pour son 5ème programme 4 écoles supérieures d’art et un centre d’excellence en céramique : La Cambre, Bruxelles (Belgique) ; Villa Arson, Nice (France) ; HEAD, Genève (Suisse) ; Pavillon Bosio, École Supérieure d’Arts Plastiques de la Ville de Monaco et l’European Ceramic Workcenter, Oisterwijk (Pays-Bas).
"Tout doit disparaître" est une exposition organisée par les étudiant.e.s de la promotion sortante du Master Peinture.
Le titre de ce projet fait allusion avec humour, fatalisme et un brin de nostalgie, à la clôture d'une période de vie et de recherche, qui fût déterminante pour chacun et chacune des participant.e.s.
Crédit photo : Master Peinture
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Jurys de fin d'année et d'études
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Jurys de fin d'année et d'études
Les jurys de fin d'année et d'études se dérouleront du 30 mai au 27 juin 2023. Ouverts à tout.e.s, c'est l'occasion de découvrir les travaux de nos étudiant.e.x.s !
Programme détaillé en annexe
Le Graduation Show - exposition des projets de fin d'études des étudiant.e.x.s de Master - sera du 29 septembre au 1er octobre 2023. Informations à venir.
L’exposition révèle la diversité de la création céramique contemporaine en dialogue avec une maison de maître au style éclectique.
A travers les différents espaces de ce lieu atypique et sous l’égide de Khnoum (le dieu égyptien qui façonne le limon du Nil sur son tour de potier), les 8 jeunes artistes issu.e.x.s de l’atelier Céramique convient le public à un parcours multiple dans leurs univers personnels.
Un circuit hétéroclite et insolite pour célébrer le passage entre la fin de leurs études et un parcours professionnel qui s’ouvre avec une pléthore de possibles.
Avec Maud-Europe Barrois, Léonie Chauchat, Antoine Moulinard, Sangah Pak, Marta Rachlewicz, Attale Alessandri
Agathe Bertin et Béatrice Guilleman, diplômé.e.s 2022
Equipe pédagogique
Caroline Andrin, Abel Jallais, Coline Rosoux et Joëlle Swanet
* Préposition latine. Préfixe servant à former une idée d’opposition, de position en face, de rencontre, de renversement.
Falloir Faillir, Aylyn Bendehina Sarikaya En fin de conte, Juliette Bestandji Apologue, Gregorio Pettoni Possenti Take a selfie in front of the precipice, Léa Salesse Peau, Aimé-e Rossi de Kermadec
A travers leurs dispositifs, chacun-e des cinq étudiant.e.x.s en master 2 de Scénographie propose de vous emmener au-devant des codes de la représentation. Iels investissent les lieux de LaVallée en opérant une mise en regard des espaces et de questionnements sur leurs rapports au monde.
Obscènes est une invitation à faire face à nos repères en tant que regardant-e. C'est un appel à observer, à aller rencontrer les schémas qui structurent notre pensée pour les renverser.
Durée : 2h00
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LaVallée
LaVallée
LaVallée héberge les réalisations des Masters Dessin et Espace Urbain qui choisissent d'organiser le croisement de leurs propositions visuelles et sonores.
La durée de la présentation sera courte mais pas moins constituée de singularités et de diversités plastiques.
Les fleurs bleues ne vivent qu'une journée
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Les fleurs bleues ne vivent qu'une journée
Six projets de diplôme de l’atelier Design textile
Lors du Master en Design textile, les étudiant.e.x.s donnent forme aux aspirations qui les animent en interrogeant le medium textile, en y approfondissant une démarche ancrée dans l’intimité de l’atelier et nourrie de rencontres dans différents contextes de création, d’usages et de production.
Iel, elles sollicitent la fluidité dans un rapport sensible, tangible aux êtres et aux choses : aménager, accueillir, ombrager, revêtir, filtrer, ... Manifestant l’ambition et le plaisir de s’approprier des processus de fabrication élémentaires ou complexes, les projets cette année revendiquent particulièrement le caractère physique, empirique et immersif du travail artisanal : retorde, ourdir, tisser, tricoter, enduire, plonger, pétrir, déployer, arrimer,… Autant d’actions, de traditions d’un sillon millénaire, emprunté aujourd’hui comme un ancrage dans les vacarmes du monde.
Après deux années intenses de découverte, recherche et rencontres, les 9 étudiant.e.x.s sortant.e.s du Master Danse et pratiques chorégraphiques vous ouvrent les portes de leur studio pour une première présentation publique de leurs projets personnels.
Les travaux ont été encadrés artistiquement par Ayelen Parolin, Daniel Linehan et Serge-Aimé Coulibaly, professeur.es référent.es de la formation.
Louise Vanneste et Antia Diaz Otero ont accompagné le processus de recherche et la dramaturgie.
Fruit d’une collaboration inédite, le Master Danse et pratiques chorégraphiques s’est construit pour rappel sur un partenariat tripartite entre le centre chorégraphique Charleroi danse et les deux écoles supérieures d’art l'INSAS et La Cambre.
Programme
15h30 > Sarah Migairou-Feldman – La Raffinerie
16h10 > Irène Nerys – La Raffinerie
16h50 >David Ramalho – La Raffinerie
17h35 > Noé Englebert – SEN – Studio Étangs Noirs
18h05 > Suzie Babin – SEN – Studio Étangs Noirs
18h50 > Areti Chourdaki – La Raffinerie
20h00 > Geva Seibert – La Raffinerie
20h40 > Marion Degardin – La Raffinerie
21h20 > Dounia Dolbec – La Raffinerie
The masters of the Photography, Printmaking and Sculpture workshops of La Cambre take over the spaces at Eleven Steens for an exhibition where order and chaos give shape to their intertwined desires.
The three ateliers have joined forces, coalesced around the conviction that it is imperative to develop exhibition projects in a context of sharing, openness and cross pollination.
To become an artist is to move into a new territory: on the threshold of the great leap, to prepare to leave school and embrace the world.
L'atelier Accessoires présente « CORE SIX », une exposition au coeur des projets de diplôme des étudiantes : Camille Cireddu – Clara Besnard – Eunji Oh – Jeanne Brandalise – Nolwenn
Ollion – Olivia Bretheau
Merci à l’Atelier Espace Urbain pour l'accueil
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Showoff23
Showoff23
Cette année, l'atelier Stylisme et création de mode lancera son célèbre défilé de mode annuel, Showoff23, en ligne sur www.lacambremodes.be
Dès 10h, vous pourrez découvrir en détail les vêtements imaginés par les jeunes créateur.rices !
Benoît Deneufbourg (1977 — 2023)
Benoît Deneufbourg (1977 — 2023)
La communauté de La Cambre vient d’apprendre le décès de Benoît Deneufbourg (1977 - 2023), designer.
Benoît Deneufbourg avait été assistant à l'atelier d'Architecture d'intérieur de 2014 à 2020.
Diplômé en architecture d'intérieur à l'ESA Saint Luc, il dirigeait son studio de design depuis 2004 à Bruxelles.
Son travail couvrait un large éventail de disciplines : mobilier, éclairage, accessoires, intérieur et scénographie.
Nous présentons nos sincères condoléances à ses proches et aux personnes qui l’ont connu et apprécié.
Une cérémonie se déroulera au Centre Funéraire Partous, Alsembergsteenweg 1001, 1652 Alsemberg, le mardi 16 mai 2023 à 11h.
Un dernier hommage à Benoît peut être rendu au Centre Funéraire Partous le samedi 13 mai de 15h à 18h.
Chaire à vif – Discussion avec Olivier Bastin
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Chaire à vif – Discussion avec Olivier Bastin
La Cambre s’interroge sur son futur campus, rassemblant toutes ses activités sur le site de l’Abbaye.
Quelle identité l’institution veut-elle se définir ? (Quoi ?)
Comment le regard des artistes nourrit-il le projet du vivant ? (Avec qui ?)
Comment le projet architectural sera-t-il l’occasion de faire état de pratiques d’articulation et de réparation ? (Comment ?)
Chaire à vif 2023 vous invite à partager ces questions avec Olivier Bastin. Architecte, fondateur de L’Escaut, il fut le premier bouwmeester-maître architecte (bMa) de la Région de Bruxelles-capitale. Pour la dernière discussion de cycle de rencontres, il répondra à la question Comment ?
Olivier Bastin
Fondateur de L'Escaut Architectures en 1989, Olivier Bastin est architecte et scénographe. Après avoir enseigné dans plusieurs facultés d'architecture, de scénographie et d'arts plastiques (1994-2009), il a inauguré le rôle d'architecte maître Bouwmeester de la Région bruxelloise de 2009 à 2014. Il est aujourd'hui membre de l'Académie royale des Arts et des Lettres et président de la Fédération des Architectes de Belgique, du Théâtre le Rideau de Bruxelles et de l’Asbl Europan Belgium. L'Escaut Architectures développe des projets de théâtre, de paysage et de logements, et accueille des résidences d'artistes.
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique. La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
For the past five years, the Art(s) & écriture(s) transdisciplinary module for students pursuing a Master’s degree at ENSAV La Cambre has examined the wide array of contemporary forms of writing in art. The debates and exchanges between the word and the image are nothing new. From time immemorial, artworks have always incorporated words into their production, and writing has always been an integral component of the artwork. This represents one of the most fertile dialectical tensions in human thought, one that runs across the history of art and of ideas.
Contemporary interactions between art and literature manifest themselves specifically in what critics have lately labelled “literature outside the book”, “exhibition literature” or “visual literature”, whereby writing artists/writers appropriate language in all its forms via a wide variety of mediums. Today, the forms of writing are specifically being revived in the realm of visual arts, shifting away from the classical forms of literature associated with the medium of the book, such as the novel, poetry and the essay.
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En Stoemelings
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En Stoemelings
Who will notice the works surreptitiously installed in Rooms of Resonance?
The works of six students in the Drawing Masters of La Cambre and the Beaux-Arts de Liège almost go unnoticed between the walls of Cloud Seven’s new exhibition. They have been skilfully placed in specific corners of the space to create new dialogues with the pieces from Frédéric de Goldschmidt’s collection. Placed on a window sill, a small framed pastel absorbs the daylight and restores colour in geometric shapes or in muffled touches; a dark sign seeps in free forms on the smooth wall of the gallery’s lightshaft; an anthropomorphic object, carved in wood, dialogues with a spider and a butterfly; under the steps of the stairwell, between two floors, small and almost living sculptures slip by; along the stairs discreetly, subtle and fine drawn landscapes come to light; between two windows a modest and gentle abstractions reveal the frequency of graphite.
"En Stoemelings" is a stealth exhibition, an exhibition within another, an atypical and mysterious show.
Mathilda Buche, Solina Denis, Azad Eurdekian, Pablo Harcq, Maëlle Lucas-Le Garrec and Thomas Tavernier present their current research at Cloud Seven.
Thanks to Frédéric de Goldschmidt for his complicity and his enthusiasm.
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Lézardes
Lézardes
Finalisation d'un workshop mené avec les étudiant.e.x.s de bachelier 3 en Peinture encadré par Olivier Drouot et Lola Meotti
Whips, Ships, Tusks, Scars, and Vines: Art Nouveau, Congo and Belgium, Then and Now
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Whips, Ships, Tusks, Scars, and Vines: Art Nouveau, Congo and Belgium, Then and Now
Lecture and Discussion by Debora Silverman, Distinguished Professor of History and Art History, University of California, Los Angeles, with guests to be confirmed
This lecture rediscovers the explosion of creativity in fin-de-siècle Belgium, when artistic innovation, political radicalism, and imperial enthrallment shaped the avant-garde. Drawn from a forthcoming book, the lecture identifies Belgian Art Nouveau—known as “coup de fouet” or “whiplash style”—as a specifically Congo nature style, composed of Congo raw materials and inspired by Congo motifs. Design objects and texts by Henry Van de Velde and architectural works by Victor Horta will be featured in the presentation. These historical expressions of what can be called “imperial modernism” raise broader questions of the relationship between art and violence, the social context of visual form, and the force field of conscious and unconscious patterns that shape creative consciousness.
Debora Silverman
Debora Silverman is Distinguished Professor of History and Art History at the University of California, Los Angeles. She teaches and has written widely on the visual arts, politics, and the emergence of the irrational in fin-de-siècle Europe, on Van Gogh, Gauguin, Gallé, Rodin, Ensor, and Klimt, as well as critical studies of art, colonialism, the Tervuren Royal Museum for Central Africa, and legacies of violence in the contemporary world. Her books include Selling Culture; Art Nouveau in Fin-de-Siècle France; and Van Gogh and Gauguin. Her forthcoming book is called Art of Darkness.
The following viewing and readings are recommended for this lecture and discussion:
“Diasporas of Art: History, The Tervuren Royal Museum for Central Africa, and the Politics of Memory in Belgium, 1885-2014,” The Journal of Modern History (87:3), September, 2015: 615-667.
“Art Nouveau, Art of Darkness: African Lineages of Belgian Modernism,” Part I,” West 86 th , The Bard Graduate Center: Decorative Arts, Design History and Material Culture, * vol. 18, no. 2, Fall 2011, pp. 139-181.
“Marketing Thanatos: The Horror of Damien Hirst,” American Imago, vol. 68, no. 3, Fall 2011, pp. 391-424.
On the same thematic, you can discover the exhibition "Style Congo. Heritage & Heresy" in CIVA until Sunday, September 3, 2023. The exhibition explores the politics of cultural representation and appropriation through contemporary artistic and architectural interventions as well as historic documents and materials from CIVA's Collections.
IN-FORM est une exposition collective présentant les travaux récents des étudiantes en dernière année de master Gravure et image imprimée.
Dans un dialogue chuchoté au cœur de l’espace du Botanique, l’exposition déroule une cascade de récits en échos, à la façon du fameux jeu du « téléphone arabe ». Par l’expression de messages contagieux, les pratiques à l’œuvre résonnent comme des futurs à rebours.
Klara Fontibus, Ninon Kaced, Shirin Nekou, Oya et Luna Petit présenteront des installations entrant dans un dialogue chuchoté au cœur de l'espace du Botanique.
Design: Oya
Animation: Lily Chow
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Chaire à vif – Olivier Bastin en discussion avec Adèle Gratacos
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Chaire à vif – Olivier Bastin en discussion avec Adèle Gratacos
La Cambre s’interroge sur son futur campus, rassemblant toutes ses activités sur le site de l’Abbaye.
Quelle identité l’institution veut-elle se définir ? (Quoi ?)
Comment le regard des artistes nourrit-il le projet du vivant ? (Avec qui ?)
Comment le projet architectural sera-t-il l’occasion de faire état de pratiques d’articulation et de réparation ? (Comment ?)
Chaire à vif 2023 vous invite à partager ces questions avec Olivier Bastin. Architecte, fondateur de L’Escaut, il fut le premier bouwmeester-maître architecte (bMa) de la Région de Bruxelles-capitale. Pour la deuxième conférence, "Avec qui?", il recevra Adèle Gratacos.
Adèle Gratacos
Artiste française née en 1993, Adèle Gratacos vit et travaille à Bruxelles. Formée à l’ENSAV La Cambre, département sculpture et vidéo, elle élabore un manifeste « Pour une architecture de l’Inconsolable », comme une thèse d’architecture. Ce travail au long parcours prend sa source dans une construction nommée « Hôtel Minotaure », ayant pour vocation de recevoir des êtres en crise et de les inviter à vivre cet état comme une chance. Cette étude sur l’hospitalité absolue, questionne la place des crises dans le fil de nos vies ainsi que leur accueil dans la structure de nos villes.
Si elle travaille essentiellement à partir de matières mouvantes/performatives pour explorer les fragilités de l’intimité, Adèle Gratacos a placé l’édition au cœur de sa démarche artistique.
Son travail a été exposé dans des musées au Japon et en France, et a été nommé pour plusieurs prix tels que FOAM Talent et Paul Huf Award (Pays-Bas, 2021). Elle a remporté le Prix de la Vocation pour les arts visuels en 2021 (Belgique) pour ses recherches en cours. Ces dernières investigations ouvre ses pratiques artistiques à des champs inattendus tels que des conférences et des projets d’architectures.
Olivier Bastin
Fondateur de L'Escaut Architectures en 1989, Olivier Bastin est architecte et scénographe. Après avoir enseigné dans plusieurs facultés d'architecture, de scénographie et d'arts plastiques (1994-2009), il a inauguré le rôle d'architecte maître Bouwmeester de la Région bruxelloise de 2009 à 2014. Il est aujourd'hui membre de l'Académie royale des Arts et des Lettres et président de la Fédération des Architectes de Belgique, du Théâtre le Rideau de Bruxelles et de l’Asbl Europan Belgium. L'Escaut Architectures développe des projets de théâtre, de paysage et de logements, et accueille des résidences d'artistes.
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique. La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
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Henry van de Velde : autobiographie critique d’un protagoniste du Mouvement moderne - Anne Van Loo
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Henry van de Velde : autobiographie critique d’un protagoniste du Mouvement moderne - Anne Van Loo
La conférence "Henry van de Velde : autobiographie critique d’un protagoniste du Mouvement moderne" est organisée à l’occasion de la publication du 3e volet des mémoires de Henry van de Velde : « Récit de ma vie, 1917-1957 » (éd. Brepols, 2023).
Malgré une carrière internationale prolifique comme peintre, architecte, designer, pédagogue et théoricien, Henry van de Velde ne put mener à bien de nombreux projets sur lesquels il fondait de grands espoirs pour sa notoriété : le mausolée Nietzsche à Weimar, le théâtre des Champs-Elysées à Paris, l’urbanisation de la Rive gauche à Anvers, etc.
Pour compenser ce destin contraire et témoigner de l’emprise incontestable qu’il exerca sur l’Art nouveau puis sur le Mouvement moderne, il entreprit la rédaction de « ses mémoires » à des moments où l’Histoire infléchissait sa carrière : durant les deux guerres mondiales à Weimar et à Bruxelles, puis, à partir de 1947, en Suisse où il finit ses jours grâce à l’aide d’un cercle d’amis.
Le contexte de la rédaction de cette autobiographie était propice à l’amertume, voire au règlement de compte. En fait, il favorisa surtout la multiplication des versions, les remises à jour redondantes et parfois contradictoires de la part de cet Européen avant la lettre, qui connaissait ses limites en matière d’écriture et ne parvint pas à finaliser complètement son entreprise. L’édition critique de ses manuscrits s’en trouva complexifiée d’autant.
Cependant, c’est un témoignage de première main que van de Velde nous livre sur la genèse de la modernité à travers un récit vivant et une description très imagée des milieux artistiques et intellectuels d’avant-garde qu’il fréquenta sa vie durant.
Architecte et urbaniste, docteure en architecture, spécialiste du Mouvement moderne.
Secrétaire permanente de la Commission royale des Monuments et des sites de la Région de Bruxelles-capitale (1993-2016).
Directrice éditoriale du Dictionnaire de l’Architecture en Belgique de 1830 jusqu’à nos jours (Fonds Mercator, 2003).
Ses recherches portent principalement sur l’architecte et designer Henry van de Velde auquel elle consacre plusieurs écrits. Contribue par ses travaux à la restauration de plusieurs de ses maisons et, à partir de la fin des années 1980, établit l’édition critique de ses mémoires en trois volumes dans leur langue originale, le français. Depuis 2004, membre fondateur et présidente du comité scientifique du Fonds Henry van de Velde (ENSAV-La Cambre).
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Open 2023
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Open 2023
La Cambre organise ses Portes Ouvertes
le samedi 25 mars
OPEN, vous emmène à la découverte des différents cursus OPEN, c'est une journée de rencontres avec les équipes pédagogiques, le Conseil des étudiant·e·x·s et la direction OPEN, ce sont des expositions, des vernissages, des workshops
Attention, il n’y a pas de parking possible sur l’ensemble du site.
Pour les personnes ne pouvant être présentes le 25 mars, La Cambre organise une journée d'échanges, en ligne, avec l'équipe pédagogique le mercredi 29 mars de 9h à 18h. Voir programme ci-joint
Avec les oeuvres de
Juliette Amigues, Francesco Battistello, Corentin de Bellefroid, Adèle Goardet, Béatrice Guilleman, Nina Robert, Barbara Leclercq, Charlotte Quinonero et Kamand Razavi
Commissariat exécutif
Lola Meotti
L'exposition Chemin faisant réunit neufs diplomé.e.s de master 2 de La Cambre en 2022. Ils ont été sélectionnés par le jury des Amis de la Cambre. Nous découvrons à cette occasion leurs travaux de fin d'études ainsi que de nouvelles œuvres créées depuis leur sortie de l'école. Les options Céramique, Design industriel, Design du livre, Dessin, Gravure et image imprimée, Peinture, Photographie et Textes et création littéraire sont représentées.
L’eau est la condition sine qua non de la vie, notre corps en est constitué à plus de 65%, elle recouvre 72% de la surface de notre planète. C’est un bien commun. Sa gestion constitue un des enjeux majeurs de nos existences, aujourd’hui et depuis toujours.
L’exposition Hydrographie propose de porter un regard sur cet élément vital, de regarder l’eau dans tous ses états, de la suivre dans ses cheminements, de mesurer son importance, de s’en inspirer, de la détourner, de la canaliser, de la cartographier… de s’en servir comme base de réflexion, de nous y plonger.
Les travaux de 34 étudiant.e.x.s issu.e.x.s des ateliers Espace Urbain de la Cambre, de la Mention ACDC- Espaces de l’Ecole Supérieure d’Art et de Design de Saint-Etienne et de l’atelier Expérience du territoire de l’Art de E-Art, Hougzhou, proposent, par la variété de leurs travaux, un aperçu subjectif et poétique des influences que l’eau porte sur notre imaginaire.
Avec des travaux de
Adèle COSTERG, Alix LAMBION, Anastasiia SHAROSHKINA, Auriane BOUCHER, Cécile POULAT, Charlotte MAUCOURT, Dacha DORISON, Dayeong CHOI, Elisa PALM, Elyette GAUTHIER, Emile DALOTEL, Francesco GUIDOTTI, Heidi HABBULOGLU, Jasmine CAILLIEZ, Jeanne THESE, Jia YU, Jinxuan ZUO, Lena GROSFILLEY, Lili CHRISTIANE, Louison DEWIT, Marc-Arthur SOHNA, Marion SERCLERAT, Mathilde BAURE, Mathis VOLPE, Maxime DUMONT, Mehdi PENANT, Michelle TULPINCK, Nadège OLIVIER, Perle VENZAL, Qiyang YU, Xiaonan WANG, Yibo JIANG, Yiyun MAI, Yuan MENG.
Professeurs
ESADSE : Stéphane Lemercier
E-Art : Niek Van de Steeg, Jiawei Zou
La Cambre : Erwan Mahéo
Avec les oeuvres de
Ugo Amand, Thomas Bodart, Aude Kermaïdic, Yannick Komenan, Simeon Muth, Lie Piveteau, Ellie Sissung et Samuel Ventura
Cette exposition invite à découvrir un choix d’œuvres de la collection du FRAC Picardie Hauts-de-France mises en regard des recherches dessinées de huit étudiant.e.s de l’atelier Dessin.
Marine Pagès, artiste conférencière, a proposé, en deux temps, entre Amiens et Bruxelles, une réflexion sur les fenêtres aveugles. Le résultat nous plonge dans l’intimité du Dessin qui se dévoile, se déplie en un partage de pensées.
« Depuis sa source à l’abbaye de la Cambre, il coulait à ciel ouvert parmi les prairies et traversait cinquante-huit étangs, notamment ceux d'Ixelles. De nombreux moulins et ateliers s’étaient établis sur ses rives. »
Avec les œuvres de
Marie Fleur Lefebvre, Jeanne Detot, Lucine Letassey et Luca Vanello
Une commande auprès des résidents SAFFCA, en partenariat entre l’ENSAV La Cambre, Les Amis des étangs asbl, avec le soutien de l’Administration générale de la Culture de la Fédération Wallonie-Bruxelles
PERFORMANCES, ART ET ANTHROPOLOGIE, OPPOSITIONS ET CONVERGENCES
Pour la session 2023 de la Journée d’Études à La Cambre, les enseignant·e·s, étudiant·e·x·s et invité·e·x·s exploreront la corporéité et la performance, et les dispositifs qui les rendent possibles. Ces modes de création peuvent s’avérer être un mode de connaissance du monde en ce qu’ils relèvent d’une activité d’écriture aux prises avec des enjeux scéniques, narratifs et esthétiques.
avec Jean-Frédéric de Hasque – Laurent Gilson – Antoine Pickels – Benoît Hennaut – Silvia Mesturini – Karel Vanhaesebrouck – Kimia Nasirian – Clyde Lepage – Julie Bawin – Patrick Corillon – Dominique Roodthofdt
Cette journée traduira les deux perspectives anthropologique et artistique. D’une part, sous forme de communications orales s’intéressant aux modes de production et de pérennisation de la performance, la fabrique d’archives et de traces, son exposition ou sa muséographie, et d’autre part, en présentant des expérimentations concrètes de performances (travaux en cours ou réalisés).
L’objectif est de nourrir et complexifier les thèmes abordés de manière théorique/épistémologique pour intégrer la performance dans les modes de récits.
Ce qui rejoint les préoccupations des deux approches est qu’une production performative invite à se pencher sur l’aspect « momentané » en tant qu’expérience de transformation du sujet, de son corps, de ses gestes, de ses mouvements mais aussi de son intériorité, de son langage, de sa pensée, de sa manière d’habiter le monde et de se laisser habiter par celui-ci.
Chaire à vif - Olivier Bastin en discussion avec Chris Younès
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Chaire à vif - Olivier Bastin en discussion avec Chris Younès
La Cambre s’interroge sur son futur campus, rassemblant toutes ses activités sur le site de l’Abbaye.
Quelle identité l’institution veut-elle se définir ? (Quoi ?)
Comment le regard des artistes nourrit-il le projet du vivant ? (Avec qui ?)
Comment le projet architectural sera-t-il l’occasion de faire état de pratiques d’articulation et de réparation ? (Comment ?)
Chaire à vif 2023 vous invite à partager ces questions avec Olivier Bastin. Architecte, fondateur de L’Escaut, il fut le premier bouwmeester-maître architecte (bMa) de la Région de Bruxelles-capitale. Pour la première conférence, "Quoi?", il recevra Chris Younès.
Chris Younès
Philosophe, Chris Younès est professeure à l'École Spéciale d'Architecture de Paris et professeure émérite de l’École Nationale Supérieure d’Architecture Paris-La Villette. Fondatrice et directrice-adjointe du laboratoire GERPHAU (Groupe d’études et de recherches Philosophie, Architecture, Urbain), elle préside le Réseau International thématique PhilAU (Philosophie, Architecture, Urbain), éditeur de la revue Le Philotope. Elle est également membre du Conseil de l’Association Européenne de l’Enseignement de l’Architecture et membre fondatrice de l’ARENA, l’Architectural Research Network, et de la revue L’esprit des villes.
Olivier Bastin
Fondateur de L'Escaut Architectures en 1989, Olivier Bastin est architecte et scénographe. Après avoir enseigné dans plusieurs facultés d'architecture, de scénographie et d'arts plastiques (1994-2009), il a inauguré le rôle d'architecte maître Bouwmeester de la Région bruxelloise de 2009 à 2014. Il est aujourd'hui membre de l'Académie royale des Arts et des Lettres et président de la Fédération des Architectes de Belgique, du Théâtre le Rideau de Bruxelles et de l’Asbl Europan Belgium. L'Escaut Architectures développe des projets de théâtre, de paysage et de logements, et accueille des résidences d'artistes.
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
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Rencontre-performance avec Camille de Toledo
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Rencontre-performance avec Camille de Toledo
Une histoire du vertige
Performance à la table - Le vertige en 7 fragments plus
« Ecoute, le sol se dérobe, les mots dérapent, nous perdons l'équilibre. Partout, nos appuis s'érodent, la vie se dérègle et nous restons suspendus. Nous regardons en-dessous, loin, et nous voyons la Terre, les autres espèces ; mais nous en sommes séparés... Tu vois ? Nous entrons dans le monde des vertiges. Et moi, figure-toi, qu'est-ce que je peux faire à part chercher à la comprendre, cette vie vertigineuse... »
Camille de Toledo enseigne à l'ENSAV (Bruxelles) et à l’Université d’Aix Marseille. Il est chercheur associé à l’Institut d’études avancées de Nantes pour son travail sur les droits de la nature. Lauréat du prix Franz Hessel, finaliste du prix Goncourt avec Thésée, sa vie nouvelle, ses recherches l’ont porté à explorer ce qu’il nomme « nos habitats narratifs », quand la fiction construit notre rapport au monde jusqu'au point de détruire la vie.
En collaboration avec le Master Textes et création littéraire
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Au revoir Franc’Pairon
Au revoir Franc’Pairon
Francine Pairon est née le 2 février 1949. Après avoir étudié l'histoire de l’art au Musée d’art ancien à Bruxelles (1969), elle suit une formation en architecture intérieure (1981) au Centre des arts décoratifs (C.A.D.) à Bruxelles. Dans le cadre de cette formation, elle effectue des stages au bureau de Christophe Gevers et chez Jean Glibert, alors chefs d'atelier à La Cambre. Rencontres déterminantes, comme fut celle de Luc Van Malderen.
Elle crée ses premiers vêtements en 1978 et expose à de nombreuses reprises durant les années 80 (Galerie Néon à Bruxelles, Design center, Sint-Lukas Galerij e.a.)
Elle reçoit une bourse au centre de recherche de la Fondation de la Tapisserie et des Arts Muraux à Tournai (1983-1984) pour réaliser des recherches sur le vêtement en kit.
De 1983 à 1986, elle enseigne l'art et la technique du tissu ainsi que le stylisme et la recherche et construction du vêtement dans plusieurs établissements (Ecole Supérieure des Arts plastiques de Mons, Centre liégeois de formation permanente des classes moyennes, C.A.D.).
En 1986, elle crée l’atelier de Stylisme et création de mode de La Cambre, avec le soutien de Joseph Noiret, à qui elle empruntera cette phrase qui demeurera sa devise et celle de La Cambre Mode(s) : « La création est rupture, nous dormirons plus tard ». Elle dirigera l’atelier de septembre 1986 à juin 1999 avant de prendre la direction de l’Institut français de la mode à Paris, jusque 2013.
Toujours attentive à la vie de notre école, elle n’avait de cesse d’en défendre les principes de liberté et d’innovation, auxquels elle a tant contribué.
Le premier défilé de l’atelier de l’atelier de Stylisme et création de mode de La Cambre a eu lieu en juin 1988. Laissant derrière elle des générations de stylistes et de créateurs, soit qu’elle forma directement, soit qui aujourd’hui encore baignent dans son héritage pédagogique et culturel, Franc'Pairon nous a quittés ce dimanche 12 février. Un grand vide se crée, que nous remplirons de son souvenir, de son enthousiasme, de sa ténacité, de sa loyauté et de sa vigueur poétique et artistique.
L’école de La Cambre adresse ses plus sincères condoléances à sa famille, ses amis, ses proches et à toutes celles et ceux dont elle aura marqué ou changé la vie.
ECCE LIBRO
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ECCE LIBRO
Les étudiant·es du CASO livre exposent
Alexandra Van Leeuw, Caroline Roche, Cécile Faure, Jonas Liesaus, Haejin Cho, Laure Azizi, Laetitia Lequertier, Lucas Brunner, Madeleine Petit, Maira Villena, Marthe Robin, Mélissa Rea, Nail Okat, Theo Fousse
Les CASO sont des cours artistiques de soutien aux options.
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FIFTEEN BRAIN CELLS LEFT
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FIFTEEN BRAIN CELLS LEFT
We are cyborgs.
We invite you to our cyborg tale.
With sound, let's invent a cyborgian language.
With works by
Mina Albespy, Clara Bougon, Lucille Briffaud, Élise Comte, Clément Decooman, Théo Desmaizières, Azad Eurdekian, Lune Jusseau, Milan Marly, Anatole Mélot, Billy Moisseron, Charly Molle Cousin, Valentine Vadella, Lou Viallon
All works were composed in the frame of the Création Sonore et Musique Expérimentale course at the ENSAV La Cambre, in partnership with Q-O2 in Brussels. The module proposes a special frame for listening, experimenting and reflecting around sound art, through the topic of the machine in relation to the body.
The starting point of the course is Donna Haraway's 'Cyborg Manifesto'.
The professors are Myriam Pruvot, Caroline Profanter, Julia Eckhardt and Céline Gillain.
Cloé Barbier, Zélie Boggio, Louisa Carmona, Louna Clozel, Eulalie Combe, Anatole Edelsztein, Clara
Fontibus, Matilde Gazeau Frade, Zarina Gibadulina, Garance Maillot, Clémence Péguy, Justine
Richard, Romane van Walre de Bordes
montrent leur travail à l’issue de six semaines d’expérimentations avec
Jacques André, Eve Bonneau, Alice De Visscher, Alexandros Plomaritis, Ophélie Mac, Monali Meher, Antoine
Pickels, Robin Pourbaix
Photo : Alexandros Plomaritis
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Rencontres d'Archives
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Rencontres d'Archives
L’exposition « Rencontres d’Archives » est le premier moment de présentation publique du module interdisciplinaires portant le même nom. Le module présentera ses premières pistes de recherche des différents formes d’archives qui existent et qui circulent à travers La Cambre.
avec
Léa Anel, Marie Barré, Juliette Bestandji, Zahra Eddaif, Noa Giot, Anouk Girard, Théa Gonçalves, Jana Katanic, Antoine Lacour, Anna Le Bec, Nicolas Millot, Julie Noyer, Aubry Saadetian, Thomas Tavernier et Camille Wisniewski
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In memoriam - Point final (1941-2023)
In memoriam - Point final (1941-2023)
Jean-Pierre Point a rejoint ses chères nuées au Jour de l'An. Il est désormais un simple point de lumière dans le cosmos.
Peu de gens ont la chance d'avoir un patronyme qui sonne comme un pseudonyme. Point est le point sur lequel Jean-Pierre a forgé son esthétique de pensée.
Ce point de trame, qu'Alain Jacquet avait dévoilé et dévoyé avant lui, Jean-Pierre Point l'éclatera encore, pour mieux l'éparpiller, façon puzzle. Il mit un point d'honneur à le révéler, ce point, jusqu'à l'étaler en panneaux d'affichages de 20m2, rendant la rue à la rue et renvoyant les passants à leurs doubles tramés. Je vous parle d'un temps où le pixel flottait encore dans un plasma sans écran...
Le point de non-retour, l’épiphanie de Point, ce fut la découverte de la sérigraphie, une technique d'impression dont il fit un langage, un engagement, un absolu. On peine à croire que Jean-Pierre avait auparavant eu une vie comme sculpteur. Point de rupture : le volume s'est effacé, englouti par la quadrichromie...
Avant de diriger l'atelier de Sérigraphie à la Cambre, Jean-Pierre Point avait, dans les années septante, propagé une esthétique fondée sur une pensée exigeante, où étaient dénoncés et sublimés par toutes les synthèses, additives ou soustractives, les mensonges de la photographie, les illusions de l'image, la physique métaphysique de la couleur-lumière. Point de vue : le regard est tout et peut tout, il s'offre sans réserve à qui peut lire au travers des illusions, depuis un belvédère à la fois central et distant. En point culminant, une poétique de la lucidité...
Comme professeur, il fut un maître. Il fut le mien, en tout cas, qui profondément me marqua. Exigeant et distant à la fois (il savait cacher sa timidité sous des airs hautains), capable de fulgurances qu'on n'oublie pas ("La couleur, c'est de la lumière. On ne met pas la lumière en pot!"), il était doué d'une superbe calligraphie (dont heureusement il n'était pas avare), et d'un humour froid qui en déconcertait plus d'un. Le point est une intersection. La variété des profils et parcours des étudiantes et étudiants issus de son atelier démontre amplement sa grande ouverture focale - le point de fuite était à l'infini...
Le point est un signe, il marque une rupture, une fin, et la possibilité d'un nouveau départ. En ce sens, PMK (l'atelier Printmaking de la Cambre) est son héritière. Un Point, c'est tout.
Jean Pierre Müller
Professeur responsable Printmaking
(Gravure & Image imprimée)
Chaire à vif — 2023
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Chaire à vif — 2023
En 2023, la troisième édition de CHAIRE À VIF recevra Olivier Bastin.
Lovée au creux d’une vallée, située à la source de la rivière Maelbeek, entre le vivant de la forêt de Soignes et celui de la place Flagey, l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre (ENSAV) s’interroge sur son futur campus, à l’occasion du rassemblement de l’ensemble de ses activités sur le site de l’Abbaye et de son extension programmée dans les anciens locaux de l’Institut Géographique National (IGN).
Entre pôle d’excellence favorisant l’émergence de talents comme dans un écrin, et maillon d’une chaîne urbaine appelant à la plus grande porosité physique, psychologique, sociale et mentale, quelle identité l’institution veut-elle se définir ? (Quoi ?)
Prenant appui sur des pratiques partagées entre art et architecture, comment le regard des artistes nourrit-il le projet du vivant à travers ses mises en formes ? (Avec qui ?)
Loin des prouesses d’une architecture hantée par la proclamation de son génie, comment le projet architectural sera-t-il l’occasion de faire état de pratiques d’articulation et de réparation, toutes entières tendues par la vision critique d’un espace qui ne serait plus à conquérir mais à sauver ? (Comment ?)
Alors que démarrent en 2023 les études de programmation et de master plan du futur campus de l’école à l’Abbaye, Chaire à vif vous invite à réfléchir autour de ces questions avec Olivier Bastin. Architecte, fondateur de L’Escaut, un lieu de partage entre art et architecture, il fut le premier bouwmeester-maître architecte (bMa) de la Région de Bruxelles-capitale. Il conviera trois invités, philosophe, écrivain, artiste, porteuses et porteur de telles questions dans leurs pratiques quotidiennes.
Projections et rencontres :
QUOI ? — 15 mars 2023 à 18h — Chris Younès
AVEC QUI ? — 17 avril 2023 à 18h — Adèle Gratacos
COMMENT ? — Mai 2023 — à confirmer
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
Restitution des ateliers 2022 et vente des productions tissées, de TERRITOIRES TISSÉS.
vendredi 9 décembre de 16h à 20h
samedi 10 décembre de 10h à 18h
Collaboration entre l'AVPTTA, Association pour la valorisation et la promotion du tissage traditionnel d'Abomey, les ateliers de Design textile, Design industriel et Architecture d'intérieur de La Cambre, Bruxelles et l'EPA, École du Patrimoine africain, Porto-Novo.
Territoires tissés est un laboratoire collaboratif et transdisciplinaire investissant les valeurs culturelles, techniques, patrimoniales et créatives véhiculées par la production du textile. En interrogeant ensemble l'écosystème des ateliers de tissage du Palais du Roi Agonglo à Abomey, le projet envisage la création et l’artisanat comme un levier de rencontres, d’apprentissages et d’émancipation pour tous les participant·e·s.
Territoires tissés se déroule sur une durée de 5 ans ( 2019-2023), financé par Wallonie Bruxelles International, avec le soutien de l’Académie de recherche et d’enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles.
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Fixer l’archipel
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Fixer l’archipel
Colloque porté par Philippe Terrier-Hermann, artiste enseignant chercheur et responsable du pôle de recherche Contrat Social et l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon au Frac et professeur Master à l'atelier de Photographie à La Cambre.
Hervé Charles, responsable de l'atelier de Photographie, en compagnie de Barbara Felgenhauer et Camille Poitevin présenteront le film Au-dessus des os réalisé à Hydra par le groupe de recherche et les diplômé.es du Master en 2022.
Le programme de recherche « Fixer l’archipel » est né en 2017 d’une volonté de proposer diverses méthodologies de travail à partir de l’espace insulaire méditerranéen, en considérant ce dernier comme un point de départ, mais surtout comme un point de vue spécifique pour développer une pensée géographique et métaphorique sur les positions des artistes, des citoyens, dans la société. La Méditerranée, mare medi terra en latin, signifie littéralement, la « mer au milieu des terres ».
MEETING POINT #29
Cours ouvert proposé par Bruno Tackels
Trace et aura. La trace est l’apparition d’une proximité, quelque lointain que puisse être ce qui l’a laissée. L’aura est l’apparition d’un lointain, quelque proche que puisse être ce qui l’évoque. Avec la trace nous nous emparons de la chose ; avec l’aura, c’est elle qui se rend maîtresse de nous.
Walter Benjamin, Le Livre des Passages.
Walter Benjamin n’a cessé de dépasser les limites, de traverser les frontières, de transgresser la règle des disciplines. Voyageur et fouineur il s’intéressait à tout : les jouets et les marionnettes en bois mais aussi les premières expériences de la télévision publique, la mode et les vitrines de magasins mais aussi la Comédie-Française, les contes pour enfants mais aussi la traduction de Proust en allemand, la peinture de Klee, qui le fera penser jusqu’à sa mort, mais aussi les conférences qu’il donnait à la radio qui venait de s’inventer, le théâtre de Meyerhold, mais aussi celui d’Asja Lacis avec les enfants des rues, les photographies d’Atget mais aussi les romans policiers, le théâtre baroque du XVIIème mais aussi Charlie Chaplin, le dadaïsme mais aussi le chemin de fer, le surréalisme d’Aragon mais aussi les sauts de Mickey Mouse.
Faisant fi des catégories et des disciplines, Benjamin sera toute sa vie un spectateur curieux de tout : un critique de théâtre assidu, assistant en direct à la naissance du théâtre de Brecht, tout en ne cessant de penser ce que fait la photographie au monde moderne, d’interroger le cinéma naissant et de se prêter à des expériences théorico-pratiques dans le medium de la radio. L’intuition directrice de sa pensée est que toute forme d’art est un dispositif qui se débat avec la reproduction : la trace ou l’aura. Ou l’aura de la trace, et la trace de l’aura.
Bruno Tackels,
Tinjaca, Colombie, septembre 2022
Bruno Tackels. Walter Benjamin à l’ère du monde digital, paru en octobre 2022 chez Kimé, collection « Philosophie en cours ».
Bruno Tackels. Les mille plateaux de Walter Benjamin, à paraître aux Solitaire intempestifs, été 2023.
Bruno Tackels est essayiste et dramaturge. Agrégé et docteur en philosophie, il a enseigné l’esthétique et l’histoire du théâtre contemporain à l’université Rennes 2, à l’École régionale d’acteurs de Cannes, ainsi qu’à l’École des arts décoratifs de Strasbourg.
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Art et Eau
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Art et Eau
MEETING POINT #28
Louis Couturier & Jacky Georges Lafargue
proposé par l'atelier d'Espace urbain.
La conférence présentera La vie de l’eau à Bruxelles exposé actuellement à l’Espace Urbain ainsi que des projets couvrant la période de 2014 à 2022. Touchants eux aussi au thème de l’eau, dont plusieurs sont conçus pour l’espace publique.
Louis Couturier et Jacky Georges Lafargue travaillent ensemble depuis 1991. À ce jour, ils comptent plus de quarante expositions solos réparties entre le Canada, les États-Unis et l’Europe.
Formé à l’UQAM et à l’École Nationale des Beaux-Arts de Lyon, ce duo franco-canadien aux personnalités distinctes réalisent des projets qui engagent des communautés et /ou explorent des lieux hors normes. Leur pratique consiste à regarder le monde, le vivre et s’y frotter pour en capter et restituer des parties de son essence et de sa complexité.
La nature des réalités abordées par le duo est variée. Cela va du Nunavut à l’île de la Réunion, en passant par la mine d’amiante d’Asbestos, la Baie James, Saint-Pierre-et-Miquelon ou encore plus récemment la frontière Manitoba/ Etats-Unis, les paysages australiens et les communautés mohawks de Kahnawake, Akwesasne, et Six Nations.
Leur travail a été vu dans des institutions telles le Musée d’art contemporain de Montréal, la galerie de l’UQAM, le Musée des beaux-arts de Montréal, le Musée national des beaux-arts du Québec, le Musée de Picardie (France) et le Centre Culturel Canadien à Paris.
Photo Bouger la mémoire, Louis Couturier & Jacky Georges Lafargue, 2019
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Sara De Bondt
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Sara De Bondt
MEETING POINT #26
Off the Grid, Histories of Belgian graphic design
La graphiste Sara de Bondt dans le cadre du module interdisiciplinaire ‘rencontres d’archives’ présentera sa recherche sur l’histoire du design graphique en Belgique, tout particulièrement des années 60 et 70, et son importance dans un contexte international.
Le livre Off the Grid, publié en 2022 par Occasional Papers, édité par Sara de Bondt, offre un panorama collaboratif de l’histoire du design graphique belge à partir d’une multiplicité de perspectives. Il regroupe des essais sur le dessin de caractères, la colonisation, et les rapports professionnels, entre d’autres sujets. Les contributions sont écrites par des historien.ne.s, des designers, des enseignant.e.s et également des témoignages de première main. Le livre est accompagné de nombreuses illustrations non-publiées: posters, signalisations, typographie, livres, logos, et images d’archives.
Sara De Bondt a commissionnée l’exposition Off the Grid, Le graphisme belge des années 1960 et 1970 au Design Museum Gent en 2019, présentant une large sélection d’imprimés, logos, livres, affiches, dont la plupart n’avaient jamais été exposé auparavant, par des designers tel que Paul Ibou, Corneille Hannoset, Boudewijn Delaere, Sofie Alouf, Rob Buytaert, Herman Lampaert, et Jeanine Behaeghel. Sara De Bondt répond à partir de sa propre pratique et étudie comment nous pouvons mieux comprendre les aspects contemporains du design graphique dans une perspective historique.
Sara De Bondt est une designer graphique qui publie, recherche et enseigne. Son travail est typographique et motivé par le contenu. Elle travaille souvent avec des artistes, récemment avec Benedict Drew, Rosalind Nashashibi, et Jessica Stockholder.
Depuis 2008, Sara De Bondt a co-fondé la maison d’édition à but non-lucratif d’art et de design Occasional Papers. Elle a été commissaire de plusieurs expositions, la plus récente étant Off the Grid au Design Museum Gent en 2019.
Depuis 2017, elle est membre de l’Alliance Graphique Internationale. Elle intervient également à des conférences sur le design à travers le monde. Sara De Bondt a enseigné dans de nombreuses écoles d’art, notamment au Central Saint Martins et au Royal College of Art London, et est actuellement conférencière au KASK School of Arts à Gand, où elle termine ses études de doctorat.
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CARE et photographie
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CARE et photographie
MEETING POINT #25
L’atelier de photographie présente une soirée autour des notions de
CARE et photographie
18H - Nicolas Andry
Pour des raisons écologiques mais aussi pour s’autonomiser dans la fabrication et l’usage des produits, le photographe Nicolas Andry s’est lancé dans des recherches sur les produits alternatifs naturels de développement de films et d’images argentiques. Il viendra partager avec nous ses résultats, la philosophie de son projet et son processus de travail.
19H MOSS collectif Que peut une image ? Esthétique de la réparation
Les images peuvent être porteuses de différentes formes de violences réelles ou symboliques, mais elles sont aussi des interfaces de réparation individuelle ou collective. Que ce soit à travers un processus de transmission mémorielle, pour réparer l’invisibilisation d’une culture, ou au contraire une tentative d’oubli individuel ou collectif, la dimension curative inhérente à certains gestes plastiques dans les pratiques artistiques peuvent agir comme outils de résistance.
Moss collectif est un collectif curatorial transfrontalier basé à Gand (B), lauréat de la bourse de recherche de l’Institut pour la Photographie (Lille), fondé par Anna Stoppa, Lotte Egtberts, Elisa Maupas et Lucie Ménard.
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How to create a studio culture?
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How to create a studio culture?
Thierry Brunfaut is a graphic designer, therefore learned graphic design. Also, Thierry is
an entrepreneur. However, he did not know anything about people management or
human resources. So, with his partners, Thierry made ALL the possible mistakes you
can make while running a creative business. Until the day they decided to redesign
Base, their own company. Thierry will share this journey with the Base teams, how they
changed and implemented new processes and rituals while maintaining personal
inspiration and accelerated creativity in their four studios in Brussels, New York,
Geneva, and Melbourne. Moreover, he will also give you one or two simple but effective
bits of advice …
Thierry Brunfaut is a creative director and one of the founding partners of Base Design,
the international network of branding studios based in Brussels, New York, Geneva,
and Melbourne. He is the author of the renowned 5–Minute poster series, a professor,
and a regular speaker at design and branding conferences around the world. Thierry
bears a striking and seemingly contradictory resemblance both to Moby and Kermit the
frog.
Base Design is an international network of studios that creates brands with cultural
impact. Located in Brussels, New York, Geneva, and Melbourne, our team of creatives,
strategists, and digital experts design and develop simple yet powerful brands, and
build unique personalities.
Base knows that branding is first and foremost about people, so specializes in helping
companies – whether new or established; large or small – to become human-centric
brands with vision, clarity, and empathy.
Founded in the early ‘90s, the company has evolved continuously over the years and is
now steered by partners across all four studios. Clients include Apple, The New York
Times, The Institut Français de la Mode, la Fondation Cartier, Studio Brussel, MoMA,
Bob Dylan Center, Dior Galerie, La Monnaie Opera, IFAW, The Prince Estate, Orior,
Bozar, NY Mets, Caran d’Ache, Caudalie, the JFK Terminal 4, and many more.
Instagram & Twitter
@thierrybrunfaut
@base_design
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Brenda Bikoko
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Brenda Bikoko
MEETING POINT #24
Performance art at the intersections with identity
After precising concepts of performance art, intersectionality, and identity, Brenda Bikoko will look at four different “cases” where these concepts are at work: the works of Adrian Piper; “Arctic Hysteria” by Pia Arke; performances about violence on women in Latin America; and finally Black Performance in Contemporary Art.
Brenda Bikoko is a PhD student at the VUB. She investigates the re-appropriation of the colonial photographic archive in contemporary art with an intersectional approach. The artists she focuses on are women who are connected to Europe in one way or another. She is involved in ‘Troubled Archives’, a collective of artists and researchers who critically engages with – colonial – archiving practises, including in relation to contemporary surveillance techniques such as facial recognition software. For them, it is important to find a place of dignity from which to confront the violence and indifference towards photographs in colonial archives.
In the framework of “Performing Identity. Performance Art Facing Contemporary Societal Challenges”, an Erasmus+ partnership cooperation project supported by the European Union.
Performing Identity is a nomadic programme of learning and practice in Performance Art taking place over two academic years (22-23 and 23-24). 4 Art schools/universities are project partners : ENSAV - La Cambre and ESA Le 75 in Brussels (BE), UAP in Poznan (PL), Burren College of Art in the West of Ireland (IE), and three festivals : Verão Azul in Lagos (PT), New Performance Turku in Turku (FI) and (Pas si) Fragile ! in Brussels (BE).
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WOLLEKE
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WOLLEKE
WOLLEKE
conçu et prototypé en 2021 pour la Ville de Bruxelles, par Magoux Baeyens, Robin Boddez, Leonore Durand, Audrey Fontenoy, Gilles Rémy. Avec la collaboration de B&T Textilia.
Produit cet automne en 600 exemplaires par la Ville de Bruxelles, en partenariat avec l'asbl Les Petits Riens et l'ETA L'Ouvroir.
En 2020-21, les étudiant.es Master 1 en Design textile et Design industriel ont travaillé pour la Cellule Climat de la Ville de Bruxelles, à la conception d'alternatives aux chaufferettes pour les terrasses de l'HORECA. Wolleke est le projet sélectionné par la Ville parmi les six propositions des étudiant.es.
Résolument bruxellois, Wolleke est un objet à usage individuel, qui combine plaid et tote-bag, pour une pause en terrasse lors des trajets en ville.
Photos : Henri Doyen
Accueil et mots de rentrée de Benoît Hennaut, directeur de La Cambre
suivis d'une conférence de Yves Citton & Gregory Chatonsky Configurateur.ices de mondes : arts, techniques, Terres
Yves Citton (1962) est professeur de littérature et médias à l'Université Paris 8 Vincennes-Saint Denis et directeur exécutif de l'École Universitaire de Recheche ArTeC. Il a enseigné pendant 13 ans à l'Université Grenoble Alpes et pendant 12 ans au département de français et d'italien de l'Université de Pittsburgh, PA. Il a obtenu son doctorat à l'Université de Genève, en Suisse, et a été professeur invité à l'Université de New York, à Harvard et à Sciences-Po Paris.
Gregory Chatonsky (1971) est un artiste franco-canadien. Depuis le milieu des années 90, Grégory Chatonsky travaille sur le Web et principalement sur son affectivité le menant à questionner l’identité et les nouvelles narrations qui émergent du réseau.
À partir de 2001, il a commencé une longue série sur la dislocation, l’esthétique les ruines et l’extinction comme phénomène artificiel et naturel.
Au fil des années, il s’est tourné vers la capacité des machines à produire de façon quasi autonome des résultats qui ressemblent à une création humaine.
Ces problématiques sont devenues convergentes grâce à l’”imagination artificielle” qui utilise les données accumulées sur le Web comme matériau d’apprentissage afin de produire une ressemblance. Dans le contexte d’une extinction probable de l’espèce humaine, le réseau apparait comme une tentative désespérée pour créer un monument par anticipation qui continuerait après notre disparition.
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(PAS SI) FRAGILE ! The Next Performance Art Generation
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(PAS SI) FRAGILE ! The Next Performance Art Generation
(Pas si) Fragile !, the next performance art generation, la biennale qui met en lumière de jeunes artistes impliqué·es dans l'art de la performance, est reconduite à l'automne 2022, cette fois dans une forme particulière, en invitant :
Trois artistes majeures à l'international de l'art performance :
Esther Ferrer (ES/FR), Vivian Chinasa Ezhuga (NG/UK) et Kubra Khademi (AF/FR)
Celles-ci présenteront leurs pratiques lors d'une rencontre publique, performeront des pièces personnelles, développeront un mentorat auprès d'une dizaine de jeunes artistes sélectionné·es, et donneront des ateliers.
Depuis plusieurs années, des écoles d’arts visuels en Belgique francophone consacrent une partie de leur cursus à l’art performance, répondant ainsi à la dynamique nouvelle de ces pratiques dans le champ artistique professionnel. On voit ainsi apparaître de nouvelles générations d’artistes investissant les scènes belges et internationales de la performance avec des oeuvres individuelles ou collectives, multipliant les collaborations…
Ils et elles ne font pas de la performance comme le faisaient leurs aîné·es, ils et elles inventent d’autres
formes, qui cherchent de nouveaux espaces de monstration.
Commissariat : Lucille Calmel & Antoine Pickels. (Pas si) Fragile! 2022 est un projet porté par l’ENSAV-La Cambre, en partenariat avec l’erg et en coréalisation avec le Studio Thor. Grâce aux suggestions de Le 75, ARBA/ESA (ISAC), Arts², Beaux-Arts de Liège, Académie Beaux-Arts Tournai. En collaboration avec KANAL-Centre Pompidou et le Centre Wallonie-Bruxelles (Paris). Avec l’aide du FiPA-ESA (Financement de projets artistiques dans les écoles supérieures des arts) du Ministère de l’Enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles, et le soutien de l’Ambassade d’Espagne en Belgique.
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Performing Identity – Performance Art facing contemporary society challenges
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Performing Identity – Performance Art facing contemporary society challenges
Four art schools and three festivals in five countries unite their forces to offer a nomadic teaching of Performance Art, an exploration lead by a pilot group of around twenty learners and teachers. Their journey follows the thread of the question of identity — successively in an intersectional perspective, in its relation to the collective, connected to the natural environment, and when facing censorship. Along the way is created a live archive, which testifies to the experience.
Project supported by the Erasmus+ Partnership for Cooperation programme.
More information about applications and conditions from August 16th. Stay tuned!
À l’occasion de la proclamation des étudiant·es de Master du 29 juin, huit prix ont été remis à 13 étudiant·es pour distinguer l'excellence et la qualité de leur travail de fin d’études.
— Prix des Amis de La Cambre
9 nominé·es dont 3 prix Coup de cœur
Juliette Amigues (Design du livre)
Nina Koopmans (Gravure)
Charlotte Quinonero (Dessin)
Franscesco Battistello (Peinture)
Corention de Bellefroid (Design industriel)
Béatrice Guilleman (Céramique)
Barbara Leclercq (Dessin)
Adèle Goardet (Textes et création littéraire)
Kamand Razavi (Photographie)
— Prix SAFFCA
( Southern African Foundation For Contemporary Art)
Lucine Letassey (Photographie)
— Prix Fondation CAB
Agathe Bertin (Céramique)
— Prix MAD Graduation
Helen Van De Vloet (Design textile)
Maxime Trassebot (Design industriel)
Florent Seligmann (Stylisme et création de mode)
— Prix « Fil fou » Jean-Louis Dupont
Manuel Leromain (Design textile)
— Prix Servix
Camille Poitevin (Photographie)
— Prix du Fonds Roger De Conynck
Anna Touré et Kamand Razavi (Photographie)
— Prix Fondation Boghossian
Barbara Felgenhauer (Photographie)
Lucyle Massu (Communication visuelle et graphique)
Benoît Hennaut, directeur, Kevin Saladé, directeur adjoint, ainsi que toustes les enseignant·es et le personnel administratif et ouvrier de La Cambre, adressent leurs remerciements à tous les partenaires et félicitent toustes les étudiant·es diplômé·es et plus particulièrement les lauréat·es.
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La Cambre — Graduation Show 2022
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La Cambre — Graduation Show 2022
Exposition des projets de fin d'études des étudiant.es de Master 2022 de La Cambre.
Exposition de fin d'année et de fin d'études des étudiant·es de Photographie et de Sculpture.
Une école d’art - et a fortiori un atelier - est un espace protégé d’expérimentation de soi qui offre les opportunités de développement de sa créativité, de ses obsessions et des questions à la fois individuelles et collectives qui animent les étudiant·es.
Bien que les deux cursus de Photographie et Sculpture soient distincts au sein de l’école par leur «appartenance» spécifique à un médium, des connivences propres au champ de l’art contemporain opèrent dans les deux ateliers autour des notions de point de vue et d’image, de spatialisation ou de lecture critique du monde. Ces ateliers souhaitent également renouer avec une pratique de réflexion mutualisée, unis par une même conviction de développer des projets d’expositions dans un contexte professionnel ayant pour ambition l’exigence et le détail.
Le BPS22 offre donc à la fois un terrain de jeu pour ces étudiant.es et une vitrine pour leurs travaux artistiques. L’accueil de ce projet au sein d’un centre d’art à la réputation internationale est à la fois une opportunité formatrice et symbolique. Formatrice car il s’agit d’une rencontre entre des étudiant.es et une équipe, un lieu connu pour ses collaborations avec des artistes confirmés. Symbolique car une exposition hors école est un tremplin pour ces futurs professionnels du milieu de l’art. Animé par les mêmes objectifs, soucieux de rendre le musée accessible à tous les publics, le BPS22 accueille au même titre et avec le même engagement les étudiants en art que les artistes reconnus.
Devenir artiste, c’est plonger dans un nouveau territoire; c’est s’adresser à l’autre et tendre à l’universel à partir de préoccupations personnelles; le BPS22 et les équipes pédagogiques de Photographie et de Sculpture de La Cambre s’unissent pour faire de l’exposition F(r)ictions le porte-voix de ces jeunes générations d’artistes.
Aliki Christoforou Constantara, Barbara Felgenhauer, Maëlle Helias, Romane Iskaria, Mishio Jacques, Maud Langlais, Lucine Letassey, Laure Lhoas, Camille Poitevin, Kamand Razavi, Anna Touré y présentent leurs travaux de fin d’études.
Lucille Briffaud, Théo Desmaizières, François Jacquemin, Asma Laajimi, Madeleine Petit, Camille Peyre, Rishi Singh, Valentine Vadella y présentent leurs travaux de Master 1.
Sculpture (Johan Muyle, Nancy Casielles, Sofia Dati, Virginie Devillers, Geoffroy Devolder, Aurélien Imbert, Philippe Ledocte, Anne-Cécile Maréchal, Maxence Mathieu):
Sophia Dieckschaefer, Lucas Mesdom, Flavia Parone y présentent leurs travaux de fin d’études.
Laurent Deffes, Flavie Houx, Kimia Nasirian, Loona Petrucci, Olivia Perce, Pernilla Roos y présentent leurs travaux de Master 1.
Justine Salamin, Valentine Jolibois, Zélie Boggio-Simon y présentent leurs travaux de Master en 3 ans et d’Erasmus,
Galatée Deschamps, Tom Forrest, Léo Marybrasse y présentent leurs travaux de fin de cycle de Bachelier 3.
Harriet Bénard, Blanca Castro Xiques, Elliott Schott, Tekla Subrizi y présentent leurs travaux de Bachelier 2,
Eve Gonzalez, Khorshyd Khajooyee y présentent leurs travaux de Bachelier 1.
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Paliers Plateaux
Paliers Plateaux
Exposition de fin d'études des étudiant.es de Master de l'atelier de Céramique.
Labo_Demo : Entaille dans la création littéraire contemporaine émergente
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Labo_Demo : Entaille dans la création littéraire contemporaine émergente
12 performances éclectiques portées par les étudiant.es des formations supérieures en écritures de Belgique et de France.
Rassemblées à l’initiative du Centre, les formations supérieures en écritures de Belgique et de France - l’université Paris 8 - l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre et Cergy Paris Université / ENSAPC - s’associent pour cette troisième édition du LABO_DÉMO.
15 auteur.ices issu.es de ces formations ont ainsi été sélectionné.es pour participer au labo :
Solos : Selima Atallah Chettaoui, Mathis Berchery, Camille Bleker, Louise de Bastier, Eli Desnot Marsan, Yasmine El Amri, Robin Faymonville, Adèle Goardet, Bastien Hauser, Esther Teillard, Hélène Yamba Guimbi.
Initiés en 2019, les « LABO_DEMO » du Centre Wallonie-Bruxelles | Paris, sont des dispositifs dédiés à valoriser la création contemporaine émergente – en arts visuels & en littératures contemporaines in & hors les livres. Implémentés avec la complicité d’écoles supérieures d’arts belges et françaises, l’ambition de ces cycles transdisciplinaires et hybrides est de valoriser des signatures artistiques encore non identifiées publiquement et d’attester autant de l’excellence de ces formations que de leur intrication, à l’heure où les parcours artistiques s’internationalisent et se déterritorialisent.
Quadriennale de Prague 2023 — RAFT, Emergency Theatre
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Quadriennale de Prague 2023 — RAFT, Emergency Theatre
Les étudiant.es de B2 de l'atelier de Scénographie sont lauréat.es d'un concours inter-écoles pour la conception et la réalisation du pavillon étudiant.es Belge à la Quadriennale de Prague 2023.
The RAFT, Emergency Theatre
Emergency Theatre : Un théâtre temporaire construit en réponse à une crise. Concept lié à «l'abri d'urgence» (architecture) et aux «mouvements d'occupations» (socio-politique). Le Emergency Theatre est un lieu culturel qui accueille spectacles, débats et créations in situ ; quand le théâtre traditionnel ne le peut pas, parce qu'il est fermé, détruit ou contrôlé. La crise peut être climatique, économique, politique, sociale, ou comme dernièrement, sanitaire.
Le Raft est un théâtre d'urgence qui se veut une micro-nation sur un bateau, un théâtre pirate sur une plateforme, une cabane métallique dans les arbres. Nous sommes tou.tes ensemble sur ce radeau pour réfléchir, parler, écouter, s'amuser, voir le monde qui nous entoure et imaginer le monde de demain et les solutions d'aujourd'hui. Spectacles live, conférences, jeux de société… ou tout simplement un espace public pour chiller avec vue ! Le RAFT est le lieu de chacun, comme un espace de vie, pour revendiquer et passer à l'action.
Projet collectif conçu et porté par les étudiant.es suivant.es :
Lucie Chauvin-Philippson
Mathis Parmentier
Félicie Decleire
Gaïa Adri
Rafaelle Roux
Projet encadré par Arié van Egmond.
Le concours a été organisé par :
l'ATPS (association des techniciens professionnels du spectacle) et la STA ( scenografie, theatre, architectuur, archieven en onderzoek).
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Exposition des Prix des Amis de La Cambre 2021
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Exposition des Prix des Amis de La Cambre 2021
Un parcours inédit au cœur de l'Hôtel De Bodt
Les Prix des Amis de La Cambre sont remis chaque année à trois étudiant·e·s diplômé·e·s de Master, parmi neuf lauréat·e·s sélectionné·e·s par un jury indépendant composé au sein et autour de l’association des Amis.
Artistes exposé.es :
Harold Lechien (Gravure et image imprimée)
Lili Schreiber (Stylisme et création de mode)
Lionel Dury (Dessin)
Léna Babinet (Céramique)
Xavier Duffaut (Gravure et image imprimée)
Milena Forest (Scénographie)
Paul Gérard (Espace urbain)
Charlotte Hermand (Scénographie)
Mehdi Gorbuz (Sculpture)
Devenue annuelle depuis 2019, après une longue tradition triennale, l’exposition des Prix des Amis est l’occasion pour l’école d’inviter ces neuf jeunes Alumni à déployer leur travail dans un accrochage qui leur permet déjà un saut professionnel au regard du diplôme défendu huit à neuf mois plus tôt.
Souvent connectée à nos Portes ouvertes, l’exposition est également l’occasion d’inviter un public nombreux à découvrir nos espaces en même temps que l’identité singulière de chacun·e de ces artistes et designers récemment diplômé·e·s.
Pour cette édition 2022, le projet part à la rencontre d’un immeuble emblématique, intimement lié à l’histoire de l’école, et avec lequel une page est en passe de se tourner à la faveur de notre immense projet d’un campus rassemblé à l’Abbaye de La Cambre. L’hôtel De Bodt, magnifique habitation moderniste due à Henry van de Velde, est intégré au patrimoine de l’école et en accueille les activités depuis 1967. Espaces de cours, d’atelier, mais aussi d’innombrables projets d’accrochages, de jurys, d’expositions publiques. L’exposition SWEET HOME rendra aussi hommage à ces murs dans lesquels tant d’autres l’ont précédée. Elle permettra un parcours inédit au sein d’un bâtiment dont l’histoire, les qualités architecturales et les espaces seront également rendus perceptibles au cours de la visite.
L'atelier de Design textile a participé à l'initiative interdisciplinaire de PEROU https://www.perou-paris.org/pdf/Actions/02_NAVIREAVENIR_projet.pdf
lors d'un workshop dans les locaux de STAM Europe à Bruxelles, du 24 au 28 janvier 2022.
Première restitution des contributions et des études le 9 avril prochain à Coco Velten, Marseille.
D’évidence, le textile est à bord : cordages, voiles, couvertures, ... En de constantes interactions, il relie, protège, porte, guide, tire, (r)assure. Les qualités fonctionnelles et sensibles du matériau souple résonnent avec les enjeux solidaires et collectifs portés par Navire.Avenir.Les étudiant.e.s et enseignant.e.s de l’ENSAV La Cambre en design textile amorcent des structures réversibles et polyvalentes sur le pont place; tendre un câble, orienter, sécuriser, ombrager, étendre le linge.Comment fabriquer un dispositif fonctionnel, qui contribue à l’accueil sur le navire et laisse une large marge d’appropriation ?
Workshop encadré par Pauline Santoni, Helen Vandevloet, Éric Chevalier, Toma Muteba Luntumbue.
Coordination : Anne Masson et Linda Topic.
Après des études de lettres classiques, d’archéologie et d’histoire de l’art à l’Université de Strasbourg, Thérèse Willer dirige depuis 1992 la collection Tomi Ungerer aux Musées de Strasbourg et a ouvert à Strasbourg en 2007 le musée éponyme. Elle a été commissaire de près d’une centaine d’expositions sur le sujet dans le monde, contribué à des catalogues et dirigé ceux des collections permanentes et des expositions temporaires du Musée Tomi Ungerer. En 2008, elle a soutenu une thèse de doctorat en histoire de l’art à l’Université de Strasbourg, « L’œuvre graphique de Tomi Ungerer », qui a obtenu en 2009 le prix Martin Bucer décerné par la Fondation Saint-Thomas à Strasbourg et qui a été publiée aux éditions du Rocher en 2011 sous le titre « Tomi Ungerer. Graphic Art ». Elle s’intéresse de manière plus large au thème de l’illustration au XXe siècle (Saul Steinberg, Roland Topor). Elle s’attache au Musée Tomi Ungerer/Centre international de l’Illustration à ouvrir les collections à un large public, plus particulièrement grâce à la médiation avec des outils tangibles, en collaboration avec l’Atelier de didactique visuelle de la HEAR.
HYBRIDER LE SENSIBLE ET LES SAVOIRS
Les chercheurs à l’œuvre à La Cambre
Cette journée d’études a pour objectif de présenter le travail de recherche en cours au sein de l'école (sur l’art, en art, par l’art). Elle se conçoit aussi comme une plate-forme d’échanges favorisant la rencontre et le dialogue en donnant la parole à différents chercheurs·euses parfois dispersé·e·s dans l’école : étudiant·e·s, enseignant·e·s, doctorant·e·s, etc.
La forme de la journée trouble intentionnellement le modèle académique en s’ouvrant à plusieurs dispositifs : présentation, retour d’expérience, table-ronde, débat, projection, exposition, performance, etc. Dans le même esprit, le contenu des échanges ne se limite pas à la présentation objective des intentions ou des conclusions d’une recherche, mais concerne tout autant la réflexion subjective sur les défis de la recherche, les situations vécues tant sur le plan intellectuel que matériel, les conditions pragmatiques de présentation des résultats d’une recherche, les rapports de force avec le modèle universitaire, etc.
Après une introduction par le directeur de l’école et le coordinateur de la recherche, la matinée est consacrée aux Mémoires de fin d’études de la Finalité approfondie et aux Doctorats en Art et sciences de l’art, tant du point de vue des mémorant·e·s et des doctorant·e·s que des encadrant·e·s de la recherche.
Après une présentation de l’asbl a/r art recherche, et du FRArt/Fonds de recherche en art par le directeur de l’école et une représentante d’a/r, l’après-midi est consacrée à l’après mémoire et doctorat, ainsi qu’aux autres formats de recherche développés au sein ou à partir de l’école.
Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France) vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.
Annette Krauss est artiste et conférencière. Explorant la possibilité de pratiques participatives, son travail souvent basé sur la recherche aborde l'intersection entre l'art, la politique et la vie quotidienne. Son travail s'articule autour des connaissances informelles et des processus de normalisation qui façonnent notre corps, la façon dont nous utilisons les objets, nous engageons dans des pratiques sociales et comment ceux-ci influencent la façon dont nous connaissons et agissons dans le monde. Son travail artistique émerge à travers l'intersection de différents médias, tels que la performance, la vidéo, la recherche historique et quotidienne, la pédagogie et les textes.
Elle est actuellement doctorante à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne et enseigne à l'Université des Arts HKU d'Utrecht depuis 2010.
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
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Rencontre avec Kasia Redzisz, première directrice artistique de KANAL—Centre Pompidou
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Rencontre avec Kasia Redzisz, première directrice artistique de KANAL—Centre Pompidou
Meeting Point #22
Conférence à l'initiative de l'atelier de Photographie
Rencontre avec Kasia Redzisz, première directrice artistique de KANAL — Centre Pompidou.
Une belle occasion pour lui poser toutes vos questions!
La Fondation KANAL et le Centre Pompidou accueillent Kasia Redzisz en tant que première directrice artistique de KANAL-Centre Pompidou, musée interdisciplinaire d’art moderne et contemporain situé à Bruxelles, dont l’ouverture est prévue pour 2024. Kasia Redzisz y a pris ses fonctions à la fin de l’année 2021 après avoir été sélectionnée par un jury international plus tôt dans l’année.
Kasia Redzisz rejoint KANAL-Centre Pompidou après six années à la Tate Liverpool, où elle occupait le poste de Senior Curator depuis 2015. Elle y était responsable du programme d’expositions et de présentation des collections du musée ainsi que des collaborations internationales. Kasia Redzisz y a organisé plusieurs expositions saluées par la critique, notamment celles de Lucy McKenzie, de Theaster Gates, de Maria Lassnig, ou encore d’Edward Krasinski. Par ailleurs, de nouvelles commandes auprès d’artistes tels que Judy Chicago, Ugo Rondinone ou Sol Calero ont également été réalisées sous sa direction.
De 2010 à 2015, Kasia Redzisz à occupé le poste de commissaire d’exposition à la Tate Modern où elle a, entre autres, curaté les exposiions de Sigmar Polke, Alighiero Boetti et Mira Schendel. Entre 2008 et 2015, elle fonde et dirige Open Art Projects, une association Polonaise à but non lucratif dédiée aux commandes d’art innovantes. Entre 2011 et 2018, elle dirige avec l’artiste Miroslaw Balka le projet Otwock, explorant la relation entre art et localité. Plus récemment, son travail indépendant comprend de nombreux projets interdisciplinaires, tels que, l’exposition inaugurale du Muzeum Susch en Suisse (2019) ou encore la 4e édition de la Biennale Art Encounters à Timisoara (2021). Kasia Redzisz à également contribué à l’édition de plusieurs catalogues d’exposition et d’écrits dans des revues telles que Frieze, Mousse et Tate Etc.
Yves Goldstein, directeur de la Fondation KANAL, s’est exprimé au sujet de sa nomination : « Kasia Redzisz apporte une vision artistique avant-gardiste, qui reflète son engagement en faveur d’une programmation interdisciplinaire et de l’établissement de dialogues entre des pratiques artistiques issues de géographies diverses. Cette vision est soutenue par l’expérience unique qu’elle a acquise en travaillant intensément, non seulement dans des musées mais aussi dans des formats expérimentaux hors du contexte institutionnel. Ses compétences largement reconnues en matière de conservation et de leadership seront déterminantes pour l’élaboration d’un modèle institutionnel pour un nouveau musée, tant audacieux sur le plan artistique, que profondément conscient de son rôle civique. »
Laurent Le Bon, Président du Centre Pompidou, déclare : « Je suis ravi de voir Kasia Redzisz prendre la direction de KANAL-Centre Pompidou. Sa réputation est celle d’une conservatrice innovante, mais aussi rigoureuse. Son expérience institutionnelle et sa connaissance approfondie des collections des musées en font la partenaire idéale pour dialoguer avec le Centre Pompidou. Je me réjouis de notre collaboration lors de ce nouveau chapitre du partenariat entre la Fondation KANAL et le Centre Pompidou. »
Kasia Redzisz, directrice artistique, s’exprime à son tour : « Je suis ravie de rejoindre KANAL-Centre Pompidou à ce moment charnière de la mise en place de cette nouvelle institution. Bruxelles est le foyer de citoyens multiculturels, d’un nombre croissant d’artistes aux divers horizons et d’autant d’organisations culturelles. Ils seront indispensables pour l’avenir de KANAL, un musée qui sera équipé pour représenter et accueillir ces communautés tout en répondant à un monde en constante évolution - pertinent pour les débats mondiaux, mais engagé dans sa localité. La vision que je développe pour KANAL est celle d’un musée dynamique, réactif et interdisciplinaire - un espace d’expérimentation qui brise les paradigmes, qui nous rassemble pour célébrer l’art et continuer à repenser son rôle crucial dans nos vies. La création d’une nouvelle institution offre un potentiel gigantesque. Je suis ravie de me voir confier la responsabilité d’envisager son avenir et je suis impatiente de travailler avec mes collègues de KANAL, les artistes, les travailleurs culturels, les communautés, les chercheurs ainsi que les partenaires locaux et internationaux à la réalisation de ce projet. »
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
En 2022, la seconde édition de CHAIRE À VIF recevra Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France). Elle vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.
Exposition des étudiant.ex de Master de l’ENSAV La Cambre avec le soutien du HISK et Kanal - Centre Pompidou
Artistes participant·e·s: Francesco Agnelli, Francesco Battistello, Mathieu Cappiau, Robinson Catelin, Anatole De Benedictis, Thomas Gibout, Romane Iskaria, Hannah Kircher, Maud Langlais, Laure Lhoas, Octave Ly, Ara Méndez Murillo, Eunji Oh, Camille Poitevin, Kamand Razavi, Alba Suau.
Commissariat : Marion Adrian & Pieter Vermeulen
Coordination du projet : Hervé Charles, Jean Pierre Müller, Pauline Emond et Valentine Himpens-David
Seize jeunes artistes aux préoccupations singulières ont mis en regard leurs travaux récents et se sont interrogé·ex sur les liens que cette proximité pouvait faire émerger.
Tell Me Louder (Dis-moi plus fort/Dis-le moi plus fort) témoigne de l’énergie que génère l’exposition en tant qu’expérience collective, mais aussi de la difficulté qu’il peut y avoir à formuler ses désirs, ses intuitions au sein d’un groupe. Ce projet est né d’une volonté commune de développer une relation plus apaisée aux œuvres, aux autres et à l’espace. Quelles sont les conditions nécessaires pour que les propositions de chacun·e puissent coexister dans un même environnement ? Entre pulsions, modulations, tâtonnements, Tell me louder attire l’attention sur ces détails, communicables ou incommunicables, qui composent un imaginaire partagé.
Ainsi, conçues spécialement par les artistes pour l’espace du HISK, certaines pièces sonores « murmurées », à peine audibles, accompagnent la visite. Glissant imperceptiblement du registre du bruit à celui du langage, ces voix incitent à différents modes d'écoute et élargissent le champ sensoriel des œuvres. Conversations en direct ou en différé, monologues intérieurs, traces sonores de manipulations; sont autant de tentatives de s’adresser intimement aux visiteur·euse·s par le biais de canaux de communication alternatifs.
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Laure Prouvost — Chaire à vif
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Laure Prouvost — Chaire à vif
Projection et rencontre
LAURE PROUVOST
en discussion avec FLAVIEN BERGER
Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France) vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.
Flavien Berger (1986, Paris, France) est musicien, auteur, compositeur et interprète.
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
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Métamorphose(s)
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Métamorphose(s)
Cette exposition des étudiant.ex de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre se propose d’explorer le thème de la métamorphose de façon multidisciplinaire.
La variété formelle des œuvres qui seront présentées (peinture, gravure, sérigraphie, photographie, céramique, couture, installation visuelle et sonore…) tentera de faire écho à la thématique, interprétée librement par chacun.ex des étudiant.ex, issus de toutes options et de toutes années d’enseignement.
L’évolution du vivant, la mutation des formes de la représentation, la difficulté pour un individu de se livrer sur ses vécus les plus intimes, ou encore la quête de soi sont quelques-unes des pistes empruntées par les œuvres que vous pourrez découvrir.
L’exposition prend place dans les anciens locaux de l’Institut National Géographique, aujourd’hui propriété de la Cambre, un bâtiment lui-même en pleine métamorphose pour devenir un lieu de création et d’expérimentations.
Exposition organisée par les étudiant.ex de La Cambre.
Exposant.ex :
Simon Aubry Picaudot , Francesco Battistello, Kloé Baumgertener, Nathan Bédon-Rouanet, Marthe Boissonnade, Paola Boscato, Garance Bossion, Lucille Briffaud, Lea Buffard, Sophie Burtscher, Camille Cireddu, Marilou Dard, Nele De Paepe, Fantin Delattre, Galatée Deschamps, Camille Devulpillieres, Tom Forrest, Eve Garanger, Léo Gasiglia, Etienne Grignon, Marius Hebert, Maëlle Helias, Victoire Honoré, Léon Huneau, Valentine Jolibois, Mehdi Khya, Zoé Lambert-Bernal, Cindy Lau, Michael Lecomte, Clara Lehon, Louise Lemmens, Mara Losange, Hadrien Loumaye, Maëlle Lucas-Le Garrec, Lucien Lyon, Thaïs Marquet-Ellis, Anatole Mélot, Louise Metzger, Dan Meyer, So Jung Moon, Louise Morfouace, Muth, Camille Peyre, Nathan Pierard, Mahaut Rey, Caroline Rohn, Bérénice Rohrer-Missiaen, Pernilla Roos, Jeanne Ruelle, Abel Saglio, Jorge Sáiz Zunda, Hovic der Sarkissian, Kenza Saleh-Veschetti, Manon Souza, Mirabelle Tjeega, Hannah Todt, Michelle Tulpinck, Flore Van Eycken, Diane Waddington, Léna/o Zipper
Quoi ?
18 vidéos d’artistes sélectionné.e.s par 6 écoles d’art bruxelloises. Chaque école supérieure d’art partenaire a sélectionné trois films d’artistes récemment diplomé.e.s.
Quand ?
du 21 au 27 février 2022, de 18h à 17h le lendemain
Votez pour votre film favori et participez ainsi au prix du public !
Partenaires
• Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (ARBA-ESA)
• École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre (La Cambre)
• École de recherche graphique (ERG)
• Institut national supérieur des arts du spectacle (INSAS)
• LUCA School of Arts
• Royal Institute for Theatre, Cinema and Sound (RITCS)
Les prix
• Prix du Public : Chaque jour, le public pourra exprimer son vote en ligne
• Prix CENTRALE : Un prix CENTRALE sélectionné par un jury composé des membres de l’équipe
Les 2 lauréat.e.s se verront octroyer un prix de 250€ chacun.e. ainsi qu’une projection publique à la CENTRALE le 13 mars 2022 à 16h (TBC).
Tou.te.s les artistes se voient verser des droits d’auteur
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Brigitte Thelen (1957 - 2022)
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Brigitte Thelen (1957 - 2022)
La communauté de La Cambre vient d’apprendre le décès de Brigitte Thelen (1957 - 2022), peintre et sérigraphe.
Diplômée en vitrail et transparences en 1984, elle avait été assistante de Jean-Pierre Point une vingtaine d’années en Sérigraphie à partir de 1985, puis a dirigé ce même atelier avant sa fusion avec la Gravure et image imprimée, jusqu’en 2013.
Nous présentons nos sincères condoléances à ses proches et aux personnes qui l’ont connue et appréciée.
Une cérémonie civile se tiendra mardi 15 février à 10h30 au Crématorium Intercommunal de Bruxelles situé avenue du Silence, 61 à 1180 Uccle
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Prix Médiatine
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Prix Médiatine
La Cambre est particulièrement bien représentée cette année au Prix Médiatine par le biais de 3 jeunes artistes de l'atelier de Photographie.
Le Prix principal est octroyé à Anna Safiatou Touré, encore étudiante en Master 2 et le Prix Macors à Benoît Jacquemin (Alumni 2019). Le travail de Kamand Razavi (Master 2) a également été remarqué et est sélectionné pour l'exposition.
Prix Médiatine: Anna Safiatou Touré, Vidéo / Photographie
Sélectionnée pour l'exposition: Kamand Razavi, Photographie / Vidéo
Le Prix Médiatine est un concours pour jeunes artistes plasticien·nes belges ou résidant en Belgique, toutes disciplines confondues. À l’issue
de la sélection du jury orchestré par le Centre culturel Wolubilis, une dizaine d’artistes sont retenus parmi lesquels 7 d’entre eux sont
primés. Véritable laboratoire de recherches plastiques, le Prix Médiatine se veut un tremplin par le biais notamment d’une exposition à
La Médiatine et de la publication d’un catalogue. Peintures, dessins, photographies, installations, art vidéo, sculptures, performances,
gravures,… l’occasion de découvrir ce qui se fait aujourd’hui sur la scène artistique belge émergente.
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Portion déterminée de l'espace
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Portion déterminée de l'espace
Les artistes Justyna Wierzkowiecka, Tanguy Poujol, Alice Pallot, Benoît Jacquemin, et Romy Berger exposent leurs oeuvres du 14/01/22 au 12/02/22 à la Galerie Immix, 116 Quai de Jemappes, 75010 PARIS.
Constituée d'ancien.nes et d'actuel.les étudiant.es de La Cambre, l'exposition "Portion déterminée de l'espace" dévoile des oeuvres résonnant avec l'histoire personnelle de chacun.e des artistes. Au-delà de leur âge, de leur profil socio-économique ou de l’actualité, la notion de lieu
traverse leurs recherches: la Poméranie, le lieu de l’enfance et des origines pour Justyna Wierzkowiecka qui la regarde avec la sagacité des
yeux de l’exil; le lieu de l’histoire familiale africaine et du secret de famille pour Benoît Jacquemin qui s’inspire d’images de propagande coloniale; l’ancrage au lieu même de l’exposition pour Tanguy Poujol qui y crée un labyrinthe émotionnel; son propre corps comme lieu d’expérimentations médicales récurrentes pour Romy Berger; le lieu de résilience du confinement -malgré sa pollution avérée- pour Alice Pallot.
Le lieu apparait à la fois comme espace mental de recherche pour l’artiste, l’espace capté par l’appareil et l’espace d’expression et d’exposition du travail, induisant une complémentarité indissociable entre l’action du photographe et l’objet qui en résulte. Nous sommes heureux de pouvoir partager ces oeuvres en ce lieu-ci, à Paris, à la Galerie IMMIX.
Commissariat : Hervé Charles
Avec le soutien de la Galerie IMMIX, Les Amis de La Cambre, le Centre Wallonie-Bruxelles et OPENART.TODAY.
Collaboration entre l'AVPTTA, Association pour la valorisation et la promotion du tissage traditionnel d'Abomey, les ateliers de Design textile, Design industriel et Architecture d'intérieur de La Cambre et l'EPA, École du Patrimoine africain, Porto-Novo.
Un vieillard qui meurt en Afrique, c'est une bibliothèque qui brûle.
Territoires tissés est un laboratoire collaboratif et transdisciplinaire, investissant les valeurs culturelles, techniques, patrimoniales et créatives véhiculées par la production du textile. En interrogeant l'écosystème des ateliers de tissage du Palais du Roi Agonglo à Abomey, le projet envisage la création et l’artisanat comme un levier de rencontres, d’apprentissages et d’émancipation pour tous les participants.
Financé par Wallonie Bruxelles International, avec le soutien de l’Académie de recherche et d’enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles.
The Bye Bye Binary (BBB) collective, formed in November 2018 during a joint workshop of the typography workshops of the École de Recherche Graphique (erg) and La Cambre (Brussels), proposes to explore new graphic and typographic forms adapted to the French language, taking language and inclusive writing as a starting point, a field of experimentation and a research subject. The Théâtre National Wallonie-Bruxelles has recently been given new management and, to accompany this new way of looking at the world, is initiating an in-depth study of its identity. Because a start has to be made somewhere, a first meeting has been arranged to address the issue of inclusive writing. How can we, as a cultural institution, position ourselves on its use? In order to reflect on this issue in depth, the Théâtre National is organising a day of reflection and meetings between its teams and external guests to shed light on this question.
The Théâtre National Wallonie-Bruxelles has recently been given a new direction, a new project, and, to accompany this new outlook on the world, is initiating an in-depth study of its identity. In order to live up to its missions, it is important that this change is not just cosmetic, but that it involves changes in perspective. Ecology, sustainability, gender equality, new modes of governance and management... these are all subjects that are already fully present at the heart of the institution and its functioning, as well as in the programming axes, but which it seems relevant today to question further.
Because we have to start somewhere, a first meeting is scheduled to address the issue of inclusive writing. How can we, as a cultural institution, position ourselves on its use? In order to reflect on this issue in depth, the National Theatre is organising a day of reflection and meetings between its teams and external guests to shed light on this question.
The linguist Laurence Rosier (ULB, Brussels), member of the Council for the French language and linguistic policy in Belgium
Læ linguist Alpheratz (Sorbonne University, Paris) author of a gender-neutral grammar
Enzo Le Garrec, member of the Club Mæd, author of the Guide Pratique du Langage Inclusif en École d'Art
Eugénie Bidaut (Atelier National de Recherche Typographique, Nancy) and Laure Giletti (Atelier de Typographie, La Cambre, Brussels), members of the Bye Bye Binary actix collective on the development of inclusive, non-binary, genderfucker typefaces
Joëlle Sambi (author, artist associated with the National Theatre) is associated with this day in view of a second study day to come, which will extend the reflection on systems of domination in language and writing.
Camille Circlude (erg, Brussels), member of the Bye Bye Binary collective, and Benoît Henken of the National Theatre are coordinating this day of reflection.
How can we position ourselves politically in favour of research into inclusive, non-binary, post-binary and genderfucker writing?
How can we bet on research and experimentation, work with partial forms, under construction, evolving, opening up the collective imagination?
How can the singular voice of each artist and the institution's overall artistic project be conveyed at the same time?
How can we put in place the necessary means to support the institution's staff in discovering, learning and practicing inclusive writing and typographic creations?
How can the widest possible public be integrated into this proactive approach?
How can we commit to free licensing protocols that authorise and promote the use, modification and sharing of typographic creations?
How can we define ourselves in the non-definition?
The day before, on the occasion of the publication of an article by Bye Bye Binary in the magazine Raddar, the collective will come to present their work, on Thursday 25 November from 6pm to 9pm, at the bookshop Peinture fraîche as well as their selection of books with commentary.
Bye Bye Binary (BBB) is a Franco-Belgian collective, a pedagogical experiment, a community, a variable typo-graphic creation workshop, a network, an alliance. The collective, formed in November 2018 during a joint workshop of the typography workshops of the École de Recherche Graphique (erg) and La Cambre (Brussels), proposes to explore new graphic and typographic forms adapted to the French language, in particular the creation of glyphs (letters, ligatures, median points, linking or symbiotic elements) taking as a starting point, a field of experimentation and a subject of research the language and inclusive writing.
Mario Ramos est né à Bruxelles en 1958, d'une mère belge et d'un père portugais. Sa petite enfance est rythmée par des séjours chez sa grand-mère maternelle, à l'orée d'un bois, et des grandes vacances au Portugal.
"Les premières histoires en images qui m’ont émerveillé sont les films de Charlot et les albums de Tintin. Très tôt, je suis fasciné par tout ce qu’on peut transmettre par un petit dessin. Études supérieures de communication graphique. Je découvre les fabuleux dessins de Tomi Ungerer et de Saul Steinberg. On s’inscrit toujours dans une continuité, c’est bon de remonter aux sources. Je commence par réaliser de nombreuses affiches, des dessins de presse, et finalement des livres pour enfants qui deviennent mon activité principale. Avec un crayon et du papier, tout est possible. C’est magique!"
Auteur engagé auprès des enfants et des professionnels, Mario Ramos a publié ses 33 albums chez Pastel. Ses loups, cochons, singes et autres personnages font rire et réfléchir les grands et les petits dans le monde entier.
Mario Ramos nous a quittés le 16 décembre 2012.
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ECART — Resonating Ceramics
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ECART — Resonating Ceramics
Sous le nom d’ECART (European Ceramic Art & Research Team) sont réunies quatre écoles supérieures d’art et de design européennes très réputées, aux spécificités marquées et complémentaires, toutes quatre engagées de manière particulière dans le développement de la céramique contemporaine. Ces quatre écoles ont eu depuis dix ans plusieurs occasions de collaborer dans le domaine, sous l'angle d'échanges pédagogiques ou artistiques.
Sous le titre Resonating Ceramics, le réseau lance une nouvelle séquence de projets s’étendant de 2021 à 2023, avec le soutien de la Commission européenne et du fonds Erasmus +, au titre de partenariat stratégique d’innovation dans l’enseignement supérieur. L'équipe de projets a choisi d'explorer la relation entre matériau céramique et expérimentation sonore, tout en liant cette interrogation à une préoccupation basée sur la notion de rituel (au sens social et anthropologique). Matières et son donnent en effet à combiner une variété importante de multiples dans le domaine, ce qui accroit le potentiel expérimental du projet.
Cette séquence démarre cette année à La Cambre, du 25 au 29 octobre. Ci-après une partie du programme ouvert à la Communauté de La Cambre sur inscription obligatoire * :
• Performance — lundi 25 octobre à 18h, auditoire Stynen 50 Hertz
Salomé Guillemin, artiste et designer
50 Hertz est une performance de musique drone jouée avec un ensemble de céramiques et de néons amplifié par des effets.
• Performance et conférence — mardi 26 octobre à 18h, auditoire Stynen Après résonance
Léna Babinet, artiste céramiste et ancienne étudiante diplômée de l’atelier de Céramique de La cambre
Après résonance est une performance qui explore la relation entre l’ancien et le futur, le très archaïque et l’imaginaire numérique.
Des pots de terre dans les murs de pierre : des résonateurs pour l’oreille et pour l’âme
Bénédicte Bertholon et Jean-Christophe Vanière, respectivement, archéologue et archéomètre, enseignant chercheur,
Les résonateurs, appelés pots acoustiques pour le Moyen Âge et l’époque moderne, présentent de nombreux témoignages archéologiques dans les édifices d’Europe et du pourtour méditerranéen. Ces pots de terre insérés dans les murs de pierre suscitent un questionnement interdisciplinaire et complexe visant à définir l’objectif poursuivi par les bâtisseurs pendant de nombreux siècles.
• Performance — mercredi 27 octobre à 18h, auditoire Stynen Quartz
Christian Vialard, musicien compositeur, producteur et plasticien
Quartz fait partie d’une série de mes concerts/performances où j’utilise le son et en particulier ma guitare électrique pour expérimenter les différentes résonances des espaces dans lesquels ces performances ont lieu.
Le jeu avec les objets en céramique et porcelaine sur la guitare révèle par l’amplification une forme d’identité sonore de l’espace de la performance.
• Conférence (en anglais) — jeudi 28 octobre à 18h, auditoire Stynen The Sound of materials
Tim Ingold, anthropologue et professeur d'anthropologie sociale à l'université d'Aberdeen (Écosse)
There can be no sound without movement, without feeling. Yet we are heirs to a way of thinking that puts all the movement, and all the feeling, on the side of our human selves, reducing the remainder of what we call ‘the material world’ to silence. Is this why we have failed so conspicuously to listen to it? In this talk, I shall argue that sound is as intrinsic to the mode of existence of materials – say of wood, or of clay – as it is to our own. But for the argument to stand, we have to reconceptualise both ‘sound’ and ‘material’, in terms of affective resonances rather than physical-mechanical properties. Against those who claim that sound has its own materiality, alongside the materiality of wood, clay, etc., I hold that sound enters into the very constitution of these materials – it makes them what they are. It is not, then, that sound is inherently material; rather, materials are inherently sonorous.
Le projet est porté par :
L'École nationale supérieure des arts visuels, La Cambre, Bruxelles
L'École nationale supérieure d'art, Villa Arson, Nice (FR)
La Haute école d'art et de design (HEAD), Genève (CH)
L'École supérieure d'arts plastiques de la Ville de Monaco, Le Pavillon Bosio, Monaco (MC)
EKWC: Sundaymorning@ekwc, Tilburg (centre d'artistes en résidence et centre d'excellence visant au développement de l'art, du design et de l'architecture à travers la céramique).
*Avec regret et en raison des mesures sanitaires toujours en vigueur, les rencontres, performances et conférences prennent place dans le seul cadre des activités académiques et ne permettent pas d’accueillir un public extérieur. Merci pour votre compréhension.
Meeting Point #21
Conference at the initiative of the department of Visual and Graphic Communication
On the occasion of a 3-day workshop with Bachelor 2 students of the Visual and graphic communication, the South Korean graphic designer Oh Jinkyung will share her career as a graphic designer as well as her teaching experience at Hongik University and PaTi school (Korea South).
Book designer, AGI member
Oh Jinkyung worked as a graphic designer for an advertising agency and a publishing company and taught at Hongik University and PaTi (Paju Typography Institute) for over 10 years.
Currently, she has been art-directing a series of Korean textbooks for foreigners with the National Institute of the Korean Language.
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Exposition Perspectives, Science - Graphic Art Collaborations
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Exposition Perspectives, Science - Graphic Art Collaborations
Cette exposition retrace trois éditions du projet académique Recherche en Perspective pour lequel des étudiants de Master en Communication Visuelle et Graphique (ENSAV La Cambre) et des chercheurs de l’ULB issus de disciplines variées ont collaboré.
Ensemble, ils ont co-créé et produit des supports de communication illustrant de manière attractive et visuelle des contenus scientifiques parfois difficiles à appréhender et communiquer.
Dans leur objectif commun de rendre plus accessibles la connaissance, le savoir-faire et les patrimoines scientifique et culturel bruxellois, Ohme et les Halles Saint-Géry vous invitent à découvrir l’exposition Perspectives du 8 octobre au 31 décembre 2021 aux Halles Saint-Géry.
Cette exposition retrace trois éditions du projet académique Recherche en Perspective pour lequel des étudiants de Master en Communication Visuelle et Graphique (ENSAV La Cambre) et des chercheurs de l’ULB issus de disciplines variées ont collaboré.
Ensemble, ils ont co-créé et produit des supports de communication illustrant de manière attractive et visuelle des contenus scientifiques parfois difficiles à appréhender et communiquer.
Car si l’engagement dans la recherche académique et scientifique vise à contribuer à l’avancée des connaissances dans un domaine spécifique, cette contribution n’a de sens que si elle est comprise et partagée.
**Vernissage et talk introductif le 07.10.21 dès 18h00.
Ce vernissage sera introduit par un panel talk autour l'ArtScience, thème à l'originie de Mise en abyme au coeur de l'ArtScience, travail issu de la collaboration entre Cécile Cuny et Raoul Sommeillier et premier chapitre de l'exposition.
Le panel talk sera composé de:
Don de la bibliothèque d'Anne Wauters et Henri Van de Leemput à La Cambre
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Don de la bibliothèque d'Anne Wauters et Henri Van de Leemput à La Cambre
À l’initiative de Véronique Ellena, artiste, et Hervé Charles, responsable de l'atelier Photographie, La Cambre s'enrichit de la bibliothèque d’Anne Wauters et Henri Van de Leemput, soit 3000 ouvrages consacrés à la photographie, l'artisanat d'art, l'art ancien et l’art contemporain.
Nous devons ce don exceptionnel à la générosité de François Van de Leemput, le fils d’Anne et Henri.
Une cérémonie est organisée le mardi 14 septembre à 18h, à la bibliothèque de La Cambre afin d’accueillir ce don et rendre hommage à Anne Wauters qui fut enseignante à La Cambre de 1991 à 2000, curatrice, critique d’art et journaliste.
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Doppelgänger
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Doppelgänger
le quartier Dansaert accueille Doppelgänger,
une co-production de la Ville de Bruxelles, d‘OPENART.TODAY et de KANAL-Centre Pompidou. Sous la forme d’une promenade-exposition, Doppelgänger rassemble une douzaine d'artistes émergents, représentatifs du dynamisme et de la diversité de la scène artistique bruxelloise.
Cette exposition est visible à travers un parcours de 8 vitrines et 3 interventions extérieures, de la Bourse à la Maison du Projet (Atelier KANAL) de KANAL-Centre Pompidou.
En réponse à un état d’aliénation latent, renforcé par une période de quasi invisibilité et d’inexistence économique des jeunes artistes, DOPPELGÄNGER fait référence aux codes du marketing, de la production industrielle, de la production de signes de reconnaissance graphique qui animent le monde économique et artistique.
Ce parcours, à travers l’infiltration d’œuvres d’art dans des vitrines inoccupées, met en exergue la façon dont les artistes s'emparent et détournent ces codes.
Articulée principalement le long de la rue Antoine Dansaert, artère du centre-ville historiquement liée aux créateurs, accessible aux regards jour et nuit, cette exposition repense l’imbrication des secteurs
culturels et économiques. Elle pose la question du lieu d’exposition des œuvres et de leur
perception par une audience plus large, dans un esprit de retour à l'art public.
Le parcours aboutit à la Maison du Projet (Atelier KANAL) de KANAL-Centre Pompidou, qui accueille pour la première fois des artistes émergents, dont certain.e.s issu.e.s de La Cambre signifié.e.s en italique:
Artistes:
Marc Buchy
Cathy Coez
Marcin Dudek Arnaud Eubelen Pauline François
Valérian Goalec Benoit Jacquemin
Mikail Koçak
Marine Kaiser Tanguy Poujol Anna Safiatou Touré Justyna Wierzchowiecka
Commissariat : Pauline Salinas et Hervé Charles
Vitrines:
82 boulevard Anspach, 1000 Bruxelles
10 rue Antoine Dansaert, 1000 Bruxelles
121 rue Antoine Dansaert, 1000 Bruxelles
1 rue de la Serrure, 1000 Bruxelles
118 rue Antoine Dansaert, 1000 Bruxelles
120 rue Antoine Dansaert, 1000 Bruxelles
10 Quai à la Houille, 1000 Bruxelles
12 Square Sainctelette (Atelier KANAL), 1000 Bruxelles
OPENART.TODAY est une plateforme créée par Hervé Charles (artiste et professeur responsable de l'atelier de Photographie de La Cambre) dans l'intention d'imaginer, produire ou condenser des propositions artistiques qui placent l'artiste au centre du projet. Dans cette perspective, OPENART.TODAY accompagne les artistes et les structures privées ou publiques dans le développement d'expositions, de résidences, d'intégrations artistiques ou de collection.
Six artistes émergents issus de l’atelier de Dessin de La Cambre explorent le thème du génie du lieu. Jérôme Bonvalot, Jean-Baptiste Brueder, Aymeraude du Couëdic — qui est également curatrice de l’exposition —, Céleste Joly, Barbara Leclercq et Amélie Scotta déclinent le dessin sous les formes les plus diverses. Il s’agit de la réédition revue et augmentée d’une exposition qui s’est brièvement tenue fin avril 2021 à la Fondation Moonens.
Initiée par La Cambre, organisée en partenariat avec l’Espace LaVallée, avec le soutien de la Fondation Moonens, cette manifestation s’inscrit dans le cadre de la Brussels Drawing Week.
Réservation obligatoire :
vernissage le 14 septembre, à partir de 18h
Cliquez ICI
Réservation obligatoire :
du 15 au 19 Septembre
Cliquez ICI
À l’occasion de la proclamation des étudiant·e·s de Master du 30 juin, six prix ont été remis à 15 étudiant·e·s pour distinguer l'excellence et la qualité de leur travail de fin d’études.
— Prix Fondation Boghossian
Harold Lechien (Gravure et image imprimée)
Félicien Umbreit (Céramique)
— Prix Fondation CAB
Martin Bonnaz (Peinture)
— Prix SAFFCA
( Southern African Foundation For Contemporary Art)
Résidence en Afrique du Sud et représenté à Art Brussels en 2022.
Harold Lechien (Gravure et image imprimée)
— Prix Jean-Louis Dupont « Fil Fou »
Yoann Piccardi (Design textile)
— Prix Fonds Roger De Conynck
Chloé Clément (Photographie)
Romy Berger (Photographie)
Le Fonds Roger De Conynck, géré par la Fondation Roi Baudouin, a pour objectif de soutenir la formation des jeunes photographes en vue de les aider dans le développement de leur carrière professionnelle.
— Prix De Mains De Maîtres Luxembourg
Participation à la 3e édition de la Biennale des Métiers d'Arts De Mains De Maîtres qui aura lieu du 25 au 28 novembre 2021 à Luxembourg.
Grande manifestation dédiée à l'artisanat d'art et savoir-faire d’exception, qui réunira une centaine d'artistes et créateurs.
Magoux Baeyens (Design textile)
Lynn Schoonbroodt (Céramique)
— Prix des Amis de La Cambre
9 nominé·e·s dont 3 prix Coup de cœur
Harold Lechien (Gravure et image imprimée)
Lili Schreiber (Stylisme et création de mode)
Lionel Dury (Dessin)
Léna Babinet (Céramique)
Xavier Duffaut (Gravure et image imprimée)
Milena Forest (Scénographie)
Paul Gérard (Espace urbain)
Charlotte Hermand (Scénographie)
Mehdi Gorbuz (Sculpture)
Benoît Hennaut, directeur, Kevin Saladé, directeur adjoint, ainsi que tou·te·s les enseignants·e·s de La Cambre, adressent leurs remerciements à tous les partenaires et félicitent tou·te·s les étudiant·e·s diplômé·e·s et plus particulièrement les lauréat·e·s.
Bel été et rendez-vous en septembre !
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TROUBLE — Festival performance 11
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TROUBLE — Festival performance 11
Le rendez-vous de la performance à Bruxelles!
TROUBLE est depuis 2005 le rendez-vous international de la performance à Bruxelles. Depuis 2019, le festival est organisé et produit par Thor/Studio et Cie Thierry Smits, avec pour centre névralgique le studio et ses environs, au cœur de la commune populaire de Saint-Josse. Il a lieu à un rythme biennal, les années impaires.
Avec le travail, entre autres, de plusieurs étudiant.e.s de La Cambre dans la section Fragile du festival Trouble:
Hilal Aydogdu
Camille Bleker
Martin Bonnaz
Barbara Salomé Felgenhauer
Lou Kanche
Aimé.e. Rossi
Baptiste Saint-Pé
Herman Daled a été le premier président de l’association Fonds Henry van de Velde et il fut un président attentif, disponible, utile et généreux, pendant une quinzaine d’années – de 2004 à 2019. Sa disparition à la fin de l’année 2020 a été un choc pour tous ceux, très nombreux, qui l’avaient connu comme médecin radiologue, collectionneur et ami des artistes, amateur d’architecture aussi ; un amateur engagé, propriétaire pendant plus de 40 ans d’une des maisons les plus intéressantes réalisées par van de Velde à Bruxelles : l’hôtel Wolfers. C’est à cette maison exceptionnelle et paradoxalement peu étudiée, et à la manière très particulière dont Herman Daled a choisi d’y « être présent » qu’est consacré ce cahier-hommage.
Avec les contributions de Anne Van Loo, Martin Margiela et Chris Dercon.
Design et composition: Studio Esther Le Roy
Impression: Drifosett
L'ouvrage est diffusé aux adresses ci-dessous :
La Cambre, bibliothèque – Abbaye de La Cambre, 21 – 1000 Bruxelles (fermé du 05.07.21 au 22.08.21)
CIVA – rue de l’Ermitage, 55 – 1050 Bruxelles
Peinture Fraîche – rue du Tabellion – 1050 Bruxelles
Tropismes – Galerie de la Reine – 1000 Bruxelles
Wiels – Avenue Van Volxem, 354 – 1190 Bruxelles
Le Cahier Henry van de Velde n°17 est le troisième numéro édité par le Fonds Henry van de Velde depuis sa création en 2004. Le Fonds s’est fixé comme principal objectif de soutenir et d’accompagner l’école de La Cambre –aux plans scientifique, technique, financier et de la communication– dans la sauvegarde et la mise en valeur des archives du fondateur de l’école. L’association succ de une première association Henry van de Velde créée à La Cambre en 1960 –et dissoute en 1974.
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SHOW OFF 21 IS ON
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SHOW OFF 21 IS ON
SHOWOFF 21 IS ON
Once again, the fashion show of new talents from the Brussels fashion school could not go ahead due to the coronavirus outbreak. It is traditionally the most eagerly awaited show in Brussels, but the students' burst of creativity did not stay in lockdown.
In small groups, La Cambre Mode[s] students, future fashion designers, carried on with their work under the supervision of an extremely motivated team of teachers.
To make up for the show, and to make the students’ new skills accessible all year, the Brussels school of excellence is launching its SHOWOFF 21 on LACAMBREMODES.BE, the 18th June.
This page will show the clothes and products that were imagined by these young creators in detail. Motion pictures of emerging fashion, and photos by S+G@sander_gretar, and showcased at 254Forest Studio and ElevenSteens Gallery. Fashion is OFF, long live Fashion.
Teaser: Model Malika/Vinyl Wigs by Bachelor 1 students/ Art Direction by Pierre Daras/ Typeface "Latrodectus Hasselti" by Paloma Brancato-Plana, Bachelor 2 Typography Studio La Cambre/ Graphic design & video animation by Isabel Debry, Troisbarrespoint.
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#WINDOWMUSEUM — Visit Brussels award
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#WINDOWMUSEUM — Visit Brussels award
La candidature #windowmuseum & KANAL-Centre Pompidou pour les Visit.Brussels Awards 2021 a été sélectionnée! Ils concourent dans la catégorie ‘CO-CREATION’, qui récompense la meilleure initiative collaborative entre partenaires créée dans le contexte de la crise sanitaire.
windowmuseum est une plate-forme indépendante mais participative dont l’intention est de rassembler, d’inciter ou de produire des projets artistiques concrets en réaction à cette période de crise sanitaire, politique et sociale. La plate-forme se veut aussi pérenne et évolutive en fonction du déconfinement.
Lola Meotti et Hervé Charles (artistes et enseignant.e.s à La Cambre) proposent de créer un mode de fonctionnement lié au commissariat confiné en rendant l’art à nouveau accessible au public, via l’espace public.
Christian Clairembourg (1952), sculpteur, architecte d'intérieur, concepteur lumière et muséographe, est décédé le 4 juin 2021.
Ancien diplômé de la section Métal et Émaux en 1976 et enseignant à La Cambre de 2004 à 2016.
Toute la communauté de La Cambre adresse ses condoléances les plus sincères à sa famille et à tous ses proches.
Fonds d’aide aux projets des étudiants de l’ENSAV La Cambre
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Fonds d’aide aux projets des étudiants de l’ENSAV La Cambre
Le Fonds a pour objectif d’offrir aux étudiant.e.s de l’ENSAV La Cambre un tremplin vers l’entame de leurs parcours professionnel en les aidant à mener des projets d’exception et à atteindre l’excellence dans le projet de diplôme présenté au sein de l’école.
À cette fin, le Fonds soutient des étudiant.e.s de Master dans la préparation et la réalisation de leur projet artistique de fin d’études, que ce soit sur des besoins de voyage, de matériel ou de production, ou encore dans des actions de diffusion et de rayonnement du projet.
Chaque projet reçoit un soutien financier de 1.000 €.
Pour la session 2021, le jury s’est réuni le 30 avril 2021 et a retenu les projets suivants :
Enquête photographique auprès de la communauté assyrienne entre la Belgique et la France, de Romane Iskaria
Mark Brand, d'Harold Lechien
Le mot silence est encore un bruit, de Charlotte Lavandier
U morsu di u sole d'oru (La morsure du soleil d'or), de Laetizia Debain
Why are we going so fast, de Mehdi Gorbuz
S'il y a un sens du réel, il doit y avoir aussi un sens du possible, de Milena Forest
W.O.R.N. Weave Old Rags Into Nacre, de Magdalena Baeyens Magoux
Au vu du classement et de la qualité des dossiers, le Jury a par ailleurs décidé d’accorder deux prix supplémentaires (de 500 euros) au titre d’un soutien des Amis de La Cambre à : Amat Gueye et Fernando Miro.
Le Fonds d’aide aux projets des étudiant.e.s de l’ENSAV La Cambre est géré par la Fondation Roi Baudouin.
COMMUNIQUÉ DE L’ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE DES ARTS VISUELS DE LA CAMBRE
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COMMUNIQUÉ DE L’ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE DES ARTS VISUELS DE LA CAMBRE
Mardi 4 mai 2021 —
Les étudiant.e.s, le personnel et la direction de l’École de La Cambre (ENSAV) assistent depuis plusieurs jours à un débat auquel on tente de les associer collectivement par le biais de raccourcis et de reprise de communiqués.
Tant sur le fond que sur la forme, l’école de La Cambre ne souhaite pas être associée à la polémique autour du Musée du Chat. Les positions individuelles des uns et des autres, fussent-ils enseignants dans l’école, n’engagent ni l’institution ni les autres membres de la communauté de l’école.
L’école de La Cambre est diverse, riche et complexe de cette diversité. Le débat nourri et constructif, l’échange de points de vue esthétiques, politiques, citoyens font partie intégrante de son projet pédagogique et artistique. La Cambre est attachée à l’expression multiple de ces points de vue et encourage leur confrontation démocratique et respectueuse des positions de chacun.
La direction
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Towards a sustainable practice in paintings conservation: new insights into reducing solvent toxicity during cleaning and cold relining
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Towards a sustainable practice in paintings conservation: new insights into reducing solvent toxicity during cleaning and cold relining
Meeting Point #20
Conference at the initiative of the department of Fine Art Conservation and Restoration
In a time where urgent environmental issues demand bold changes, the conservation-restoration community is facing unprecedent challenges in order to reduce the impact of conservation practice on the environment and human health. The conferences that constitute this “Meeting Point” will present an overview of the promising results obtained by two former students from the Conservation-Restoration department of ENSAV-La Cambre who have recently investigated alternatives to reduce the human and environmental toxicity related to solvent use during the cleaning and cold relining of paintings. This “Meeting Point” has been organized in collaboration with the Escuela de Conservación y Restauración de Occidente (ECRO), from Guadalajara, Mexico.
Program
1. Presentation of the Meeting Point – Dr. Isabel Villaseñor (ECRO) + Cécile de Boulard (La Cambre). 5 minutes.
2. Turning to Green Conservation for the Preservation of Culture Heritage. Bianca de Souza Gonçalves (La Cambre). 10 minutes + 10 minutes Q&A
According to UNESCO, cultural diversity is just as necessary as biodiversity. The preservation of humanity’s cultural heritage should thus be indissolubly linked to the preservation of the planet. Nonetheless, numerous current conservation-restoration practices are damaging to the environment: from high energy consumption to the use of toxic materials and/or treatments, and the production of considerable amounts of waste. Conservation-Restoration is thus a profession that is not yet suited to the most pressing ecological issues of our time. Fortunately, conservators-restorers are beginning to be aware of their environmental impact and to understand its causes. Thus, in the last few years, a desire has arisen to find solutions that can address both the needs of the objects and the urgency of reducing the negative impact of conservation practice on the environment. Indeed, sustainable research and alternative materials are being developed, while platforms allowing to share good practices have appeared. This presentation will introduce these matters and show that enhancing sustainability in the cultural heritage sector may definitely be a challenge, yet it is one we, as a professional community, must urgently tackle.
3. An introduction to less toxic approaches for the cleaning of paintings. The particular case of acrylics. Bianca de Souza Gonçalves. 20 minutes + 20 minutes Q&A
Research on artworks cleaning has fostered the emergence of a panoply of methods, techniques, and materials which offer alternatives to reduce the use of solvents and other toxic products. Gels and emulsions are nowadays some of the best solutions in conservation and restoration to approach a “greener” conservation practice. Agar, the Nanorestore gels, Pemulen TR-2, and Velvesil Plus appeared (at least in theory) as an excellent opportunity to bring green chemistry awareness to cultural heritage conservation-restoration and, more specifically, for the cleaning of acrylic emulsions. This presentation is based on the research conducted under the supervision of Prof. Cécile de Boulard (CROA - ENSAV, La Cambre) and Dr. Richard Wolbers (Heritage Scientist), which dealt with a series of experiments specifically designed to investigate the environmental and health impact, the physicochemical principles, the facility of preparation/application, and the treatment efficiency of the four gels mentioned above for the cleaning of acrylic paintings. This presentation will focus on how these gels work and how we can adapt them to different types of cleaning problematics, while including sustainability and environmental criteria.
4. Skirting the solvents' toxicity: the cold-lining of paintings by reactivation Clémence Teitgen. 20 minutes + 20 minutes Q&A
Solvents are massively employed during the treatments involved in the conservation of paintings. Some of them are considered “good solvents” because they allow to successfully perform the desired conservation treatments. Nonetheless, other important aspects such as their polarity, retention or human and environmental toxicity, are not always taken into consideration. This presentation will offer an overview of how to skirt the toxicity of aromatic solvents employed in the reactivation of an acrylic adhesive when performing a cold-lining by using efficient alternatives that are safe for the treated objects, conservators-restorers and the environment. Indeed, results obtained during a research project performed under the supervision of Prof. Cécile de Boulard (CROA - ENSAV, La Cambre) and Dr. Paolo Cremonesi (Heritage Scientist), allowed to outline radically less toxic mixtures of alcohols, esters or ketones and iso-octane which allow to obtain high lining strength efficiencies at similar or lower polarities than xylene. These solvent mixtures are not only interesting for this specific application, but xcould also be valuable for other conservation treatments.
5. Conclusions and final remarks. Francisco Mederos-Henry (La Cambre). 10 minutes.
Biographies
— Bianca de Souza Gonçalves
Paintings conservator, Studio Redivivus, NL
bianca.ds.goncalves@gmail.com
Originally from Brazil, Bianca Gonçalves is currently a paintings conservator at Studio Redivivus in the Netherlands. She received a BA in conservation and restoration from the Polytechnic Institute of Tomar, Portugal, and latter specialized in the conservation of easel and panel paintings through a MA at ENSAV La Cambre in Brussels.
Given a lifetime interest in sciences and art, Clémence Teitgen obtained a scientific Baccalauréat diploma followed by a Bachelor in Art and Archaeological History from the University of Strasbourg in France, where she was introduced to the conservation of historical monuments. After her B.A., she spent a year in Rome studying paintings’ conservation before starting her studies at the Conservation-Restoration department of ENSAV La Cambre, where she obtained her Master of Arts in 2020. She is now working as a freelance paintings conservator between Belgium and France.
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Third place or What?
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Third place or What?
TICK TACK en collaboration avec La Cambre — École nationale supérieure des arts visuels et les Master de l’atelier Espace urbain vous invitent à l’exposition collective Third place or What?
Projet porté par Paul Gérard et Jules Flamen, coordination par Laure Cottin Stefanelli avec Cédric Noël et Raymond Balau.
Third place or What? émet l’hypothèse de l’existence d’un tiers-espace, d’une zone informel comme point de jonction entre l’espace rationnel, nos fictions personelles ou collectives et nos experiences vécues.
Avec les travaux de Paul Gérard (BE), Romane Iskaria (FR), Lucine Letassey (FR), Xavier Duffaut (BE), Charlotte Quinonero (BE), Jules Flamen (FR).
CINÉMA TT
Chaque vidéo présentée dans ce programme transforme les territoires filmés en un espace de mémoire en se référant à des rituels anciens et au patrimoine architectural. Ainsi, les Serres royales de Laeken sont transformées en mausolée, un laboratoire botanique est personnifié, un arbre au milieu des montagnes kurdes devient lieu de recueillement et des objets en argile dispersés dans la ville de Dakar invoquent notre héritage culturel.
Avec les videos de Mehdi Gorbuz (BE), Ana Touré (FR/ML), Ophélie Hilbert (FR).
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Au-delà du récit de l'effondrement
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Au-delà du récit de l'effondrement
Conférence de Jérémie Cravatte
Nous assistons depuis quelques années à l'accélération d'un basculement écologique irréversible. Ce basculement se produit à l’heure où nos sociétés sont particulièrement fragiles et profondément inégalitaires. Effondrement, un mot qui parle enfin vrai, palpable, à la hauteur de la situation. Mais de quoi parle-t-on concrètement ? Les discours de l’effondrement, qui connaissent un succès grandissant, rendent-ils correctement compte de la situation ? Qu’elles en sont les limites et comment les dépasser ?
Nous en parlerons avec Jérémie Cravatte, militant au CADTM (Comité pour l'abolition des dettes illégitimes) et auteur de l'étude L'effondrement, parlons-en : les limites de la collapsologie, publiée chez Barricade.
« Suivre les matières, c’est entrer dans un monde
en perpétuelle ébullition. Au lieu de le comparer
à un vaste musée ou à un grand magasin, il serait
sans doute plus utile de l’envisager comme
une gigantesque cuisine. Dans cette cuisine, divers
mélanges se font, engendrant de nouvelles matières qui sont à leur tour mélangées à d’autres ingrédients, selon un processus infini de transformations »
Tim Ingold, « La vie dans un monde sans objets »,
Perspective, 1 | 2016.
ITINERANCES est une proposition de l’atelier de Design textile de La Cambre et Valérian Goalec, en collaboration avec les Abattoirs de Bomel / Centre culturel de Namur.
L'exposition présente le travail des 11 étudiants ayant participé à la résidence : Marion Aeby, Shéryl Blauvac, Maud Brunstein, Sarah Carestia, Joséphine Charles, Suzanne Corcessin, Lucie Lenardon, Eden Millon, Clara Smoljanovic, Helen Vandevloet et Marie Vanrapenbusch.
La Cambre propose des portes ouvertes à portes closes. OPEN AIR vous emmène à la découverte des différentes réalités de l'école au travers d'une exposition publique en plein air dans les jardins de l'Abbaye de La Cambre, du 19 au 21 mars. OPEN AIR, c'est aussi des rendez-vous online pendant 3 jours avec nos équipes pédagogiques et les étudiant.e.s.
OPEN AIR, c'est aussi deux expositions à visiter sur réservation préalable ici et là.
Informations et détails, vendredi 12 mars 2021 sur OPEN AIR
Exposition d’œuvres d’ancien·ne·s étudiant·e·s diplômé·e·s en 2019 et 2020
Œuvres remarquées et sélectionnées par un jury indépendant animé par l’asbl Les Amis de La Cambre
Commissariat: Lola Meotti
Réservation de votre visite obligatoire : CLIQUEZ ICI
Construire, déconstruire, arpenter, gravir ou dévaler, passer de l’ombre à la lumière, ou de la lumière à l’ombre.
L’exposition L’adret et l’ubac se love au creux du parc de l’abbaye de La Cambre, dans l’ancienne imprimerie de l’Institut géographique national, à la lisière des nouveaux espaces de l’école et d’un coteau discret, presque sauvage. 22 ancien.ne.s étudiant.e.s de La Cambre exposent leur travail. Tous d’horizons différents, issus d’ateliers divers. L’exposition divisée en deux grands espaces prend le parti pris scénographique du contraste. D’un côté l’ombre avec des vidéos—projections comme de grandes portes à franchir, et de l’autre la lumière avec un espace plus proche de la white box conventionnelle. Les artistes n’ont en commun que d’être sortis de la même école néanmoins ils représentent une scène, un regard critique sur le monde. La mixité des pratiques nous fait traverser des territoires multiples et insolites. Ils sont tantôt abruptes et tranchants, tantôt chaleureux ou poétiques, mais toujours doubles.
Exposition des Master 2 de l'atelier de Peinture dans le cadre de OPEN AIR
L’Oxymore est, dans le champ des pratiques artistiques et peut-être ailleurs aussi, la plus juste façon de dire et de penser le monde, à rebours des lourdeurs et des plates évidences qui en rétrécissent inexorablement les confins. Etre artiste ou chercher à le devenir consiste souvent à suivre l’indien de Kafka, galopant dans une lande tondue et tremblante, sans éperons – car il n’y avait pas d’éperons - puis sans encolure ni tête de cheval. Le meilleur inaperçu tient peut-être de cette sorte de promesse – cette paradoxale absence tenant lieu d’une multitude d’affranchissements.
L’exposition regroupe les travaux des étudiants en Master 2. Elle cultive les ellipses et les incises, brouille les références et démultiplie les chemins à prendre. Loin de se cantonner à la seule peinture, elle forme un rébus décloisonnant notre rapport à l’image, au paysage, à l’identité, au son et à l’architecture. Un joyeux désordre qui en pointillés trace la géographie de l’atelier : cet espace dont le meilleur est ici à suivre et à prendre, à étendre encore et toujours.
Benoît Dusart
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Fenêtre sur cours
Fenêtre sur cours
Une sélection de travaux en cours des étudiant.e.s de l’atelier de Photographie
(de Bac1 à M2) dans le cadre de OPEN AIR
L'AEROA (Association des Étudiants en Restauration d'Œuvres d'Art de la Cambre) a le plaisir de vous convier le mercredi 17 mars à 19 h à sa prochaine conférence intitulée "Faussaires illustres". Cette conférence sera présentée par Harry Bellet, écrivain et journaliste au journal Le Monde, et fera écho à son livre "Faussaires illustres", paru en 2018 chez Actes Sud. De Han Van Meegeren à Wolfgang Beltracchi en passant par Fernand Legros, Harry Bellet nous racontera l'histoire de huit faussaires célèbres, chacun à l'origine d'une invention novatrice dans le domaine du faux.
La conférence sera introduite par Claude Katz, avocat spécialisé en droits d'auteur, qui apportera quelques notions juridiques essentielles pour comprendre les limites et les différences entre les différents termes liés au faux dans l'art (faux, copie, contrefaçon,...). La présentation sera également suivie d'une séance de questions-réponses.
Celle-ci sera organisée en visioconférence afin de respecter les mesures de prévention contre le Covid-19. L'inscription à la conférence est au prix de 4 €, et 2 € pour les étudiants.
Si vous souhaitez y assister, nous vous invitons à vous inscrire dès maintenant par mail à aeroa@lacambre.be. Si vous êtes étudiant, merci de nous contacter via l'adresse mail de votre établissement, ou de nous transmettre une photo de votre carte d'étudiant. Toutes les modalités concernant le paiement et l'accès à la conférence vous seront communiquées après inscription.
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Roland Gori — Chaire à vif
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Roland Gori — Chaire à vif
En 2020 — 2021, la première édition de CHAIRE À VIF recevra Roland Gori. Initiateur de l’Appel des appels, il est professeur honoraire de Psychopathologie clinique à l’Université d’Aix-Marseille, Président d’honneur du Séminaire inter-universitaire européen d’enseignement et de recherche en psychopathologie et psychanalyse (SIUEERPP), Psychanalyste Membre d’Espace analytique. Il interviendra successivement sur les thèmes suivants :
19 octobre 2020 — 18h 30
(conférence inaugurale) L’effondrement n’est plus à craindre, il a déjà eu lieu. L’étrange défaite de nos croyances.
3 décembre 2020 Comment le Covid-19 a révélé que nous vivions dans un monde sans esprit
— Conférence reportée à l'automne 2021
Autorité et pouvoir à l’ère des algorithmes
— Conférence reportée à l'automne 2021
L’œuvre à l’époque de la déshumanisation
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique. La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
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WE HAD NO IDEA THE MICROPHONE WAS ON
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WE HAD NO IDEA THE MICROPHONE WAS ON
We are cyborgs.
We want to connect to one another despite a global virus and despite everything.
Come into our cyborgian tale.
With sound let's invent a cyborgian language.
With works by Terje Abusdal, Léna Babinet, Chloé Delchini, Emma Delforge, Sophia Dieckschaefer, Xavier Duffaut, Perrine Estienne, Gabriel René Franjou, Silja Hubert, Margot Lassoie, Loubna Ouaqqa, Camille Poitevin, Pedro Riofrio, Apo Sanguinède, Léa Santantonios, Laetitia Troilo.
All works were composed in the frame of the module of Création Sonore et Musique Expérimentale initiated by Céline Gillain at the ENSAV La Cambre, in partnership with Q-O2 in Brussels.
The module of Création Sonore et Musique Expérimentale proposes a special frame for listening, experimenting and reflecting around sound art, and in particular through the topic of the machine in relation to the body. The starting point of the course is Donna Haraway's Cyborg Manifesto.
Teaching: Julia Eckhardt, Céline Gillain, Caroline Profanter, Myriam Pruvot.
Special thanks to Q-O2.
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France Borel 1952 — 2021
France Borel 1952 — 2021
La communauté de La Cambre vient d'apprendre avec une profonde tristesse le décès de France Borel (1952-2021) qui dirigea l’école de 1992 à 2002. Grande voyageuse passionnée par l’Afrique et l’Asie, nomade jusqu’au dernier jour, elle nous a quittés de façon soudaine dans un lieu qui lui était cher.
Historienne de l'art et docteur en Philosophie et Lettres diplômée de l’ULB, elle fut la première femme nommée à la direction de La Cambre, après y avoir enseigné l’histoire de l’art et l’esthétique durant douze années dans un cours visionnaire qu’elle appelait « Lectures de l’art ». Elle exerça sa fonction avec idéalisme et panache et invita des personnalités emblématiques comme Pierre Alechinsky ou Pierre Restany. On lui doit aussi la mise sur pieds d’un organe de concertation qui préfigurait le Conseil de gestion pédagogique ainsi que l’organisation de deux manifestations importantes : "La Cambre s'expose 1927-1997" à l'occasion des 70 ans de l'école et une vaste exposition transversale sur le thème de l'écologie et de l’environnement en 2002, « Le jour du printemps, l’École s’ouvre » écrivait-elle en introduction.
Femme libre et audacieuse, esthète érudite, elle étudia les questions du corps et de sa représentation dans de nombreux essais Le corps spectacle (éditions de l'Université de Bruxelles, 1987), Le modèle ou l'artiste séduit (Skira, 1990), Le vêtement incarné (Calman-Lévy, 1992), Orfèvres lointains (Hazan, 1995) Le Peintre et son miroir (La Renaissance du Livre, 2002), Bacon. Portraits et autoportraits (avec Milan Kundera, Belles lettres-Archimbaud, 2003). Elle nous laisse également plusieurs romans et nouvelles ainsi que Jeux de mains avec les dessins de Benoît Jacques (Benoît Jacques Books, 1995) et Hong-Kong Transit avec le photographe Jean-Dominique Burton (Le Soir et ZB22, 1997).
Nous présentons nos sincères condoléances à ses proches et aux personnes qui l’ont connue et appréciée.
Le CAL Charleroi, en partenariat avec la plate-forme artistique #WINDOWMUSEUM, présente l’exposition Les Limbes - Figures de l’isolement du 31 janvier au 28 février 2021 avec entre autres Joséphine Desmenez (diplômées 2018 de l'atelier de Photographie), Pauline François (diplômée 2020 de l'atelier de Sculpture) et Amélie Scotta (dipômée 2016 de l'atelier de Dessin).
Du monde carcéral aux prisons métaphoriques l’exposition tente de mettre en perspective le corps -que ce soit celui du modèle, de l’artiste, de l’interlocuteur, du spectateur- et l’environnement de ce corps, soit le lieu, comme contraintes d’isolement.
WINDOWMUSEUM est une plate-forme indépendante participative créée par Lola Meotti et Hervé Charles dont l’intention est de rassembler, d’inciter ou de produire des projets artistiques concrets en repensant la question et les enjeux du modèle d’exposition traditionnel.
MeetingPoint #19
Dans le cadre du cours de Performance et Art du corps
Quelle création quand on n’a plus rien à perdre ?
En partant de l’histoire des luttes contre le VIH/sida, nous explorerons la diversité de techniques militantes développées par Act-Up New York et Paris et des liens qui ont existé et qui continuent d’exister entre ces associations et les artistes. Nous nous arrêterons plus particulièrement sur David Wojnarowicz, Gran Fury et Group Material. Nous discuterons ensuite de la frontière ténue entre l’Action Directe et la Performance. Nous nous interrogerons aussi sur que faire des savoirs et techniques ? Quels futurs et quelles transmissions ? Cela sera aussi l’occasion d’échanger autour de la valeur de l’art « militant » et sa reconnaissance par le marché et par les institutions. Pour éviter toute historicisation du VIH/sida, je vous présenterai, pour finir, les enjeux contemporains de la maladie et des artistes qui travaillent, aujourd’hui, sur ces questions.
Pour participer à la conférence : les inscriptions sont closes
Anthropologue de formation, Julien Ribeiro est curateur et fondateur du Lavoir Public, espace de création dédié aux écritures en mutation à Lyon, qu’il a dirigé jusqu’en 2016. Il travaille sur les impacts qu’a le politique sur nos vies et sur nos processus de création, la place des minorités jouant un rôle central dans cette recherche.
Membre fondateur du collectif WAW (archive LGBTQI et Art contemporain), il est associé à la programmation de l’exposition David Wojnarowicz — History Keeps Me Awake at Night au Mudam (2019) et fait notamment partie du comité de suivi de l’exposition Histoire et mémoires des luttes contre le VIH/sida (2021) au Mucem de Marseille. Il travaille aujourd’hui sur les savoirs silenciés , la maladie comme partenaire en tant que curateur associé à l’Antre-Peaux (Bourges), sur le projet ACT UP : ART = ACTION au Mac Val et plus généralement aux nouvelles formes de pédagogies.
En co-diffusion au MAC VAL- Musée d'art contemporain du Val-de-Marne dans le cadre de l'exposition ACT UP : ART = ACTION – Collaboration Act Up / MAC VAL- Musée d'art contemporain du Val-de-Marne avec Julien Ribeiro
L’association Fonds Henry van de Velde vient d’apprendre le décès d’Herman Daled, médecin, collectionneur, et acteur essentiel de la vie artistique et culturelle belge et bruxelloise depuis plus de cinquante ans.
Herman Daled a été président du Fonds van de Velde créé en 2004 afin de préserver et enrichir le fonds d’archives du fondateur de La Cambre, et ce jusqu’en 2019. Sa confiance et son soutien sans faille ont été déterminants dans la capacité de l'association à atteindre ses objectifs et à développer son action.
Tous les membres de l’association ainsi que l’école de La Cambre tiennent à exprimer ici leur profonde tristesse et leur reconnaissance.
Leurs condoléances, sincères et émues, s’adressent à Marit Storset, à la famille d’Herman, à tous ses amis et ses proches.
La peinture dans la lumière / Light on Painting
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La peinture dans la lumière / Light on Painting
Journées d'étude 2020
Les pratiques artistiques, architecturales, muséales et scientifiques explorent aujourd’hui de manière innovante les usages et les caractéristiques de la lumière. À l’instar de bureaux d’architecture qui équipent les nouvelles constructions d’éclairages LED, des musées repensent la question de l’éclairage et des artistes créent des œuvres d’art à partir de nouvelles technologies lumineuses. Dans le contexte de ce changement technologique, les normes et les pratiques muséales du XXe siècle sont à interroger, tandis que l’analyse de la lumière et de ses effets sur les couleurs est redevenue un sujet scientifique de première importance.
Un panel composé d’artistes, conservateurs et restaurateurs d’œuvres d’art, commissaires d’exposition, historiens de l’art, scientifiques et designers présenteront leurs travaux les plus récents. Dix ans après l'arrivée massive de la technologie d’éclairage LED dans les espaces publics et domestiques, ces journées offriront une perspective contemporaine, pointue et critique, sur les pratiques et les théories contemporaines de la lumière et de la couleur.
Territoires tissés est un projet transdisciplinaire et collaboratif entre l’Association pour la valorisation et la promotion du tissage traditionnel d’Abomey (AVPTTA), l’École du Patrimoine Africain (EPA), toutes deux au Bénin, et La Cambre à Bruxelles, avec le soutien de WBI et de l’ARES (Coopération au développement).
Depuis 2019, des échanges d’étudiant·e·s, de professeur·e·s et d’artisans tisserands sont en place afin d’appréhender un contexte de production artisanale exceptionnel et patrimonial, de contribuer à valoriser les textiles produits et le lieu des ateliers de tissage (dans leur environnement et leur ergonomie). Le projet interroge la création et l’artisanat comme un levier de rencontre, d’apprentissage et d’émancipation.
Cette initiative s’inscrit dans un programme de coopération bilatérale entre le Bénin et la Belgique, jusqu’à l’horizon 2023. Un programme de 5 ans qui se construit comme un laboratoire donnant aux artisans, aux étudiant.e.s designers et architectes, ainsi qu’aux étudiant.e.s de l’EPA, l’opportunité d’investir les valeurs que transmet la production du textile et le site des ateliers : un vecteur de civilisation, d’art et de culture, de technique, une ressource patrimoniale et économique cruciale.
En l’absence de toute possibilité de voyage depuis plusieurs mois, les étudiant·e·s et les équipes croisées des partenaires ont développé le site Agonglovo.com, relatif au projet et favorisant la production locale des artisans béninois.
Académie Libanaise des Beaux-Arts (ALBA) / Beyrouth — Appel à candidatures
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Académie Libanaise des Beaux-Arts (ALBA) / Beyrouth — Appel à candidatures
Notre partenaire, l’Académie Libanaise des Beaux Arts à Beyrouth (ALBA), recrute la nouvelle direction de son école de mode.
La Cambre est le partenaire privilégié du déploiement de ce programme depuis 2015.
Les candidat·e·s sont appelé·e·s à faire parvenir une lettre de candidature motivée et un curriculum vitae détaillé à l’Académie Libanaise des Beaux-Arts (ALBA) à l’adresse électronique suivante :
communication@alba.edu.lb avant le 11 décembre 2020.
Voir profil de poste ci-annexé
Fondée en 1937, l’Académie Libanaise des Beaux-Arts est la première institution nationale d’enseignement supérieur au Liban. L’ALBA est une institution privée reconnue d’utilité publique depuis 1944. Depuis 1988, elle fait partie de l’Université de Balamand. Elle regroupe actuellement : l’Ecole des arts visuels, l’Ecole d’architecture, l’Ecole des arts décoratifs (sections Architecture intérieure, Arts graphiques et publicité et Design), l’Ecole de cinéma et de réalisation audiovisuelle (sections cinéma et télévision) et l’Institut d’Urbanisme. Elle accueille plus de 1000 étudiants par an et plus de 250 professeurs y enseignent.
La Licence en Design de Mode de l’ALBA est le fruit d’une collaboration conventionnée avec L’École nationale supérieure des Arts visuels (ENSAV) La Cambre à Bruxelles. Les missions de coordination pédagogique, de développement du programme et de recrutement des équipes décrites ci-dessus sont assurées en étroite collaboration avec la direction de la Section Stylisme et création de Mode de La Cambre, selon les termes de la convention en vigueur.
Sous le nom d’ECART (European Ceramic Art & Research Team) sont réunies quatre écoles supérieures d’art et de design européennes très réputées, aux spécificités marquées et complémentaires, toutes quatre engagées de manière particulière dans le développement de la céramique contemporaine. Ces quatre écoles ont eu depuis dix ans plusieurs occasions de collaborer dans le domaine, sous l'angle d'échanges pédagogiques ou artistiques.
Sous le titre « Résonances céramiques », le réseau lance une nouvelle séquence de projet s’étendant de 2020 à 2022, avec le soutien de la Commission européenne et du fonds Erasmus +, au titre de partenariat stratégique d’innovation dans l’enseignement supérieur.
L'équipe de projet a choisi d'explorer la relation entre matériau céramique et expérimentation sonore, tout en liant cette interrogation à une préoccupation basée sur la notion de rituel (au sens social et anthropologique). Matières et son donnent en effet à combiner une variété importante de multiples dans le domaine, ce qui accroit le potentiel expérimental du projet. La notion de rituel ancre l'expérimentation formelle dans un contexte concret, à vocation plus utilitaire ou à̀ dimension plus esthétique et symbolique. Elle convoque par ailleurs des traditions locales et vernaculaires que l’on désire croiser et associer pour faire émerger un projet européen global.
Le projet se conçoit comme un laboratoire pédagogique en quatre étapes : documentation, expérimentation formelle, expérimentation réflexive et spéculative, consolidation et analyse du processus. Ces quatre étapes productives seront suivies d'un moment de diffusion internationale (à Genève, en 2022).
L'objectif général du projet est de développer les compétences des étudiant•e•s participant•e•s et l'expertise pédagogique des organismes partenaires dans le domaine de la céramique d'art, en particulier dans une dynamique de recherche formelle et esthétique qui mette en jeu la matière intimement liée à la céramique avec d'autres paramètres techniques, formels ou conceptuels
Le projet est porté par :
L’École nationale supérieure des arts visuels, La Cambre, Bruxelles
L’École nationale supérieure d’art, Villa Arson, Nice
La Haute école d’art et de design (HEAD), Genève
L’École supérieure d’arts plastiques de la Ville de Monaco, Le Pavillon Bosio, Monaco
EKWC : Sundaymorning@ekwc, Tilburg (centre d'artistes en résidence et centre d'excellence visant au développement de l'art, du design et de l'architecture à travers la céramique).
CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.
En 2020 — 2021, la première édition de CHAIRE À VIF recevra Roland Gori. Initiateur de l’Appel des appels, il est professeur honoraire de Psychopathologie clinique à l’Université d’Aix-Marseille, Président d’honneur du Séminaire inter-universitaire européen d’enseignement et de recherche en psychopathologie et psychanalyse (SIUEERPP), Psychanalyste Membre d’Espace analytique.
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SHOW OFF IS ON
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SHOW OFF IS ON
Last June, the fashion show of new talent from the Brussels fashion school could not go ahead due to the coronavirus outbreak. It is traditionally the most eagerly awaited show in Brussels, but the students’ burst of creativity did not stay in lockdown.
In small groups and behind screens, La Cambre Mode[s] students, future fashion designers, carried on with their work under the supervision of an extremely motivated team of teachers.
To make up for the show, and to make the students’ new skills accessible all year, the Brussels school of excellence is launching its website LA CAMBREMODES.BE on 1st October where it will present its SHOW OFF.
This page will show the clothes and products that were imagined by these young creators in detail. Special attention is paid to the second year Master’s students, who are finishing their studies with this collection. The archives of the previous years will gradually also become available online. Motion pictures of emerging fashion, photos by 254FOREST and Emmanuel Laurent (Bachelor3) – showcased at the 254FOREST Studio, with a casting of models and students. Fashion is OFF, long live Fashion.
Progressivement, les archives des promotions précédentes seront accessibles en ligne.
Images animées de la mode émergente, des photos signées 254FOREST et Emmanuel Laurent (Bachelor3) — et scénographiées au Studio 254FOREST, sur un casting de mannequins et d’étudiant·e·s, et réciproquement. La mode est OFF, vive la Mode.
Photo by 254Forest for La Cambre Mode/s/, Art Direction Pierre Daras, Model Sokhna Niane at IMMBruxelles — Graphic Design by TroisBarresPoint & Web development by Idlehands.
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Séance académique de rentrée 2020
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Séance académique de rentrée 2020
Benoît Hennaut, directeur,
Kevin Saladé, directeur adjoint,
ont le plaisir de vous inviter à la séance académique de rentrée.
Pluie d'oiseaux sur un monde abîmé
Conférence de Marielle Macé
Discours de rentrée
Remise des prix des Amis de La Cambre, de la Fondation Boghossian et de la Fondation CAB
Pluie d'oiseaux sur un monde abîmé
Pendant le confinement, le paysage sonore a changé brutalement, tout le monde en a parlé. En ville, les oiseaux n’avaient plus à s’époumoner, on les réentendait enfin. Et c’était comme un rebranchement soudain, éblouissant, dissident, à un monde dont nous crevons d’être déliés. Pourtant ils continuaient à s’éteindre, les pathologies se multipliaient à la frontière hommes-bêtes, on ne connaissait toujours pas leurs noms, mais on se disait qu’on les entendait davantage, et on se cramponnait à leur chants pour se faire croire que la pandémie avait au moins quelque chose de bon pour la planète. Peine perdue. Que faire en vérité d’une douceur éprouvée si fort, dans un moment de saccage social, et quand plus personne n’avait le droit d’accompagner ses morts ? Il faut beaucoup de tact pour observer le silence…
Marielle Macé est directrice de recherche (CNRS-EHESS) et écrivain. Actuellement auteure associée au théâtre des Amandiers à Nanterre, elle fait également partie des animateurs des revues Critique, et Po&sie. Ses livres prennent la littérature pour alliée dans une réflexion critique sur les formes de la vie commune — sur ce qui nous divise, nous anime, sur ce à quoi l’on tient. Parmi ses publications récentes : Styles. Critique de nos formes de vie (Gallimard, 2016), Sidérer, considérer. Migrants en France 2017 (Verdier, 2017), et Nos Cabanes (Verdier, 2019), qui a inspiré de nombreux projets artistiques.
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Echo / Ecart
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Echo / Ecart
Dans le cadre du week-end d'ouverture de l'exposition IT NEVER ENDS John M Armleder & Guests à KANAL — Centre Pompidou, venez découvrir une série d'événements en direct, des conférences et workshops avec entre autres plusieurs étudiant.e.s de La Cambre pour des performances Echo / Ecart
Armleder est invité à investir, pour sept mois, les espaces du Showroom de l’ancien garage Citroën bruxellois. L’artiste y propose, en dialogue avec une série d’installations monumentales qu’il a spécifiquement pensées pour chacun des six plateaux bruts du lieu, une constellation d’expositions, d’événements et de rencontres qui offrent la possibilité de plonger dans son univers et celui de celles et ceux qu’il aime.
Après des mois chahutés, des jurys reportés, des délais allongés, les diplômes 2020 de La Cambre s’offrent au regard. Dans un parcours choisi, les étudiant.e.s sortant (Master 2) de cette année inédite relèvent le défi de conclure leurs jurys par une véritable exposition collective. Autant de cartes de visite individuelles qui ensemble forment un souffle unique au sein de la création contemporaine, dans un contexte qui ne laisse personne indifférent.
À l’image de l’ensemble des acteurs du monde de l’art et de la culture, La Cambre est très heureuse de renouer avec le partage public de ce qui fait son essence : les œuvres et projets de ses étudiant.e.s.
Malgré les contraintes, et dans le respect de celles-ci, poser le geste d’être là, investir les lieux, affirmer les relations, défendre l’espace artistique et culturel comme une composante essentielle de notre société bouleversée. Soyez des nôtres !
Benoît Hennaut, directeur
Avec le soutien de visit.brussels
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Soucieux de vous accueillir dans les meilleures conditions tout en respectant scrupuleusement les règles de sécurité imposées par la situation COVID-19, nous vous invitons à réserver votre visite en remplissant le formulaire ICI
Merci de vous munir de l’e-mail de confirmation de votre inscription lors de votre venue.
Afin d'assurer une visite sécurisée et agréable pour tout visiteur, nous demandons de respecter les mesures suivantes :
Une jauge horaire avec des quotas a été mis en place afin de répartir le nombre de visiteurs tout au long de la journée. Veuillez respecter l'heure que vous aurez choisie.
Il y a un parcours préétabli (une signalétique claire indique le sens de circulation). Veuillez-vous y tenir et ne pas rester plus d’1 heure dans le bâtiment
À l'intérieur du bâtiment, les règles de distanciation sociale s'appliquent. Les visiteurs sont priés de garder une distance de 1,5 m. Il est interdit de monter dans l'ascenseur à plusieurs.
Afin de réduire le risque de contamination, le port du masque est obligatoire pour les visiteurs à partir de 12 ans.
À l'entrée un contrôle de sécurité sera effectué ainsi qu'une vérification de votre réservation
Les sanitaires et autres endroits sensibles (poignées, portes) seront régulièrement nettoyés.
À l’entrée et à chaque étage du bâtiment, des gels hydroalcooliques seront disponibles. Des masques seront également disponibles pour toute personne ayant oublié le sien
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Labo_Demo #2
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Labo_Demo #2
Entaille dans la création visuelle émergente
Exposition collective — Beaux-Arts de Paris et La Cambre
8 artistes et un collectif ont été sélectionné.e.s sur base des candidatures soumises par des étudiant.e.s de fin de Master à l’attention d’un jury constitué de collectionneurs, de représentants des écoles et du Centre Wallonie-Bruxelles.
Exposition avec entre autres: Agathe Duperou (atelier de Céramique), Pauline François (atelier de Sculpture), Sacha Cambier (atelier de Dessin), Harold Lechien (atelier de Gravure et image imprimée) et Alice Pandolfo (atelier de Design textile).
Commissariat : Lola Meotti assistée d’Esteban Neveu Ponce des Beaux-Arts de Paris
Les « Labo_Demo » du Centre Wallonie-Bruxelles | Paris, initiés en 2019, sont des dispositifs dédiés à valoriser la création contemporaine émergente – en arts visuels & en littératures, implémentés avec la complicité d’écoles supérieures d’arts belges et françaises.
En annexe, la liste des candidat.e.s sélectionné.e.s par le jury d'enseignant.e.s du cursus choisi, validée ce vendredi 29 mai 2020.
Inscription Master 2020/21
Les inscriptions se dérouleront à La Cambre, du vendredi 21 au vendredi 28 août 2020, de 9h à 15h. Les dossiers incomplets ou envoyés par courrier ou internet ne sont pas pris en compte.
Voir le détail ici
Nous n’avons pas pu nous voir, nous rencontrer ou encore échanger avec vous à l’occasion des journées portes ouvertes de l’école et nous le regrettons. Nous avons alors décidé de vous proposer une rencontre virtuelle sous forme de questions-réponses avec la direction de l’école. Deux sessions sont proposées, les 8 et 12 juin 2020 de 14h à 16h. Vous pourrez via le chat poser vos questions à Benoît Hennaut, directeur et Kevin Saladé, directeur adjoint, qui vous répondront en direct et en visio.
Ci-dessous les liens pour vous inscrire à une des deux sessions. Les inscriptions sont ouvertes jusqu’au 1er juin 2020 15h.
Session du 8 juin :
Le nombre de places maximum pour participer aux e-JPO du 8 juin a été atteint.
Session du 12 juin :
Le nombre de places maximum pour participer aux e-JPO du 12 juin a été atteint.
Si vous avez des questions d'ordre administratif, notre secrétariat étudiant.e.s se fera un plaisir de vous répondre. Pour cela, n'hésitez pas à contacter :
• Sandro Barigand, sandro@lacambre.be — 1er cycle Bachelier
• Gérald Teixeira, gerald@lacambre.be — 2e cycle Master
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Résultats Master 2020 — 2021
Résultats Master 2020 — 2021
En annexe, la liste des candidat.e.s présélectionné.e.s et sélectionné.e.s par le jury d'enseignants du cursus choisi, validée ce mardi 5 mai 2020.
Pour les candidat.e.s présélectionné.e.s, les entretiens sont maintenus au 11 mai 2020 en vidéoconférence.
Pour les candidat.e.s admis.es sans entretien, les inscriptions se dérouleront à La Cambre, du vendredi 21 au vendredi 28 août 2020, de 9h à 15h.
Information à l'attention des candidat.e.s au 1er cycle ICI
Information à l'attention des candidat.e.s au 2e cycle Master à l'onglet inscription Master 2020.
N'ayant pas eu l’occasion de vous accueillir à La Cambre lors de nos Portes Ouvertes, nous tentons de tout mettre en œuvre pour vous aider à mieux connaitre nos différents cursus, et cela afin que vous puissiez vous préparer au mieux aux épreuves d’admission au 1er cycle. Ainsi, un texte de présentation accompagné d'un FAQ ont été réalisés ou sont en cours de réalisation pour chaque atelier. Ils sont et seront mis à votre disposition à l’onglet cursus artistiques. De fait, nous vous invitons à vous connecter régulièrement sur notre site.
Pour les candidat.e.s se présentant aux admissions de 2e cycle, les inscriptions électroniques se clôturent le 23 avril 2020 inclus. Cependant, pour celles et ceux qui postulent pour le nouveau master Textes et création littéraire, ces inscriptions sont prolongées et se clôturent le 15 août 2020 inclus. Ici aussi, nous vous invitons à consulter les différents onglets Cursus artistiques pour davantage de précisions.
Enfin, si vous avez des questions d'ordre administratif, notre secrétariat étudiant.e.s se fera un plaisir de vous répondre. Pour cela, n'hésitez pas à contacter:
Gérald Teixeira, gerald@lacambre.be — 2e cycle Master
Pour les candidat.e.s se présentant uniquement aux admissions de second cycle, et ayant des questions relatives aux diplômes et/ou aux équivalences, merci de contacter:
Luis Carrera Fernandez, luis@lacambre.be — Conseiller académique
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BRUSSELS VIDEONLINE FESTIVAL
BRUSSELS VIDEONLINE FESTIVAL
Un nouveau projet initié par la CENTRALE à la découverte de la création émergente en collaboration avec les Écoles Supérieures d’Art bruxelloises.
Cet été, la CENTRALE for contempory art propose le Brussels Videonline Festival, un nouveau festival online de vidéos d’artistes.
21 vidéos d’artistes sélectionné.e.s par 7 écoles d’art bruxelloises, avec entre autres :
Léa Cuadrado, étudiante master de l'atelier de Photographie
Marine Jacob, diplômée 2018 de l'atelier de Cinéma d'animation
Clara Rivault, diplômée 2018 de l'atelier de Sculpture
Fred Penelle, artiste et graveur, est décédé le 25 mars 2020 à 46 ans.
Né en 1973, il avait étudié à La Cambre, où il avait été professeur de gravure de 2012 à 2019. Il était également un professeur exceptionnellement apprécié à l’École des Arts d’Ixelles.
Plasticien mû par la passion et un esprit dévoré par la curiosité, il avait développé une pratique murale de la gravure sur bois. Il a participé à de nombreuses expositions en Belgique et à l’étranger, notamment avec le projet Mécaniques Discursives en duo avec l’artiste vidéo Yannick Jacquet.
L’ensemble de l’atelier de Gravure et image imprimée et toute la communauté de La Cambre adressent leurs condoléances les plus sincères à Charlotte Marchand, son épouse, à ses enfants et à tous ses proches.
« La période que nous vivons est déjà particulièrement chargée - voilà que cette aberration vient maintenant mettre nos plaies à nu.
Temps suspendu, atmosphère pré- ou post-apocalyptique, cris et chuchotements, frôlements, souffles et murmures, bêtes hideuses et mutants pleins d'espoir : on se croirait dans une gravure de Fred.
Pourtant, on aurait tort de se laisser subjuguer par le découragement ou l'apathie. Il suffit de se rappeler la fabuleuse énergie de Fred, sa constante capacité d’émerveillement mâtinée d'un solide no-nonsense, son amour du métier, sa passion pour la gravure, les outils, les machines, et sa capacité à les subjuguer pour leur arracher des récits, des lambeaux de rêves, des images, des installations magiques...
Oui, il suffit de le laisser nous guider pour qu'on y croie plus que jamais (et ce "y" est exactement ce que vous voudrez qu'il soit).
Fred a été pour nous, professeur.e.s, un ami - et ici, je suspens tout qualificatif, car que sont les adjectifs face à ces trois lettres si belles, a, m , i ?
Nous trouverons ensemble, plus tard, les meilleures façons de lui rendre hommage. Dans l'intervalle, confinés, je vous suggère de lui allumer une petite bougie.
Pour celles et ceux qui l'ont mieux connu, n'hésitez pas à partager vos souvenirs.
Merci à vous toutes et tous.
Merci à toi, Fred. »
Jean Pierre Müller, responsable de l’atelier de Gravure et image imprimée
OPEN DOORS CANCELLED
OPEN DOORS CANCELLED
In the context of the coronavirus epidemic, the open days of March 20 and 21 at La Cambre are canceled. That said, the exhibitions planned from March 19, 2020 are maintained and open to the public as part of the promotion of the work provided by students and teachers.
If you wish to deepen your knowledge of the school for the start of the 2020 academic year, we encourage you to visit the various dedicated pages of our website (artistic curriculum and admission conditions). They will gradually be enriched with additional information in the coming weeks.
Thank you for your understanding
Organisée dans le cadre du partenariat entre les masters en dessin de La Cambre d'une part et de l’École supérieure des Arts de la Ville de Liège d'autre part, accueillie par FdG Projects, l’exposition Vrai/Semblance regroupe des œuvres de six étudiant·e·s, dont trois sont inscrit·e·s dans l’une des deux formations et trois dans l’autre. Leur rencontre s’effectue autour de la notion de vraisemblance, laquelle suppose l’existence de son corollaire, le faux semblant.
Toute image manifeste ce qui la constitue concrètement en même temps qu’elle donne une forme à ce qu’elle représente, ou à ce qu’elle évoque subjectivement à qui la regarde. Elle opère à la façon d’un leurre, c’est-à-dire d’un objet qui se fait passer pour autre chose qu’il n’est. Entre la matérialité et le contenu symbolique s’établit une tension. C’est à l’exacerbation de celle-ci que visent les œuvres exposées.
avec le soutien de FdG Projects by Frederic de Goldschmidt Collection
L’art de Van Eyck et la restauration de l’Agneau Mystique
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L’art de Van Eyck et la restauration de l’Agneau Mystique
MeetingPoint #18
Conférence à l'initiative de l'atelier de Conservation, restauration des œuvres d'art
Van Eyck est à l’honneur en cette année 2020. La restauration de l’Agneau Mystique des frères Van Eyck à Gand vient de connaître l’achèvement de la 2e phase sur les trois que compte le projet. Une exposition est également consacrée à Van Eyck au MSK de Gand, intitulée Van Eyck, Une Révolution optique (du 1er février au 30 avril 2020) qui permet d’admirer un nombre assez exceptionnel d’œuvres du maître.
L’atelier de Conservation, restauration des œuvres d'art de La Cambre, qui compte plusieurs restaurateurs ayant participé à cette restauration pour l’IRPA-KIK, se devait d’organiser quelque chose autour de l’évènement.
Laure Mortiaux et Marie Postec exposeront le travail de restauration déjà effectué sur les revers des volets (présents à l’exposition) et sur le registre inférieur du retable ouvert (à nouveau à la cathédrale de Gand), ainsi qu’une introduction à l’art de Van Eyck pour permettre à chacun.e d’apprécier pleinement l’exposition de Gand.
Conférence organisée en collaboration avec le Master en Gestion culturelle de l’ULB
Le talent est une notion malaisée à définir. D’abord employé comme un argument révolutionnaire d’émancipation individuelle, à la fin du XVIIIe siècle, pour promouvoir l’égalité des chances d’accès à toutes les carrières, le talent devint la signature de la méritocratie républicaine, et n’a pas cessé d’être l’enjeu de controverses sur les justes inégalités. Il est aujourd’hui la monnaie universelle de cotation des personnes et de la réussite dans les activités non routinières. Il veut aussi désigner chaque individu dans la singularité de ses capacités. Mais sa définition est instable et controversée. Est-ce le nom donné aux différences de capacité nées des interactions complexes entre la signature génétique des individus et la force de l’éducation? Un mythe qui masque le pouvoir de la motivation et de l’effort? Le levier d’une nouvelle technologie sociale et économique de mise en compétition des individus? Un moyen classique de concentrer l’attention sur une élite? Le passeport de la circulation mondiale des travailleurs très qualifiés? Des réponses théoriques et empiriques sont apportées par la sociologie, l’économie, le droit et l’histoire. Les domaines explorés sont ceux dans lesquels la recherche et la mesure du talent sont aussi obsessionnels que tâtonnants: les arts, les sciences, les sports, les carrières salariales et entrepreneuriales, l’innovation technologique et numérique.
Pierre-Michel Menger est Professeur au Collège de France, Directeur d’études à l’EHESS/École des hautes études en sciences sociales à Paris, et Directeur de la Revue française de Sociologie. Il est l’auteur, notamment, des ouvrages Le travail créateur. S'accomplir dans l'incertain (2009) et Portrait de l’artiste en travailleur. Métamorphoses du capitalisme (2003). Il a dirigé l’ouvrage Le Talent en débat paru aux PUF/Presses universitaires de France (2018).
Decolonizing the mind. We are the Other. est la cristallisation d’une thématique exploratoire et d’un temps de rencontre et de discussion entre artistes étudiant·e·s de La Cambre et écrivain·e·s étudiant·e·s de la Creative Writing Academy for Refugees & Asylum Seekers. Plus qu’un module académique, le projet WEDGE dans lequel l’exposition s’inscrit s’est esquissé autour des notions de frontières, de lisières mentales et géographiques et formalisé en laboratoire participatif, inclusif, collaboratif et fluide, renversant ainsi les méthodes coloniales où dogmes et doxa se figent en méthodes soustractives et impérieuses.
Exposition en extension au module transdisciplinaire WEDGE, projet protéiforme, co-animé et co-organisé par Sulaiman Addonia (fondateur de la Creative Writing Academy for Refugees & Asylum Seekers), et Esther Le Roy (Designer-typographe, enseignante à l’atelier de Typographie de La Cambre), et initié par Jean Pierre Muller (artiste et enseignant responsable de l’atelier de Gravure et image imprimée de La Cambre).
Par soustraction, on entend ici l’obsession normative, l’absolu de la définition, l’arbitraire de la délimitation qui, par le sang, les larmes et les instruments de mesure, caractérisent les entreprises coloniales. Le laboratoire WEDGE et ses extensions sont des territoires d’accueil, des lieux d’addition(s), où la polyphonie orchestrée à l’unisson s’efface au profit d’un brouhaha dissonant et fertile, où le monde se déploie en collectif(s) et en superposition(s). Aucune position n’y est stable ou acquise et les places y sont difficiles à prendre car jamais figées.
Decolonizing the mind. We are the Other. s’inscrit à la fois comme première manifestation autonome du projet WEDGE, mais également dans le Asmara-Addis Literary Festival in Exile fondé par Sulaiman Addonia, se déroulant les 27 et 28 février 2020 à Bruxelles (voir programme). L’évènement Cambrien propose un premier temps de rencontre le 28 février, avec une présentation des textes des étudiants de la Creative Writing Academy, une visite guidée des pièces produites par les étudiants artistes de La Cambre, et une table ronde autour des notions de frontières et de bordures, en écho aux thématiques révélées par les textes et productions exposés. Un second temps propose la prolongation de l’exposition les jours suivants (2-6 mars), avec une retranscription vidéo de la journée du 28 diffusée en plus de l’exposition des pièces des étudiants.
Institutions partenaires:
Commune d’Ixelles et Passa Porta
INFRA · Inclusive Network for Refugee Artists est un réseau destiné à favoriser l’intégration professionnelle et sociale des artistes en situation d’exil. Porté par six structures du secteur culturel et du spectacle vivant, il vise à accompagner ces artistes dans la création de liens professionnels avec le secteur culturel européen.
Ce projet est la réunion de quatre partenaires principaux, Latitudes Contemporaines (Lille, France), le Music and Drama Theatre (Tbilissi, Géorgie), le Teatro di Roma (Rome, Italie) et le Vooruit (Gand, Belgique), et de deux structures associées, l’École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre (Bruxelles, Belgique) et le MIR Festival (Athènes, Grèce).
INFRA · Inclusive Network For Refugee Artists est un projet accompagné par la Commission européenne dans le cadre de son programme de coopération internationale.
La Cambre développe son projet pédagogique et son programme de manière connectée aux enjeux du monde contemporain. La présence d’artistes réfugié·e·s au cœur de nos sociétés déplace nécessairement le curseur des préoccupations et des représentations, et oriente d’autres artistes initialement présent·e·s sur ce territoire d’accueil dans la manière dont ils et elles prennent position, esthétiquement ou politiquement. Ces frottements et ces effrangements sont nécessaires auprès d’un public de jeunes artistes étudiant·e·s en école d’art : de manière générale, et sur un plan contemporain de grandes tensions liées aux migrations en cours, La Cambre souhaite donc accueillir ces artistes réfugié·e·s ou déplacé·e·s en son sein par le biais des coorganisations de laboratoire dans le projet INFRA.
Benjamin Vandewalle a étudié à l’École Royale de Ballet d’Anvers et est gradué de P.A.R.T.S., à Bruxelles, en 2006. Il a très tôt intégré à son travail le thème de la perception. Il crée du mouvement – non seulement dans les corps des danseurs, mais également dans ceux des spectateurs. Son travail traite du partage de nouvelles expériences et perspectives avec le grand public.
Pour les performances Birdwatching (2009) et One/Zero (2011), il travaille en étroite collaboration avec l’artiste visuel Erki de Vries. En 2012, il quitte le théâtre pour s’aventurer dans l’espace public. Sa performance ambulante Birdwatching 4x4 est un must des festivaliers et critiques et a tourné pendant plusieurs saisons. Aujourd’hui, Benjamin tourne avec l’installation Inter-view (2013) ainsi qu’avec la chorégraphie sonore Hear (2016). Pour ces deux pièces, il collabore avec des groupes de participants locaux. Il travaille également sur plusieurs projets de performances et installations dédiées à l’espace public.
Benjamin Vandewalle s’intéresse de près à l’éducation de la danse et s’adresse à des enfants, des amateur.rice.s, des étudiant.e.s ainsi qu’à des professionnel.le.s. Il a été invité en tant que professeur au KASK et au MUDA et a également créé une chorégraphie pour Passerelle. (Courtrai, BE). Il a collaboré avec l’école de danse sud-africaine Niakaza, a dirigé le projet Comfusao au Mozambique et a accompagné un groupe d’étudiants en danse de P.AR.T.S., au cours d’un échange au Sénégal. En collaboration avec le philosophe Jan Cnops et un groupe d’écoliers de Molenbeek, il a réalisé les documentaires (un)usual et Movements.
Benjamin Vandewalle est artiste en résidence au Kaaitheater de 2017 à 2021.
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ALL INDETERMINACIES ARE ONE (titre provisoire)
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ALL INDETERMINACIES ARE ONE (titre provisoire)
1er rendu sonore dans le cadre d'un workshop proposé et animé par Théo Casciani, Vincent Dieutre et Pierre Rousseau,
à l'atelier des Écritures contemporaines de La Cambre
Ce workshop visera à questionner les relations de la littérature aux pratiques artistiques contemporaines, à cerner les moyens d’y fondre les principes d’autres disciplines et donc à ouvrir le texte à de nouvelles possibilités esthétiques, économiques et politiques par la création d'une pièce sonore cosignée par les trois intervenants et les membres de l’atelier. La semaine se dépliera d’abord autour d’œuvres contemporaines chères à chaque étudiant·e, qu’elles soient aimées ou détestées, qu’elles procèdent d’une culture légitime ou d’un corpus dit populaire, qu’il s’agira ensuite de faire exister textuellement sans se contenter de les citer ou de les montrer.
Informations complémentaires du workshop: voir pièce jointe à gauche
Exposition des projets des étudiant.e.s dans le cadre du module transdisciplinaire Master Fiction et Immersion
sous la direction d'Aleksandra Chaushova et Nikolay Nikolov
ÉCRIT-URE( S )
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ÉCRIT-URE( S )
Exposition des étudiant.e.s de Master du module Art(s) et écriture(s) inititié et organisé par François de Coninck, Alessandro de Francesco et Jean-Baptiste Carobolante.
Le module Art(s) & Écriture(s) est le lieu d’une double exploration. Celle des rapports entre le mot et l’image dans la création artistique contemporaine, d’une part ; celle du mot qui se fait image et de l’écrit qui se fait œuvre, de l’autre. Mais l’écriture et l’image ne sont pas toujours en relation d’amitié : dans le sillage de l’art conceptuel, le langage peut abriter un conflit productif à l’encontre de la domination de l’image et de la vision dans l’histoire de l’art aussi bien que dans les média et dans l’histoire de la perception en général. Si bien que l’écriture peut se configurer comme négation de l’image, comme alternative conceptuelle à la domination des images dans le monde contemporain, et c’est peut-être là aussi que se joue son importance pour le présent et le futur des arts.
L’intention est également de mettre l’accent sur les nouvelles formes de l’écrit dans l’art et le(s) rôle(s) que ces dernières sont amenées à jouer dans la réinvention du rapport entre écriture et arts plastiques. Le 21e siècle a vu en effet émerger et se multiplier de nouveaux supports de l’écrit charriés par les avancées technologiques : leur émergence et leur développement ont donné lieu à de nouvelles formes d’expression chez les artistes qui s’en sont emparés. Les mutations et les modulations contemporaines de l’écrit induisent de nouveaux usages, produisent des expérimentations inédites, élargissent des perspectives, suscitent des réflexions et des questions dont ce module voudrait se faire la caisse de résonance. Il s’agit de questionner, en l’explorant à partir de pratiques artistiques concrètes, la variété contemporaine des formes de l’écrit dans l’art.
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Out of Order
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Out of Order
MeetingPoint #16
Conférence de Julien Maire, à l'initiative de l'atelier de Photographie dans le cadre du workshop Micrographia
À travers ses installations et ses performances, Julien Maire sonde systématiquement les technologiques audiovisuelles. Sa recherche s’agrège en un manifeste hybride oscillant entre l’archéologie des médias et le développement d’une nouvelle constellation des technologies numériques. Ses productions se révèlent être de véritables prototypes, au sens étymologique du terme (du mot proto: "premier, forme primitive" et du mot tupos : "empreinte, marque"). En produisant des configurations technologiques uniques, il génère des images d’une qualité nouvelle.
En tant que prototypes industriels, ces créations originales, aussi ingénieuses et raffinées soient-elles techniquement, sont plutôt inutiles : trop complexes, trop délicates et trop maladroites pour être considérées pour la production en série. En tant qu'énoncés artistiques, la fonction principale de ces constructions grandeur nature est de provoquer un effet d'émerveillement, alertant le spectateur sur le statut ambivalent des images en mouvement produites par une machine.
Extrait de 'The productivity of the prototype- on Julien Maire’s Cinema of Contraptions', Edwin Carels - University College Ghent - Belgique
Julien Maire (né en 1969) travaille depuis le milieu des années 90 au croisement de plusieurs disciplines comme la performance, l'installation média et le cinéma, produisant des œuvres-performances live et hybrides.
Ses œuvres ont été présentées à Transmediale, Ars Electronica, Digital Art Festival, European Media Art Festival, Film Festival Rotterdam, Film Festival Oberhausen , Sonar, ZKM, ICC Tokyo, Empac, Powerstation Shanghai. Julien Maire à été le lauréat de la Biennale Update_2 en 2008 et finaliste du World Technology Award de New York en 2009; son travail s'est vu distingué par trois mentions d'honneur au Prix Ars Electronica.
Micrographia
La figure de Robert Hooke demeure encore largement méconnue en Europe. Il est cependant considéré comme le Léonard d’Angleterre : mécanicien, expert en optique, astronome et dessinateur hors pair. En 1665, il publie ce qui est à présent considéré comme le tout premier best seller scientifique, à savoir,: “Micrographia” ( Micrographie ) qui rassemble les gravures de ses observations faites au microscope et au télescope.
En utilisant des technologies DIY, des webcams transformées, le workshop propose de concentrer son regard sur des images micros et macroscopiques. Loin des prouesses et des technologies actuelles, il s’agira plutôt de renouer avec la fascination que pouvaient susciter les premières et empiriques observations de ce qui relevait du visible.
We are cyborgs.
We are trying to connect to each other.
Come into our cyborgian tale.
With sound let's invent a cyborgian language.
A new Sound Art and Experimental Music course was initiated at La Cambre - École Nationale Supérieure des Arts Visuels by Céline Gillain and Myriam Pruvot, in collaboration with Julia Eckhardt, Gerald K. Ian and Caroline Profanter.
The course proposes a special frame for listening, experimenting and reflecting around sound art, and in particular through the topic of the machine in relation to the body. The starting point of the course is Donna Haraway's 'Cyborg Manifesto'.
16 students will present their work at Q-O2 on Tuesday January 28th from 6 to 9pm:
Émilie Bedin, Jean-Baptiste Brueder, Raphaëlle Dogo, Maria Fraga, Paul Gérard, Fabien Karp, Hannah Kircher, Grégory Krigier, Timothée Lee, Mathilde Letombe, Ara Méndez-Murillo, Gabrielle Mogenet, Clémence Rogge, Estelle Saignes, Lucien Schubert et Louise Servan.
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Performances — Presque Fragile !
Performances — Presque Fragile !
Les étudiant.e.s du CASO Performance et arts du corps
Martin Bonnaz, Hugo Charpy-Puget, Zoé Couturier, Anjan, Clémence Didion, Telma Lemarchand, Alexandre Lorgnier du Mesnil, Nine Louvel, Sarah Minutillo, Pauline Morel, Alexane Sanchez, Yang Seojin, Anatole Tièche
présentent leurs travaux avec
Jacques André, Isabelle Bats, Claude Cattelain, Boris Dambly, Ophélie Mac, Antoine Pickels, Robin Pourbaix et Gaëtan Rusquet
Entrée
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Entrée
L’exposition Entrée en miroir est le résultat d’un module d’enseignement de 110 heures de recherches collectives qui s’adresse à 14 étudiant.e.s de l’atelier de Dessin de La Cambre.
L’enchevêtrement d’expériences dessinées révèle des indices particuliers d’explorations, de rencontres et d’échanges qu’ont pu vivre les étudiants dans le quartier Wielemens Ceuppens, Van Volxem et Pont de Luttre, à Forest. L’éclectisme des lieux, tant sur le plan architectural que social, les interpelle.
L’exposition de Gabriel Kuri Sorted, Resorted présentée au Wiels est le point de départ de leur enquête poétique et méthodique.
Accueillis au cœur du centre d’Art contemporain pour y établir l’atelier, les étudiant.e.s y engagent leurs recherches, esquissent les premiers témoignages et ébauchent leurs idées. Ils/Elles empruntent à l’artiste son organisation qui, par des procédés de collection, contraste, récupération ou amplification d’objets banals propose un regard polysémique sur l’échange. Si l’artiste explore le papier comme support de valeur et de trace d’activité, les étudiants choisissent d’en renforcer sa fragilité.
L’ancienne banque du quartier héberge la présentation de leurs expérimentations comme le résultat d’observations diverses et minutieuses. L’atelier devenu nomade a trouvé refuge, une seconde fois, à l’Antenne de quartier qui a remplacé le comptoir de finance.
Au croisement des trois avenues, les étudiant.e.s brassent et interprètent la réalité. Ils dévoilent les changements de modèles ; ils réinventent la vie et l’histoire d’un territoire précieux.
La jeune artiste Sandrine Morgante invitée par l’atelier de Dessin accompagne les étudiant.e.s dans ce module.
Ce projet est rendu possible grâce à la complicité d’Annabel Debaenst, reponsable pédagogique du Wiels, Anne Bocquet et Kévin De Bruyne à l’Antenne de quartier. Ce projet reçoit le soutien du Wiels, centre d'Art Contemporain, de Stéphane Roberti, Bourgmestre et Charles Spapens, Echevin de la Revitalisation des quartiers, dans le cadre du Contrat de Quartier Durable Wiels-sur-Senne.
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Exposition — Soutenance de thèse
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Exposition — Soutenance de thèse
Le corps et tant qu'archive de l'autre: appropriation, incorporation et transmission
Exposition et soutenance de thèse de doctorat en Art et sciences de l'art de Carolina Bonfim
Ce projet s'inscrit dans la poursuite de sa pratique artistique des dernières années, axée sur le corps et l’archive à travers une approche basée sur les arts visuels. Au moyen de différents média (photographie, vidéo, performance, texte, etc.), elle étudie les rapports entre identité, incorporation, archive immatérielle et transmission dans et par le corps.
C’est cet intérêt particulier pour la notion de corps en tant qu’archive qui l’a conduite à emprunter la voie du doctorat, comme chemin possible pour obtenir une compréhension plus vaste de la poétique de ce phénomène. Cette corrélation entre archive et corps est de plus en plus revendiquée, notamment par un certain nombre d’artistes qui considèrent le corps comme un réservoir de savoirs, voire un lieu d’héritage, et comme un véhicule capable de connecter passé, présent et futur. Que signifie archiver le corps ? En quoi cette opération diffère-t-elle de l’archivage d’objets et/ou de documents ? Comment penser un travail sur les archives à partir du corps, c’est-à-dire à partir d’un ensemble d’opérations et de méthodes qui n’aspirent pas nécessairement à l’authenticité ou à la fidélité ? Comment peut-elle montrer plastiquement des archives immatérielles ? Quelle est l’approche à adopter pour traiter les pratiques archivistiques de ce qui semble être « inarchivable » ? Telles sont les questions auxquelles elle va essayer d’apporter une réponse. À travers une pratique artistique singulière et autonome, elle va s’interroger sur la manière dont l’Autre peut être incorporé, archivé et transmis. Pour ce faire, elle a développé trois volets, trois propositions artistiques - 90 mouvements sur TECHNOGYM G6508D, Not himself, not herself, not itself et Laboratoire sur les manières de chercher, détruire, inventer, être et performer l'archive – qui constituent trois différentes approches du corps en tant qu’archive dans le but d’explorer différentes voies d’action.
Carolina Bonfim est une artiste et chercheuse née à São Paulo. Centrée sur la question des archives immatérielles, sa pratique se base sur le développement et la mise en œuvre de modes expérimentaux de transmission et de traduction. Au cours de ces dernières années, elle a mené à bien différents projets, qui ont en commun l’établissement d’un dialogue étroit avec la pensée critique. Elle a récemment exposé Not himself, not herself, not itself au Homesession Artspace (2019, Espagne). Ces travaux ont également été présentés à la Casa do Povo (2018, Brésil), au MARCO - Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (2017, Espagne), au Centre national de danse contemporaine d’Angers (2016, France), au Museo de Arte Contemporáneo del Sur (2017, Argentine), à la Fundació Miró (2015, Espagne), à la Galerie A Gentil Carioca (2014, Brésil), au Lugar a dudas (2014, Colombie), entre autres.
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ENTERING THE EDEN HOTEL
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ENTERING THE EDEN HOTEL
Views on a territory imprinted by the fabrication of a brain.
An artistic research initiated by Cédric Noël, with Mira Sanders, Joachim Olender, Laure Cottin Stefanelli, Benoît Dusart, Anaïs Chabeur and Raymond Balau.
Since 2013, the Hotel Eden in Geneva is the neighbour of an imposing Campus that is dedicated to biotechnology, housing the projects Blue Brain and Human Brain (the last one endowed with a European subsidy of 1 billion euros). Their joined goals are the cartography of the brain and the creation of a synthetic brain through the simulation of the cerebral functions. Against the background plays violent criticism of the international scientific community, the global race in Artificial Intelligence and the dream to commission an artificial human brain.
In a residency dynamic, we will study the projection of this brain on the Geneva neighbourhood of Sécheron. The challenge is to reveal a phantom as well as addressing a state of affairs of our relation to that fabrication. The Hotel Eden (both hotel and Eden), as intermediary, will orientate the research from the point of view of its structure and the treatment of the in situ investigations.
Participants: Cédric Noël, Mira Sanders, Joachim Olender, Laure Cottin Stefanelli, Benoît Dusart, Anaïs Chabeur, Raymond Balau, Pauline Hatzigeorgiou, FieldStation Studio (Corneel Cannaerts & Michiel Helbig), La Cambre Urban Space Dept. students.
Retour sur la création d’un livre collectif Art / Littérature / Philosophie : La Besogne des Images
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Retour sur la création d’un livre collectif Art / Littérature / Philosophie : La Besogne des Images
MeetingPoint #15
Retour sur la création d’un livre collectif Art / Littérature / Philosophie : La Besogne des Images
par Léa Bismuth
Conférence à l'initiative de l'atelier des Écritures contemporaines
Extrait du livre dont elle a assuré la direction et qui est paru en Mai 2019 aux éditions Filigranes : On voudrait tout mettre dans un livre. Faire quelque chose du chaos du présent. Nécessité, labeur, labour, tâche soucieuse qui roule d’âge en âge. Des images chuchotent à nos oreilles. Certaines ont une force d’impact, d’autres restent en travail. À partir d’elles, une forme inassignable s’annonce. Une écriture. Une affaire de main et de regard, de corps éprouvés et de paysages à réinventer, de montage et de résistance aux flux. Sur le métier. La besogne des images.
Émission rendant compte de l'ouvrage : Par les temps qui courent de Marie Richeux sur France Culture cliquez ici
Léa Bismuth est autrice, critique d’art, et commissaire d’exposition. Elle collabore très régulièrement avec artpress depuis 2006, et a publié des textes dans de nombreux catalogues. Sa pratique de commissaire d’exposition mêle littérature et art contemporain, et explore les possibles d’une écriture de l’exposition, de l’essai au récit. C’est dans cette perspective qu’il faut appréhender le programme de recherche curatoriale qu’elle a initié : La Traversée des Inquiétudes (d’après Georges Bataille, de 2016 à 2019, à Labanque de Béthune). Elle a également été commissaire d’exposition pour Le BAL, Les Tanneries, Le Drawing Lab, Les Rencontres d’Arles, Le musée Delacroix, L’Association Man Ray… Elle se tourne de plus en plus vers l’objet-livre, menant à la parution de La Besogne des Images (2019, Editions Filigranes). Et prépare une thèse de doctorat depuis 2017 sur « le passage à l’acte de l’écrivain », à l’EHESS.
Avec le soutien de la Fondation Thalie
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Drawing and practice
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Drawing and practice
MeetingPoint #14
Drawing in Practice
Présentation du travail de Philippe Vandenberg par Johannes Muselaers.
Conférence à l'initiative de l'atelier de Peinture
Johannes Muselaers est titulaire d’une Maîtrise en histoire de l’art de l’Université catholique de Louvain. Spécialisé dans les domaines de l’iconologie, de l’herméneutique et historiographie, il a consacré sa thèse à l’émergence de la théorie picturale de Georges Didi-Huberman. Depuis 2017, il travaille pour le Philippe Vandenberg Foundation, où il est responsable des archives et de la recherche.
MeetingPoint #13
Postures et Impostures par Franck Apertet (les gens d’Uterpan)
Rencontre à l’initiative du CASO Performance et Art du corps
Franck Apertet, qui signe avec Annie Vigier sous le nom les gens d’Uterpan, évoquera durant cette rencontre plusieurs exemples de leur pratique artistique, qui questionne les normes et les conventions régissant l’exposition et le spectacle vivant.
https://www.lesgensduterpan.com
Franck Apertet est associé depuis 1994 avec Annie Vigier sous le générique les gens d’Uterpan. Les gens d’Uterpan constituent une œuvre critique à partir d’une pratique initiale de chorégraphes. Leur réflexion opère par le déplacement et la recontextualisation de procédés d’action ou de monstration propres au champ des arts plastiques et au spectacle vivant. Ils traitent chacune des étapes constituant la pratique de l’artiste et renvoient une responsabilité au visiteur, au commanditaire et à l’institution dans leur travail. Leurs pièces sont montrées dans des centres d’arts, des musées, des festivals ou biennales, des espaces théâtraux, et dans l’espace public.
Annie Vigier et Franck Apertet (les gens d’Uterpan) sont représentés par la galerie Salle Principale (Paris).
Le cycle VOSTOC - implémenté en 2019 par l’équipe du Centre - dédié à l’art de la performance et inauguré par une collaboration avec le Festival Trouble (Bruxelles) - revient pour un second opus signé par la performeuse et curatrice: Lola Meotti.
L’idée motrice de cette carte blanche intitulée Activities est de réunir des artistes autour de la question du collectif, du travail et de la place de l’individu dans notre société.
Performances, musiques, installations, discussions « fictionnées », autant de mises en place d’espaces de réflexions pour tenter de prendre ensemble du recul par rapport au rythme endiablé que nous impose notre économie.
Au programme, trois temps forts, au cours desquels le spectateur sera, selon son désir, déambulant, acteur, observateur.
Carole Louis, (sculptrice, céramiste, actrice de ses propres installations) sait rire et pleurer de ses constats d’un monde dont nous sommes tous acteurs. Carole Louis flirte avec nos faiblesses en créant des atmosphères dont on se sent partenaires souriants mais aussi citoyens démunis. Ici elle nous propose un voyage (trop) organisé.
Zoé Dubus et Antoine Garrec, unissent leurs talents en recréant un monde satirique, entre le "team building" et le combat solitaire d’un romantique en perdition. Zoé Dubus crée décors interactifs de paysages dévastés et Antoine Garrec, au synthé, nous raconte sa solitude et sa quête sans fin d’une love story fantasmée.
Luce Goutelle offre au spectateur la possibilité de se raconter, d’opter avec la légèreté de la fiction un point de vue sur la notion de burn out.
Une soirée de constat de l’apocalypse et de potentielle réhabilitation pour un nouveau monde!
Une exposition de dessins du cours de narration visuelle et de communication graphique de La Cambre. Ils mettent en lumière des pensées, des récits, des poèmes, des informations...
Quand le trait de la main rencontre le trait d'esprit en toute humanité.
Benoît Bodhuin is a graphic designer, type designer and teacher. An undecided career path – first mathematics then graphic design – a free practice and an interest in typography define him. Curious about everything, his favourite fields are the drawing (and customisation) of typefaces, graphics and everything else.
David Bennewith is a New Zealand-born graphic designer and design researcher based in Amsterdam. Under the name Colophon, he works on research and commissioned projects focused on type-design and typography. He has done extensive research into New Zealand type design, particularly the work of Joseph Churchward, publishing a monograph on him in 2009. Bennewith was a professor in the Communication Design Department of the Staatliche Hochschule für Gestaltung Karlsruhe, 2013-2015, and, since 2015, is head of the graphic design department at the Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam.
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Territoires
Territoires
40 ans de dessin à La Cambre
Dessins de Jérôme Bonvalot, Anne Marie Finné, Pierre Lahaut, Clara Marciano, Nikolay Konstantinov Nikolov et Emmanuel Tête
La Cambre célèbre les quarante ans d’existence de son atelier de dessin avec une exposition d’œuvres de cinq artistes issus du cursus associé, réunies autour d’un grand pastel de Pierre Lahaut, fondateur de l’atelier. Tous ces dessins se présentent comme des territoires invitant à une déambulation du regard et manifestant une dimension temporelle prégnante.
Une dizaine d'étudiants de 1e et 2e années bachelors section Sculpture de La Cambre (Ecole nationale des arts visuels à Bruxelles - professeur : Johan Muyle) sont en résidence et atelier au Centre culturel depuis le 13 octobre. L'exposition de leurs travaux se tiendra du 19 au 24 octobre.
Les réalisations de l’étudiant(e) sont vidéographiques, sculpturales, de l’ordre de l’installation ou de la performance, et prennent la forme d’objets, d’assemblages, de dessins,... toutes formes reconnaissables comme appartenant aux pratiques contemporaines de l’art.
Vernissage le samedi 19 octobre de 15h à 20h et performance "Van Der Keuken" sur le kiosque à 16h. Possibilité de restauration au Bistro à partir de 18h.
Soirée ROCK Circus sous le chapiteau Decrollier à 20h.
PLAYGROUND
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PLAYGROUND
Première commande publique d'Édouard Pagant, diplômé 2018 de l'atelier d'Espace urbain.
Édouard Pagant (1987) a réalisé une intervention permanente sur l’ensemble des 1000 m2 de la cour de récréation de l'école communale « Les Rives du Hain » à Braine-le-Château. Cette commande publique a été conçue et réalisée sur base de nombreux échanges entre Édouard Pagant et la classe de cinquième dirigée par Aurélie Tamignau. Sur une période de deux ans, un processus avec ateliers participatifs a conduit à une réalisation intégrant le foisonnement d’idées portant sur trois ensembles : la végétation, deux modules de jeu et la peinture du sol. Cette démarche fortement contextuelle et ancrée dans la pédagogie, a fait appel à l’écoute, à l’observation, aux échanges, mais aussi au repérage, aux tests, et au dessin, pour arriver à la formulation claire d’un projet ancré dans la matière venant des élèves et traduite en réalités tangibles dont l’attrait visuel a plusieurs niveaux de lecture.
C’est une première pour La Cambre qui présente, entre autres, les éditions des masters 2019: Abigaël Huyard, Charlène Mao (dont l’édition a été acquise par Les Amis de La Cambre), Sean Tay qui activera son édition/masque performative, et Marie Theurier.
Pour son 4e projet, le réseau ECART a consacré son expérience de travail collectif à la thématique Architectures céramiques, de la structure à l'ornement. Ce projet réalisé au Portugal en collaboration avec l'IPVC à Viana do Castelo, s'inspire parfois du patrimoine local, s'adaptant aux conditions de réalisation et aux contraintes de temps, en développant une réflexion autour de la question de l'architecture et de la céramique.
Le réseau ECART, pour European Ceramic Art & Research Team, rapproche cinq écoles supérieures d’art afin de réfléchir et de travailler autour de problématiques diverses questionnant la céramique comme médium, tant dans le champ de l’art que dans celui du design.
La Haute École d’Art et de Design – CERCCO, Genève,
L’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, Bruxelles,
L’École Nationale Supérieure d’Art de Limoges,
L’École Supérieure dʼArts Plastiques de la Ville de Monaco – Le Pavillon Bosio,
L’École Nationale Supérieure d’Art de Nice – La Villa Arson.
Conférence à l'initiative du cours d'Illustration mené par Pascal Lemaître
Kianoush Ramezani, dessinateur de presse iranien, l'exil au nom de la liberté d’expression.
Artiste et militant Iranien, Kianoush Ramezani [KIANOUSH] vit et travaille en exil en tant que réfugié politique depuis 2009 à Paris. Ses dessins apparaissent régulièrement dans l’hebdomadaire Courrier International et d’autres médias nationaux et internationaux en France et d’autres pays tels que le Guardian, Le1, Arte, Iran Human Rights, La Croix etc. Il donne des conférences dans les centres culturels et éducatifs en France, en Europe et les autres pays du monde depuis 2010. Il a choisi Cartooning : l’art de danger pour son discours TEDx en 2014, quelques mois avant l’attaque terroriste contre Charlie Hebdo.
Kianoush est le président fondateur de United Sketches l’association internationale pour promouvoir la liberté d’expression et soutenir les caricaturistes en exil.
Il est l’auteur du livre Journal intime de la Terre, publié en 2018.
Belgium is Design is pleased to present TEXTILES REVEALED, introducing the work of 11 contemporary Belgian textile designers to an American audience. As part of the fourth annual New York Textile Month, the exhibition is curated by Lidewij Edelkoort and Philip Fimmano.
Designers:
Alice Leens
BedrossianServaes
Chevalier Masson en collaboration avec Diane Steverlynck et Erwin de Muer
Christoph Hefti
Decluuz by Luc Druez
Geneviève Levivier
Krjst Studio
Education, material knowledge, research, innovation, technology and production methods, not to mention ecological, ethical and social awareness, are all reflected in TEXTILES REVEALED. The works on show range from imposing installations and sustainable furniture to instinctive wallhangings and textural rugs. As Edelkoort explains, "The exhibition upends preconceived notions of traditional Belgian textiles – often limited to the country's centuries-old linen heritage – instead unraveling an exciting thread among designers from the region. Tufting, felting, digital jacquards and coiling are just some of the techniques employed by a new generation redefining the boundaries of textile creativity."
New York Textile Month represents the ideal showcase for such creativity. From unique collectible pieces to commissioned interior works, textiles are very much a part of contemporary Belgian design.
Although regularly exhibiting at leading design events in Europe, TEXTILES REVEALED is Belgium is Design’s first venture in the United States and the first time it has focused exclusively on textiles. The event offers great opportunities for the selected artists and designers to connect with the America’s dynamic galleries, collectors, interior architects and designers.
Yoel Pytowski, ancien étudiant du cursus en Dessin, diplômé en 2012, a remporté le premier prix du concours Art Contest et Mostafa Saifi Rahmouni, diplômé 2016 du cursus Sculpture, a, quant à lui, gagné le troisième prix.
L’exposition des travaux des lauréats se tient à l’immeuble Vanderborght, 50 rue de l’Écuyer, 1000 Bruxelles, jusqu’au 11 octobre 2019.
Artagon Live
Artagon Live
Artagon Live vous invite en immersion au cœur de la jeune création européenne le temps de 13 soirées composées de performances, d'installations interactives, de projections vidéo, d'œuvres sonores, de conférences, d’ateliers, de concerts et de DJ sets. L’événement rassemble 50 jeunes artistes déjà présentés par Artagon, ainsi que des collectifs et des musiciens originaires de tout le continent.
Entièrement dédié aux pratiques artistiques spontanées, éphémères et performatives, Artagon Live expérimente un nouveau format, entre l’exposition, la résidence d'artiste et le festival. Un laboratoire qui donne à voir l’art en train de se faire, tout en le faisant dialoguer avec les musiques actuelles, la fête et les préoccupations qui animent la jeunesse en Europe. Ces soirées ont pour écrin la Villa Radet, maison chaleureuse et intimiste entourée d’un vaste jardin, second site parisien de la Cité internationale des arts niché au cœur de Montmartre, berceau historique de la bohème et des avant-gardes.
avec entre autres : Ani Bedrossian (diplômée 2016 de l'atelier de Design textile) et Jonas Möenne (diplômé 2018 de l'atelier de Céramique).
Résidence Large Scale
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Résidence Large Scale
Gaëlle Leenhardt, diplômée 2012 de l'atelier de Sculpture, a été choisie à l’unanimité par un jury franco-américain comme lauréate de la première édition de la Résidence Large Scale, à Marfa / Texas, qui se déroulera d’octobre à décembre 2019.
Créée en 2019 par le service culturel de l’Ambassade de France à Houston et l’Association Fénelon Beaux-arts (Nantes-France), cette résidence artistique de deux mois axée sur la recherche et l’expérimentation offrira à Gaëlle Leenhardt un espace de travail pour développer de nouveaux projets et favoriser le développement de sa pratique artistique. Choisie parmi 61 candidatures par un jury franco-américain, l’artiste recevra une bourse de 6000 US$ et sera logée dans un espace de résidence et de création situé à Marfa.
Benoît Hennaut, directeur,
Kevin Saladé, directeur adjoint,
ont le plaisir de vous inviter à la séance académique de rentrée.
Présentation de Queen Musclée, projet initié dans le cadre de la première session du certificat en Danse et pratiques chorégraphiques
Un projet de Louise Buléon Kayser assistée d'Allison Faye avec Rim Cividino, Camille Da Silva, Alix Merle, Livia Vincenti, Agnes Valovics
Discours de rentrée
Réception dans le Patio du 14 Abbaye de La Cambre
Le certificat en Danse et pratiques chorégraphiques est organisé en partenariat avec Charleroi danse, l’INSAS/Institut Supérieur des Arts du Spectacle, Conservatoire Royal de Bruxelles et l'UO / Université ouverte de la Fédération Wallonie-Bruxelles, en collaboration avec la filière en Arts du spectacle de la Faculté de Lettres, Traduction et Communication de l’Université Libre de Bruxelles.
La rentrée académique aura lieu le lundi 16 septembre.
11h00 — Accueil des nouveaux étudiants Master (Auditoire Stynen, 21 Abbaye de La Cambre)
12h30 — Rentrée académique 1re année : accueil à l'auditoire Stynen (21, Abbaye de la Cambre)
14h00 — Rentrée académique B2 > M2 (dans les ateliers)
16h00 — Accueil organisé par le Conseil des étudiants (Patio, 14 Abbaye de La Cambre)
18h00 — Rentrée académique de l'Atelier des écritures contemporaines (Bibliothèque, 21 Abbaye de La Cambre)
The aqueous environment and solvents for treatments on works of art on paper application to documents, ancien art and contemporary art by Paolo Cremonesi, Conservation Chemist and Letizia Satto, Conservator.
The ENSAV La Cambre invites Paolo Cremonesi, Conservation Chemist, and Letizia Satto, Paper Conservator, for a four-day intensive workshop addressing conservator-restorers and conservation scientists.
The purpose of this workshop is to acquaint participants with the formulation of aqueous and solvent mixtures for the treatment of artworks on paper.
Number of participants :
• Day 1 & 2 (lectures): maximum 120 participants - Open to all conservation professionals, all fields of specialization
• Day 3 & 4 (practical applications): maximum 20 participants – Priority is given to paper conservators
Registration fee (coffee, tea & lunch included) :
• 2 days Lectures (day 1 & 2): € 95 (student outside La Cambre : € 30)
• 4 days Lectures + Practical applications: € 650, including all materials & lunch
Target group : conservator-restorers and conservation scientists
Application requirements: basic notions of chemistry are recommended.
Priority will be given to Paper Conservators for the four-day workshop
Program :
First Day (4th November)
9:00 – 13:00 and 14:00-18:00, Lecture, Cremonesi
Properties and mode of action of water. The aqueous environment: pH, acids and bases, buffers. Ionization, dissociation and hydrolysis. Salts and solubility. Ion concentration, conductivity and related processes: ion diffusion and osmosis. Hypo-, iso- and hyper-tonicity of aqueous solutions. Auxiliary ‘active principles’: surfactants and chelators, classification and mode of action. Gelling materials: polysaccharide-based and polyacrylic acid derivatives. Thermo-reversible gelling materials. Classification and mode of action of hydrolytic enzymes.
Classification and properties of organic solvents. Volatility, diffusion and solving power. The issue of toxicity. The solubility parameters. A gradual approach to solubility of film-formers: the solubility test. Siloxanes in free and gelled form. Temporary hydrophobization of water-sensitive surfaces
Second Day (5th November)
9:00 – 13:00 and 14:00 – 18:00. Practical Session, Cremonesi.
Preparation of aqueous solution and solvent mixtures in free and gelled form. Measuring surface parameters (pH and conductivity).
Third Day (6th November)
9:00 – 13:00 and 14:00 – 18:00. Practical Session, Satto
Aqueous and solvent treatments on selected case studies.
Fourth Day (7th November)
9:00 – 13:00 and 14:00 – 18:00. Practical Session, Satto
Aqueous and solvent treatments on selected case studies.
Registration :
For the 2-day program (day 1 & 2):
Registration is compulsory and is only valid after receiving your payment.
Please use the registration form: Click here
For the 4-day program :
Please use the attached application form: Click here
Don't forget to specify : workshop Cremonesi 2 days + your name OR workshop Cremonesi 4 days + your name
ENSAV – La Cambre
Abbaye de La Cambre, 21
B – 1000 Bruxelles IBAN : BE67 0912 1205 7587
BIC : GKCCBEBB
>>> For the 4-days workshop <<<
The selection of the 20 professional participants will be made at the end of September.
Only application forms received before September 27th will be taken into account.
Notification will be done on the acceptation to the program end September.
Final registration will only be confirmed upon reception of the payment before October 15th.
If not accepted to the program, you will be automatically included on a waiting list and you can still participate to the 2-day program.
Contact :
Marie Postec, art restorer and head of program Fine Art Conservation at La Cambre
marie.postec@lacambre.be
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Rétine
Rétine
Roman écrit par Théo Casciani, ancien étudiant de la formation en Écritures contemporaines, paru le 22 août 2019 aux Éditions P.O.L
En annexe, quatre pages dans Le Vif/L'Express sur l’enseignement de l’écriture en université et école d’art, avec une focale sur l'Atelier des Écritures contemporaines de La Cambre et Théo Casciani.
Exposition collective — Beaux-Arts de Paris et La Cambre
8 jeunes diplômé.e.s sélectionné.e.s par un jury constitué de collectionneurs, de représentants des Beaux-Arts de Paris, de La Cambre et du Centre Wallonie-Bruxelles Paris et ce parmi plus de 30 candidatures.
Exposition avec entre autres: Antoinette D'ansembourg (atelier de Peinture), Camille Lavier (atelier de Sculpture) et Benoit Jacquemin (atelier de Photographie).
Paysages de formes
21e édition de L'art Chemin Faisant
avec entre autres :
Marion Beernaerts, enseignante en Design industriel
Lisa Egio et Elliot Kervyn, respectivement diplômés de l'atelier d'Espace urbain en 2015 et 2017.
All in One, c’est l’occasion exceptionnelle de découvrir la totalité des travaux des quelques 80 étudiant.e.s de La Cambre présentant leur jury de fin d’études (M2) en juin 2019. Un parcours à vivre au singulier comme au pluriel. Au singulier, ces 80 projets doivent être envisagés comme autant de solo-shows dans cet immense group-show, manifestations d’une identité personnelle et unique. Au pluriel, c’est l’identité collective de l’école qui s'offre dans toute la diversité de ses énergies et de ses expressions. All in One, c’est ainsi l’objectif d’un One in All dans l’individualité comme dans la globalité.
Showroom 2 — 3 — 4 — 5
Horaires du 15 au 28 juin :
du mercredi au dimanche de 12h à 20h
Ouverture non-stop du samedi 29 juin à partir de 12h jusqu’au dimanche 30 juin, 22h (dans le cadre du Festival KANAL)
Les jurys de Master s'y tiendront du 11 au 25 juin.
Les visiteurs qui souhaitent assister aux jurys à KANAL — Centre Pompidou doivent se présenter impérativement à 10h, au 7 quai de Willebroeck, 1000 Bruxelles.
Partenaire : KANAL — Centre Pompidou
Avec le soutien de la Ville de Bruxelles et de la Fédération Wallonie-Bruxelles.
Exposition des professeurs de l'atelier de Photographie de La Cambre :
Hervé Charles, Hichem Dahes, David De Beyter, Lot Doms, Jean-Frédérique de Hasque, Marie Le Mounier, Lola Meotti, Paolo Pellizzari, Philippe Terrier-Hermann et Olivier Thieffry.
Yanick Lahens - conversation avec Nathalie Skowronek
Yanick Lahens - conversation avec Nathalie Skowronek
L'Association des Amis de La Cambre (ENSAV),
L'ENSAV La Cambre,
Le Ministère de la Culture et de la Communication de la République d'Haïti,
ont l'honneur et le plaisir d'accueillir Yanick Lahens, écrivaine, lauréate du prix Femina 2014, professeure au Collège de France à la chaire des Mondes francophones, pour une conversation avec Nathalie Skowronek, écrivaine, collaboratrice éditoriale et professeure à l'Atelier des Ecritures contemporaines à La Cambre.
Trouble #10 — Festival de Performance
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Trouble #10 — Festival de Performance
Dans le cadre du festival, participation d'étudiant.e.s de La Cambre aux pratiques artistiques variées. Les plus passionné.e.s montrent leurs travaux dans des endroits volontiers inattendus. Attention, fragile : à voir avec empathie, mais aussi avec émotion et audace probables...
avec entre autres : Louise Charlier, Anita de Laforêt, Sarah Korzec, Mathieu Locquet, Estelle Saignes, Alexane Sanchez, Emily Worms.
TROUBLE est depuis 2005 le rendez-vous international de la performance à Bruxelles. Après neuf éditions dans différents lieux (Halles de Schaerbeek, La Bellone, Bozar, ISELP, Bains : Connective, espace public...), et une parenthèse de quelques années, le festival revient dans un format plus convivial. C’est le Studio Thor – le lieu occupé par la compagnie du chorégraphe Thierry Smits – qui en sera l’épicentre désormais.
Production et organisation
Cie & Studio Thor | Thierry Smits
En partenariat avec
Bozar Performing Arts
L’ENSAV-La Cambre
Le master en arts du spectacle vivant de l’ULB
Radio Panik
L’Unité Pastorale Les Coteaux
Le Lycée Guy Cudell
Avec l’aide de
la Fédération Wallonie-Bruxelles
Service public francophone bruxellois
Wallonie-Bruxelles International
La Commune de Saint-Josse
Spain Arts & Culture / Service culturel et scientifique de l’Ambassade d’Espagne en Belgique
visit.brussels
l’Institut français
Comment archiver les gestes, quel est le geste qui organise et décide de l’archive ? À travers ces deux questions, posées comme en miroir l’une de l'autre, Sophie Berrebi poursuit une réflexion sur le document et l’archive entamée dans le livre The Shape of Evidence. Contemporary Art and the Document (Amsterdam, 2016). La manière dont Fiona Tan, filme les corps et s’attache aux gestes, dont elle présente et représente l’archive dans ses installations, films et textes est un prisme dans lequel la question du corps dans l’archive, celle des protocoles d’archivages et la mémoire de l’éphémère se diffractent et se réfléchissent.
Sophie Berrebi (PhD du Courtauld Institute of Art, Université de Londres, 2003), est une écrivaine et universitaire née à Paris. Auteure de The Shape of Evidence, Contemporary art and the document, (Amsterdam, 2015), Dubuffet and the City: People, Place and Urban Space (Zürich, 2018), elle est également l’éditrice de Hubert Damisch, Jean Dubuffet, Textes et Correspondances, 1961-2001 (Paris, 2016). Elle a publié de nombreux articles d'histoire de l'art et critiques d'art contemporain. Elle enseigne à l'Université d'Amsterdam et est curatrice d’expositions. Elle a reçu des bourses des institutions suivantes : Getty Research institute, Terra Foundation for the Arts, Netherlands Institute of Advanced Studies (Amsterdam), Research Center for Material Culture (Amsterdam).
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Winner of the Digital Image Prize
Winner of the Digital Image Prize
Brieuc Dufour (Master Print) is the winner of the Digital Image Prize organized by the Centre de la Gravure et de l’image imprimée in La Louvière.
Transhumanism was the theme for the contest this year.
“Île Noire”, Brieuc's superb print, has convinced the jury.
Go see it before September 8th!
After Lyon and Strasbourg, Rennes is hosting the third edition of the Exemplaires Biennale, an event created by the teams of the Graphic Design departments of thirteen art and design schools and universities to highlight the exemplary nature of French-language editorial production. It is the first participation of La Cambre type media department.
After a research project to identify a specific theme, each group selected a set of six "exemplary" French-language books published over the past five years. The notion of exemplarity concerns not only the graphic appearance of the works, but also the process of elaboration, contemporary inscription and the relationship between form and content. A publication published by each school retraces the progress of each team.
The selected works are presented in an exhibition that articulates these diverse perspectives on contemporary publishing. A conference during which nine speakers (graphic designers, artists, art critics, exhibition curators or publishers) discuss these same questions, in relation to the selections and themes selected. Several exhibitions and parallel events, testifying to a particularly active Rennes scene, make it possible to broaden and open up reflection on editorial practices.
See www.exemplaires2019.fr.
The participation of the masters of La Cambre type media department is crystallized around comic strip books, taken from the angle of the object. More information on lacambretypo.be/exemplaires2019.
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Le bien, le mal et le très mal
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Le bien, le mal et le très mal
Exposition de Léa Belooussovitch, diplômée 2014 de l'atelier de Dessin, Maxence Mathieu, Mostafa Saifi Rahmouni, diplômés 2016 et Gabrielle Lerch, diplômée 2018 de l'atelier de Sculpure.
L’exposition interroge le rapport qu’entretient l’artiste entre la fiction et la réalité dans son travail. Le lieu d’exposition n’est plus un simple support pour l’art, mais se construit, bouleversé par les intentions plastiques qui décuplent son potentiel narratif, suggérant des réels différents, proche d’une atmosphère de studio de cinéma. Les propositions plastiques respectives s’approprient et transforment l’espace par le biais de la photographie, de la retouche photo, de la vidéo, de l’installation et de l’intervention in situ.
Exploration des modes d’édition du texte hors du livre.
Restitution du workshop de Fabrice Reymond avec l’Atelier des écritures contemporaines de La Cambre et les étudiants de l’école Nationale supérieure d’arts de Paris Cergy.
Fabrice Reymond est écrivain et artiste.
Il a co-dirigé Art conceptuel : une entologie en 2008. Il est l’auteur de Nescafer.dvd édité aux Laboratoires d’Aubervilliers en 2002, d’Anabase en 2009, de Canopée en 2012, de L’eau se rappelle la cascade en 2015 aux éditions Mix, et de A l’opéra derrière un poteau en 2015 chez post-éditions.Seul ou en collaboration il adapte régulièrement ses textes sous forme de film, de performance ou d’exposition.
fabrice.reymond.free.fr
De l'art et du numérique
(de l'un de l'autre et de leur rencontre...)
Présentations, réflexions et discussions sur les croisements entre art et numérique dans le contexte pédagogique de l’école de La Cambre et plus largement dans le monde de l’art et de son enseignement.
Cette journée d’étude sera animée par les enseignants et les étudiants, rejoints par une palette d’invités belges et étrangers, experts dans les domaines concernés.
Le programme s’organise autour de 3 thématiques complétées par une table de discussion sur les rapports entre pédagogie et numérique dans une école supérieure des arts, et s’achèvera par une synthèse critique des éléments abordés au cours de la journée.
• La première thématique intitulée Pratiques déviantes et libertés logicielles abordera les pratiques amateures déviant les normes logicielles de l'industrie, que les pratiques numériques en écoles d'art questionnent jusqu’ici assez peu. Quelles situations d'apprentissage peut-on développer avec ces processus révélant leur complexité infinie, à considérer désormais comme de véritables outils à penser ?
• La deuxième thématique, (Block)chain of Love, explorera comment les artistes peuvent s’emparer de la blockchain pour la transformer en un médium artistique, après avoir replacé cette nouvelle technologie sous-jacentes aux cryptomonnaies dans un contexte politique et sociétal plus vaste qui est celui des communs.
• Enfin, sous le thème Algorithmes et Big Data : une exigence de compréhension, nous questionnerons la place du sensible dans un univers de méga-données brutes aux individus rendus transparents et confrontés aux boites noires d'un monde de plus en plus opaque, frappé par la généralisation de la calculabilité.
À l'initiative du Bureau Commercial et du Tourisme du Pérou en Belgique et en collaboration avec La Cambre Mode/s/, MAD présente les "Alpaca Awards Brussels 2019".
Le concours récompensera un(e) étudiant(e) de 2e année de l'atelier de Stylisme et création de mode avec un voyage d'un 1 mois dans l’école de Chio Lecca près de Cusco pour comprendre, travailler et échanger avec les artisans locaux en plus d'une bourse de 1000€.
« Faut-il restituer aux pays d'origine les œuvres d’art acquises dans les colonies ? »
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« Faut-il restituer aux pays d'origine les œuvres d’art acquises dans les colonies ? »
Le Président français Emmanuel Macron a relancé la polémique au sujet de la restitution des œuvres d'art spoliées durant les colonies.
La restitution des œuvres d'art aux anciens pays colonisés ou celles qui ont été acquises de manière forte concerne tous les pays européens et de nombreux musées. En cas de retour total, certains grands musées pourraient fermer tout simplement leurs portes: exemple le Quai Branly-Jacques Chirac à Paris, le Musée Égyptologique de Turin, le Musée Royal d'Afrique Centrale à Bruxelles... D'autres devraient rendre de nombreuses pièces essentielles de leurs collections: Le Louvre avec la Venus de Milo ou la Victoire de Samothrace, le Neues Museum à Berlin avec la tête de Néfertiti, le British Museum et les frises du Panthéon ou la Pierre de Rosette....Sans oublier que de nombreuses collections privées seraient touchées.
Étienne Clément a été en charge de ce dossier à l'UNESCO et est donc l'un des meilleurs spécialistes du sujet au monde. Juriste de formation (ULB), il a dirigé l’Agence Asie-Pacifique de l’UNESCO en charge du patrimoine culturel. Il est également Professeur invité à l’Université de Lille 2.
Conférence à l'initiative de l'Association des Étudiants en Restauration d'Œuvres d'Art (A.E.R.O.A.).
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Henry van de Velde et le Bauhaus — Art, industrie et pédagogie
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Henry van de Velde et le Bauhaus — Art, industrie et pédagogie
En 2019, le Bauhaus fêtera ses 100 ans. Fondé en 1919 à Weimar, l’école s’est ensuite installée à Dessau et à Berlin. Fermée en 1933 par les nazis, elle n’aura existé que 14 ans sous sa forme initiale mais les idées et les techniques développées dans cette école en architecture, en art et en design marqueront le monde entier.
À cette occasion, le Fonds Henry van de Velde asbl, l’école de La Cambre et la Faculté d’Architecture de l’ULB La Cambre-Horta ne pouvaient manquer de s’interroger sur l’héritage commun légué par Henry van de Velde, à la fois au Bauhaus et à l’Institut Supérieur des Arts Décoratifs (ISAD) de La Cambre, tel qu’il s’appelait lors de sa création en 1927.
La filiation entre l’école que van de Velde anime lui-même à Weimar dès 1904 et le Bauhaus reste controversée, sinon méconnue. Pourtant, entre 1900 et 1914, van de Velde contribua à assurer à l’Allemagne un véritable leadership européen en matière d’architecture et d’arts industriels, avant que le Bauhaus ne prenne le relais de 1919 à 1933.
Quels sont les liens qui unissent le Bauhaus et Henry van de Velde ? Le Bauhaus aurait-il vu le jour sans l’engagement, précurseur, d’Henry van de Velde dans l’enseignement des métiers d’art ? Ce focus sur Henry van de Velde se déroulera en plusieurs temps : outre la publication d’un nouveau numéro des Cahiers Henry van de Velde, rédigé par Anne Van Loo et consacré aux années allemandes de Henry van de Velde, un colloque intitulé Henry van de Velde et le Bauhaus. Art, pédagogie et industrie se tiendra le 15 février 2019 au Palais des Académies.
Inscription souhaitée : communication@lacambre.be
Organisateurs
Fonds Henry van de Velde asbl, Faculté d’Architecture de l’ULB La Cambre–Horta, ENSAV La Cambre.
Partenaires
Académie royale des sciences, des lettres et des Beaux-Arts de Belgique, Ambassade de la République fédérale d’Allemagne à Bruxelles.
Soutiens
Le Ministre de l'Enseignement supérieur, de la Recherche et des Médias, la Cellule Architecture de la Fédération Wallonie-Bruxelles et Wallonie-Bruxelles international
MeetingPoint #8
Conférence à l'initiative de l'atelier de Typographie
Karel Martens est un designer graphique, typographe et artiste néerlandais, développant depuis 1961 une pratique expérimentale et combinatoire de la matière imprimée. Son activité de designer indépendant inclut notamment le design collaboratif de la revue Oase. Il a reçu de nombreux prix au fil de sa carrière. Il est Co-fondateur du Werkplaats Typografie, Arnhem et enseigne à l’Université de Yale, New Haven.
François Frimat
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François Frimat
Les nouveaux chantiers de la danse contemporaine.
Les créations récentes en danse contemporaine, après deux décennies d’une histoire faite de crises et de mise en chantier de l’identité du médium danse, ouvrent ces dernières années à nouveaux frais plusieurs questions concernant sa propre histoire, son rapport au documentaire, le statut accordé au corps dans les processus créatifs, les modalités de la participation des publics. Cette évolution est également solidaire d’une remise en question des modèles de production. Cette conférence essaye de dresser un état de lieux qui, au-delà d’une simple description, propose d’articuler quelques interrogations philosophiques et esthétiques concernant l’actualité des pratiques chorégraphiques.
Cette conférence inaugurera le premier module Dramaturgie, esthétique, corps, politique de la formation continue Danse et pratiques chorégraphiques.
En partenariat avec Charleroi Danse, l’INSAS/Institut Supérieur des Arts du Spectacle, le Conservatoire Royal de Bruxelles et l'UO / Université ouverte de la Fédération Wallonie-Bruxelles, en collaboration avec la filière en Arts du spectacle de la Faculté de Lettres, Traduction et Communication de l’Université Libre de Bruxelles.
François Frimat est philosophe, enseigne la philosophie de l’art à l’université de Lille et à Sciences-Po Lille. Il est également président du festival Latitudes Contemporaines (eurométropole lilloise). Il a notamment publié Qu’est-ce que la danse contemporaine ? Politiques de l’hybride aux PUF en 2011.
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Double Jeu
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Double Jeu
Les Manufactures Catry, spécialisées dans la fabrication de tapis tissés haut-de-gamme depuis 1912, proposent un savant mélange de tradition, d’artisanat et de fabrication industrielle française.
La dentelle Leavers, issue des transferts de connaissance et développements industriels du XIXème siècle subsiste aujourd’hui dans la région de Calais et Caudry, notamment à travers les productions de la manufacture Darquer.
Deux entreprises de Patrimoine vivant dont Stéphane Plassier est le Directeur Artistique, avec lesquelles des étudiants de l’École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre ont collaboré.
Les étudiants de Design textile, mettant en jeu des protocoles de création et leur démarche expérimentale, ont investi la culture et les archives des Manufactures Catry pour aborder la formidable technique du tissage Jacquard Wilton.
Les étudiants de l'atelier de Stylisme et création de mode[s], à travers un singulier exercice de volume double, proposent une utilisation originale de la précieuse dentelle Leavers mise à leur disposition.
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Triennale du Prix «Coups de cœur» des Amis de La Cambre
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Triennale du Prix «Coups de cœur» des Amis de La Cambre
Pour sa 5e édition, la Triennale rassemble les travaux des 9 lauréats du Prix «Coups de cœur» 2016, 2017 et 2018 : Ani Bedrossian (Design textile), Diane Levasseur (Design textile), Marine Serre (Stylisme et création de mode), Estelle De Bruyn (Conservation, restauration des œuvres d'art), Léo François (Gravure et image imprimée), Ester Manas (Stylisme et création de mode), Loup Lejeune (Gravure et image imprimée), Sophie Kirkpatrick (conservation, restauration des œuvres d'art) et Pierre Graizon (Accessoires).
Commissariat : Lola Meotti et Alain van der Hofstadt
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Infime écart
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Infime écart
Le réseau ECART, pour European Ceramic Art & Research Team, rapproche cinq écoles supérieures d’art°, afin de réfléchir et de travailler autour de problématiques diverses questionnant la céramique comme médium, tant dans le champ de l’art que dans celui du design.
Le quatrième projet du réseau ECART intitulé Architectures céramiques, de la structure à l’ornement, a démarré par des rencontres et deux jours de conférences à la Villa Arson à Nice. Puis trois sessions de 1 semaine chacune, de visites et de travail ont eu lieu à Viana do Castelo au Portugal en décembre 2017, mars et avril 2018. Dans un souci historique lié à la tradition architecturale en céramique, nous avons établi une collaboration avec l’IPVC (Institut polytechnique) de Viana do Castelo. L'exposition "Infime écart" présente à la Casa Capela das Malheiras le travail réalisé collectivement par une trentaine d'étudiants provenant des différentes écoles.
°La Haute École d’Art et de Design – CERCCO, Genève,
L’École nationale supérieure des Arts visuels de La Cambre, Bruxelles,
L’École Nationale Supérieure d’Art de Limoges,
L’École Supérieure dʼArts Plastiques de la Ville de Monaco – Le Pavillon Bosio,
L’École Nationale Supérieure d’Art de Nice – La Villa Arson.
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Prix de la Gravure et de l'image imprimée — 27e édition
Prix de la Gravure et de l'image imprimée — 27e édition
Pauline Emond, diplômée 2018 de l'atelier de Gravure et image imprimée, a gagné le Prix de la Gravure 2018, décerné par le Centre de la Gravure et de l'image imprimée de La Louvière.
Les œuvres des artistes sélectionné.es par le jury international sont exposées au Centre de la Gravure à La Louvière jusqu'au 24 février 2019.
Certificat d’université en Genre et Sexualité
Certificat d’université en Genre et Sexualité
La Cambre s’est associée à l’ULB pour proposer à partir de novembre un certificat d’université en Genre et Sexualité. Ce certificat a pour objectif de mieux appréhender le genre : le définir, en saisir sa complexité et sa richesse, le décliner dans diverses disciplines et thématiques. Il introduira également aux outils d’analyse des études de genre pour aider les étudiant.e.s à devenir des acteurs/actrices de changement.
La Cambre organisera plus spécifiquement un module (Unité d’enseignement) "Arts, corps et représentations" au sein de la formation.
La Cambre a eu l'honneur d'accueillir, mercredi 26 septembre 2018, Sa Majesté le Roi pour une visite privée et informelle.
Six ateliers en particulier : Design du livre et du papier, Gravure et image imprimée, Typographie, Céramique, Peinture et Conservation, restauration des œuvres d’art.
Prix de la Jeune Céramique 2018
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Prix de la Jeune Céramique 2018
Sixtine Jacquart reçoit le Prix de la jeune céramique 2018. Le Prix, soutenu par les Amis de Keramis, consiste en une résidence pendant l'été 2018 dans les ateliers du centre Keramis à La Louvière, suivi d'une exposition qui présentera le travail réalisé pendant la résidence.
Sixtine Jacquart, diplômée 2012 de l'Atelier Céramique